El MacGuffin de Kaplan

Top Ten 2011

2012-01-15T19:47:00.005+01:00

Como cada año llega el momento de hacer reflexión y de ver que películas han sido las mejores estrenadas en los cines de España ( y no de Murcia) a lo largo del 2011. Existen algunas faltas graves, pues no he podido ver obras como Tourneé, El Havre, Cisne Negro o Somewhere; que pudiesen incluirse aquí. Ha sido un año de una grandísima calidad y dónde han predominado historias que hacían frente a la muerte y que exploraban mundos inimaginados por el hombre.

10- True Grit ( Valor de ley, Joel & Ethan Coen)

9- Mildred Pierce (Tood Haynes)

8- Melancholia (Melancolía, Lars Von Trier)

7- Midnight Paris (Medianoche en Paris, Woody Allen)

6- Tinker Taylor Soldier Spy (El topo, Thomas Alfredson)

5-Restless (Gus Van Sant)

4- Hereafter (Más allá de la vida, Clint Eastwood)

3- Drive (Nicholas Winding Refn)

1-2 (Ex aequo) The Tree of Life (El árbol de la vida, Terrence Malick) / La piel que Habito (Pedro Almodóvar)

The Artist, El cambio

2011-12-31T20:09:00.004+01:00

Come gather round people wherever you roam 
And admit that the waters around you have grown
 And accept it that soon you'll be drenched to the bone. 
If your time to you, Is worth saving 
Then you better start swimming or you'll sink like a stone 
For the times they are a changing.

Introducción
El párrafo anterior no merece presentación. Más allá de las contradicciones del autor, el texto nos lleva hacia una etapa en el que el ser humano se ve incapacitado para adaptarse a los nuevos tiempos, atrincherado en sus convicciones, negando el progreso y la propia naturaleza humana. En ese sentido la historia, de cualquier arte, está llena de avances, retrocesos o descubrimientos que abren el abanico de posibilidades narrativas al alcance del artista. Lo ridículo, en este caso, es hacer una oposición entre un tipo de arte en un determinado momento y otro; en las dicotomías absurdas que proclaman la prominencia de una época sobre otra. En ocasiones ciertos avances pueden llevar a un a una regresión, cuando no consiguen implementarse en los mecanismos narrativos sin aparecer de manera forzados, como serían los esfuerzos inútiles de las últimas producciones en 3-D; en otras la llegada de algo que rompe con lo anterior lleva un tiempo de adaptación y de explotar las nuevas formas, consiguiendo nuevos usos y herramientas creadas a partir de dicho avance. Los cambios más famosos siempre se han dado a través de la tecnología, siendo el más clarividente la incorporación, al sistema de Edison, de la capturación del sonido. Un descubrimiento que revolucionó a una industria. Los cambios más evidentes se daban en la construcción del actor en la puesta en escena, alejada ya de la figura del comediante, hacia un uso que primaba los gestos, posturas, dicción, tono y timbre. De este nuevo descubrimiento nacía el plano-contraplano como vehículo principal del diálogo, y el nacimiento del silencio. Una serie de cambios que, como siempre, resultan al principio difíciles de abordar. Una era a la que se acerca The Artist (Michel Hanavicius, 2011), en los que a través de ciertos códigos de la época, recrea la aparición y adaptación del cambio, convirtiéndose en un documento sobre una ficción.

El documento como ficción
Las partes más interesantes del relato no se fundamentan tanto en la historia de amor sino en su capacidad para mostrar los entresijos de una época, que parte desde la consolidación de un estatus en Hollywood, su derrumbe en forma de actores y que termina mostrando la gran aportación genérica del sonido: el musical. Porque la construcción del pathos se halla construida por diversos clichés algo maniqueos que apelan a la sensibilidad barata del espectador. Por este motivo, el juego en el que el discurso se transforma en la necesidad de narrar una época, se encuentran sus mayores aciertos. Elementos como la rutilante estrella, el productor omnipotente, la preparación de los escenarios; nos llevan aquél lugar mágico dónde la inocencia comenzó a expandirse. Lugares y personajes que lógicamente beben de la interextualidad de las grandes obras del género (por llamarlo de alguna manera), aquellas que han sido recogidas en la memoria selectiva del espectador. El uso del nombre de George Valentin que imita los gestos, poses y tipo de películas de Rodolfo Valentino, letreros que nos llevan a City Lights (Luces de la Ciudad, Charles Chaplin, 1931) en un momento de la historia en un rótulo se puede leer la expresión “Ya veo”, el ascenso de una actriz sonora. Todo ello confiere un entramado compacto que acaba revelándose como un auténtico “falso biopic” y que nos acerca a una serie de fobias y homenajes parecidos a los realizados en Super 8 (J.J Abrahms, 2011) de la década de los 80. Pero ese juego con el imaginario colectivo resulta totalmente revelador para descubrir las carencias y los tópicos sobre el cine silente. La proyección icónica que nos ha dejado dicha época parece concentrada en un cine de aventuras, llenos de héroes de masas con máscaras y espadas; de un slapstick de bufones, relegando todo el universo estético y narrativo que dejaron esas historias hacia la mínima expresión. Cómo si sólo hubiese existido un tipo de cine espectáculo y de masas, sin olvidar que las obras más complejas de Lang se hallan en su etapa muda (alemana) o que gente como Murnau incorporaron a través de la iluminación y el uso del travelling tanto dramático como compositivo, complejos avances en la puesta en escena. La imagen y la memoria, que es al fin y al cabo el valor del cine, han quedado falsa y erróneamente mitificados y cómo demuestra el último Dossier de Miradas de Cine, el cine silente abarca mucho más allá de los prejuicios que se tienen en la actualidad. Un juego que coloca la ficción en un terreno bisagra entre Singin`in the rain (Cantando bajo la Lluvia, Stanley Donen, 1951) y Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, Billy Wilder, 1950), curiosamente dos películas de la década de los 50; es decir, se recurre a la memoria colectiva de obras de otra época. Por eso el artefacto es defectuoso y la nostalgia a través de elementos posmodernos queda mejor reflejada en obras Juha (Aki Kaurismäki, 1999) o las incursiones experimentales de Guy Maddin. Incluso en estas fechas se han juntado dos estrenos como Tinker Taylor Soldier Spy (El topo, Thomas Alfredson, 2011) y Drive (Nicholas Winding Refn, 2011) que sin hacer ejercicios monumentales consiguen dotar a la imagen de su valor primario como acto de comunicación.

El juego de Texturas
El modo que adopta el discurso de homenajear la realización cinematográfica es a través de las texturas utilizadas por los directores de aquella época. Así, se consigue dotar al relato con los códigos gráficos y visuales propios en la planificación de las películas silentes. Éste intento de homenaje se aprecia en el uso del formato 4:3, la utilización del iris como forma de cerrar una escena, la imposibilidad de las ópticas por conseguir planos detalles precisos, la sobreimpresión de planos. Una forma que invita al contenido. Sin embargo, ya sea por torpeza o por un mero capricho posmoderno, no se entiende el uso de determinados elementos como el juego con las transiciones imitando a Citizen Kane (Ciudadano Kane, Orson Welles, 1941), y sobre todo el flagrante uso de la música de Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958), ya que son elementos que se utilizaron en años posteriores. El uso de la superposición de elementos distintos y reconocibles es muy útil en aquellas obras que se erigen en verdaderos pastiches posmodernos y que sirven como relecturas de determinados géneros, lo que en ocasiones se consigue. Existen dos escenas en el que el juego del sonido y el silencio se hace patente. La primera es el momento onírico pesadillesco en la que la fusión del sonido y el silencio hacen que el personaje y la diégesis se acaban adueñando del discurso del relato, discurriendo por el terreno de las penurias y angustias de George. El segundo momento, totalmente irónico, muestra la imposibilidad del personaje principal para comunicarse con un policía, incapaz de articular palabras comprensibles hacía su receptor. Dos instantes que convierten al propio artefacto de autoconsciente y dónde el introducir elementos ajenos estaría totalmente justificado. Sólo en ese caso tendría sentido la utilización de la música de Bernard Hermman en el momento en que el propio celuloide acaba consumiendo todo, buscando la referencia con la actualidad en el que el digital lo está enterrando. Una historia que cómo dice Ángel Quintana “acaba hablándonos de nuestro propio presente”. Un presente en el que otra vez los tiempos están cambiando. Puede que Dylan tuviera razón.

Melancolía, Romanticismo en imágenes

2011-11-28T20:50:00.004+01:00

Prólogo
El anterior trabajo de Lars Von Trier (Anticristo, 2009) proponía, dentro de su estructuración por capítulos habituales, la inclusión de dos piezas que funcionaban como prólogo y epílogo del relato. Su funcionalidad de rara avis se manifestaba por la diferente puesta en escena. Filmadas en blanco y negro, las imágenes estaban impregnadas de simbología, alejadas de la realidad filmada del danés, y que junto al uso de sus planificados y ralentizados travellings y del acompañamiento musical de Hendel, nos devolvían a los juegos con la imagen de Europa (Ídem,1991), su mejor película. Parte de esta estructura se repite en Melancolía, con la diferencia de que el prólogo es un resumen de la acción narrativa de la propia película, y la eliminación del epílogo. En la secuencia de apertura y a ritmo de un romántico como Wagner, aparece el rostro de Justine (Kirsten Dunst) interpelando con su fría mirada al espectador a medio camino entre el odio y la desesperación. Una mirada que deja paso a un resumen de toda la película a base de postales propias del Romanticismo. Planos pictóricos en los que se muestran los cuerpos de los personajes arraigados a la violencia de la naturaleza en su eterna lucha común. El uso de claroscuros como forma de iluminación y la saturación de colores (Verdes, azules) para expresar emociones, nos acercan más a Delacroix que a Lars Von Trier. Una sintomatología del arte en el período romántico. Probablemente la mejor secuencia de apertura del cine moderno. Pura pieza armónica.

Capitulo 1
Las imágenes impactantes del prólogo desaparecen en el primer capítulo del relato. La rigidez armónica y monumental de sus formas se transforman en puro movimiento. El inicio de éste responde a una vuelta a sus orígenes; esto es, al uso nervioso de la cámara al hombro, a los zooms repentinos y arbitrarios, a personajes desencuadrados, al uso del enfoque selectivo; en definitiva a la fragmentación temporal de la escena. Elementos propios de la puesta en escena del danés. La escena comienza con una limosina que no puede trazar una curva debido a su geometría. Un contratiempo que no parece perturbar la mirada de Justine que se toma a guasa la imposibilidad de continuar en el camino, en un ambiente de felicidad y jolgorio que le llevarán a retrasar dos horas su llegada a la celebración de su enlace. Una mirada que encuentra tiempo para ver y hablar a su caballo antes de entrar en la mansión de la celebración. Tras la puerta se halla el verdadero infierno de la madurez de la vida. Una celebración que se muestra como ceniza de la inocencia del blanco del vestido. Un lugar, el estado adulto, que acaba convirtiéndose en el sitio dónde los hipócritas se quitan sus máscaras y comienzan la auténtica representación. La mansión se convierte en un espacio lleno de juegos, y mediante un valiente ejercicio meta-narrativo, todo queda relegado a posturas que no son más que símbolos: La falsa amistad de un jefe que conlleva un trabajo devorador como método de explotación mediante falsas consignas, rituales triviales revestidos de adivinanzas en juego de las botellas, la compostura formal ante los verdaderas emociones. Todo un mundo que no es otro que la bajada a los infiernos de Justine a medida que va redescubriendo la celebración. Por eso la elección del espacio y del encuadre se realiza de manera vital. Los interiores son filmados por movimientos abruptos y fragmentados llenos de rostros desencajados, como si al intentar reconstruir ese instante la realidad no se dejase perforar y sólo quedase tiempo para acciones e instantes aislados y desvelazados. La imagen felicidad-boda termina volando por los aires a través de los diferentes agujeros por los que la realidad acaba invadiendo la recreación. Así, en un acto de explotación interna la frase “Ser feliz” acaba siendo un gesto impostado e inútil tras una máscara dónde se esconden los horrores de la vida contemporánea alejada de los cuentos de hadas. Todo ese ambiente opresivo encuentra su contrapunto en el uso de los exteriores. En ese espacio la cámara adopta un lugar lejano a la acción, como si su función fuera de registro, sin enturbiar el paisaje, dejando que los personajes se fundan con la naturaleza en una revisitación de las constantes de Antonioni. Esa comunión con la naturaleza es el proceso inverso que recorre Justine, el de en vez de incluirse en la materialidad de la vida humana, acaba desdoblándose en sí misma. De la felicidad de aquel instante en el coche, a la libertad y pesimismo existencial de quién se sabe conocedor de la verdad, en el último plano.

Capitulo 2
Silencio, soledad, calma. Frente al bullicioso ruido, los constantes movimientos de cámara se relajan de la pulsión del primer acto. La contención en el gesto y la mirada han dado un incremento de la fisicidad del actor en el que todo queda relegado a posturas y gestos más hieráticos, sin lugar para la celebración. Escenas, sin embargo, aun más arbitrarias que oscilan entre una carrera de caballos y su linchamiento por parte de Justine a intentos forzosos por parte de Cristine (Charlotte Gainsgbourg) por conseguir que su hermana se bañase (purificase). Si el primer capítulo se caracterizaba por un dolor emocional el segundo se envuelve en un torrente de golpes hacía el cuerpo. Un estado que más allá del acercamiento del planeta Melancholía nos acerca a las narrativas de situaciones propias de cineastas tan dispares como Wong Kar-Wai y Terrence Malick. Donde en ellos el uso de narradores enlazaba los agujeros que deja el relato (si bien esto se produce por el rodaje de ambos directores sin un uso de un guión establecido) entre las distintas acciones, en Melancholía, los actos de los personajes concentrados en un suceso temporal cercano (La aproximación de un planeta) dan lugar a una nueva forma de narrar donde las elipsis permiten acciones dispares que terminan adueñándose del relato. Si en la primera parte era la celebración la que se desdoblaba hacia discursos, bailes, duchas y enfados en salones; en el segundo capítulo todo queda reducido a un planeta del que desconocemos su existencia pero parece haber habitado en la diégesis desde su primera toma. Un pliego en la acción que hace que el relato pase de un drama a una película de ciencia ficción, la disolución del género como conquista posmoderna. En este ambiente decadente es donde quedan al descubierto las posiciones estructurales de la celebración relevando sus formas estereotipadas: la racionalidad y superioridad moral, la huída como solución a un problema, el derrumbamiento existencial por la no aceptación del destino, y la inocencia limitada como valor para conservar. Personajes que se convierten en roles, al que aceptan, al entrar en colisión cuando se inicia la danza de la celebración. Al final sólo queda el romanticismo.

Personajes: Travis Bickle

2011-07-23T20:30:00.005+02:00

“La soledad me ha perseguido toda mi vida en los bares y los autos, sobre las aceras, en todas partes. No hay salida. Soy el solitario de Dios”.

Esta frase pronunciada por Travis en el interior de su mente y mostrada en los albores de su solitaria habitación, resume en su totalidad el planteamiento y ejecución de dicho personaje. Travis Bickle es un ser solitario, que vive en una ciudad en la que no conoce a nadie, y cuyo contacto con el exterior son unos padres a los que mantiene engañados mediante postales. Su habitación y su taxi se convierten en su rincón favorito y las frías butacas de un recóndito cine porno el lugar idóneo para relajarse. Es un personaje que apenas tiene conocimientos sobre música, sobre política o sobre cine, directamente no le interesan. Estos rasgos podrían retrotraernos a un ser psicológicamente cercano a un autista. Su condición solitaria se podría explicar por varias vertientes. Primero, por sus antecedentes militares, el típico estrés postraumático producido por la participación de una guerra –Vietnam-, y la alienación producida por una sociedad que olvida a sus antiguos héroes al ostracismo. Aparte de su condición militar, existe otro condicionamiento y se trata de su propio estado mental. Posee problemas de insomnio que le provocan una distorsión de la realidad en la cuál interpreta que la sociedad está contaminada(los barrios están llenos de negros y putas) a los que hay que limpiar, siendo él el único ser que se halla limpio. Esta idealización de sí mismo responde a un cierto narcisismo del personaje, reforzado por la variedad de escenas en las que Travis se observa a sí mismo o queda reflejado en un espejo. Una entronización que lleva a su máxima expresión el bordado de su nombre en la chaqueta que lleva durante gran parte de la película, en una reafirmación del individuo, en una incesante necesidad de ser reconocido.

En este individualismo, aunque en parte sea culpable, también existe el anhelo de revertir la situación. En su habitación observa la tele y como esta emite películas en las que siempre aparece la imagen de una pareja, ya sea en un baile de graduación o en actitud cariñosa. Ese enroscamiento en el yo parece acabarse cuando Travis se enamora de una imagen -en semejanza con la tele y con la materia primaria del cine-, en este caso de Betsy. No conoce nada sobre el personaje, no comparte ningún gusto, sin embargo cree hallar en ella a otro ser solitario y puro, parecido al él.

El acercamiento hacia una imagen puede parecer una verdadera distorsión de la realidad y acrecentada por su visión infernal de la ciudad de Nueva York. Sin embargo, en ningún momento sus acciones se hallan ante una alteración de la imagen y la creación de un mundo aparte, sino que así es su visión del mundo, eso sí, que puede parecer algo alterada. El acercamiento de Travis hacia la realidad es más propia de un demiurgo o un Dios, un ser que contempla y enjuicia a los hombres desde un taxi y que contempla la creación del universo a través de una taza de café- en claro homenaje a Godard- desde una altura y responsabilidad moral. Pero esa diferenciación ha provocado ese autismo antes mencionado. Apenas se mueve bien en las relaciones sociales. Su lenguaje es lento y pausado como si cada palabra que intentase comunicar costase arrancárselas de la lengua, por no hablar de ciertos códigos de conducta, como llevar a Betsy, en su primera cita, a la proyección de una película pornográfica.

Esa mirada adquiere su condición más radical en su concepción del universo femenino. En toda la película sólo adquiere el contacto con dos personas: Betsy e Iris. Las dos no se parecen en nada. Mientras que la primera es una joven con estudios, que lucha y persigue unos ideales no especificados y que sería la imagen angelical que sobresale del infierno de la ciudad; la segunda es una puta, menor de edad, y consciente de su condición. Ambas son observadas desde el propio taxi, pero la primera está en un escalón superior en la sociedad y queda horrorizada hacia el hobbie favorito de Travis -las películas porno-, sin embargo en Iris ve a alguien a la que puede rescatar del infierno. Esa ambigüedad de situarse en el punto medio es la que otorga la determinación cercana al pensamiento de Nietzche de matar al padre, Dios no existe y la única forma de liberar los lazos existentes que impiden que Betsy se interese por él y que Iris dejé esa vida es con la muerte del candidato Palantine y del proxeneta Sport.

Aquí se produce el cambio más sustancial del personaje. Al principio del relato, Travis Bickle se halla construido mediante gestos totalmente hieráticos, en la que los labios eran los únicos que se movían, como si el cuerpo acompañará la acción pero no sobresaliese en ningún momento. Este estatismo desaparece en el momento en que Travis decide que su cuerpo debe reformularse para conseguir una mayor definición muscular. Esto se consigue mediante un entrenamiento específico que se parece a la preparación de un samurai (entrenamiento físico y espiritual, búsqueda del arma propicia, movimientos sigilosos), y que culmina en el peinado a lo mowhank, que le convierten, ahora sí, en un verdadero salvaje de la civilización, en una exteriorización y representación de su locura. La transformación y reafirmación del yo se produce en la famosa escena culmen en la que Travis interpela a un espejo- al espectador- con su ya famoso “¿Estás hablando conmigo?”, y que su realización fue posible mediante una absoluta improvisación de Robert de Niro. Esta mutación tiene como objetivo la redención personal y que tras conseguirlo deberá emprender una misión suicida. Se convierte, por lo tanto, en un extraño antihéroe en el que para poder conseguir su doble objetivo deberá realizar el mal.

Este antihéroe adquiere su referencia directa en Ethan Edwards, Centauros del desierto (The Searchers, John Ford, 1956). El vaquero que provenía de una gran guerra y que volvía a casa para descubrir que su sobrina/hija había sido secuestrada por los indios, y que tras encontrarla se da cuenta que ella ya no es lo que era y que desea permanecer allí. Los paralelismos argumentales y de vestuario – las botas de cowboy- son obvios, si bien, el desenlace y las consecuencias de la misión serán diferentes pues mientras Ethan la rescataba entregándosela a su madre y quedándose apartado de la gloria, Travis es admirado por los padres de Iris, por sus compañeros taxistas y aparece en el periódico. Sólo a través del mal Travis consigue purificarse a sí mismo y a la sociedad, sin embargo la última decisión de Travis refuerza su carácter divino, rechazando a Betsy y eligiendo no pertenecer a esa sociedad. Un antihéroe por encima del bien y del mal, un solitario de Dios.

¡No a la guerra!

2011-03-22T19:06:00.004+01:00

Porque el horror invade los pueblos

Hiroshima, mon amour (Alain Resnais, 1959)

Porque obliga a pelear a los inocentes

La gran guerra ( La grande guerra, Mario Monicelli, 1958)

Porque siempre esconde un motivo oscuro

¿Teléfono rojo? Volamos haci Moscú (Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, Stanley Kubrick, 1964)

Porque no es lo que deben enseñarnos

El silencio (Tystnaden, Ingmar Bergman, 1963)

Top 10 +1 Cine 2010

2011-01-14T11:58:00.011+01:00

Una año más, otra lista sobre las mejores películas estrenadas durante el 2010 en España. Queda de antemano que por ciertos motivos algunas obras no he podido visionarlas por lo que será un top un tanto descolgado, así las últimas creacciones de Godard, Anderson, Joe o Lee Chang-dong, no están. Espero en los próximos meses poder contemplarlas. Así, obviando aquellas películas, el 2010 nos ha dejado unas imágenes que bucean sobre el pasado para poder explicar los mecanismos del presente, es decir, la crisis económica (alguna directamente) y el estado del hombre posmoderno. Las tres primeras son inamovibles, el resto puede ir variando dentro de la lista.

1- I´m not There (Tood Haynes, 2007)

2- Two Lovers (James Gray, 2008)

3- Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010)

4- La red social (David Fincher, 2010)

5- Canino (Giorgos Lanthimos, 2009)

6- La mujer sin piano (Javier Rebollo, 2009)

7- La cinta blanca (Michael Haneke, 2009)

8-Shutter Island (Martin Scorsese, 2009)

9- Un tipo serio (Joel & Ethan Coen, 2009)

10- Vincere (Marco Bellochio, 2009)

Mención Especial: Toy Story 3 ( Lee Unkrich,2010) y a todo Pixar en general.

Top Audiovisual: 5+1

2010-12-31T19:49:00.005+01:00

Una nueva lista - cosa bastante rara por estas fechas- de momentos que provienen del audiovisual, ya sean en forma de series, programas de televisiones o videoclips, excluyendo del top las 10 mejores películas estrenadas en este año, que será otra entrada. Sin más dilación aquí van mis 6 momentos del año sin ninguna ordenación:

- El Final de la serie Lost

- Conferencia de prensa de Nucky Thompson en Boardwalk Empire que emula al Padrino

- Promo del capítulo White Tulip de Fringe probablemente lo mejor del año

- Cualquier vídeo manipulado del Intermedio en que sale Punto Pelota

- Videoclip de Arcade Fire " The Suburbs" dirigido por Spike Jonze

-Informe Robinson Mundial 2010

75 años "Una noche en la ópera"

2010-11-10T17:40:00.002+01:00

Porque el humor, las obras maestras y los hermanos Marx, nunca envejecen; son inmortales.

Pd: Y dos huevos duros

The Simpsons: Banksy

2010-10-11T20:35:00.002+02:00

No podía ser de otra manera. La conjunción de dos iconoclastas no podía dar mejor resultado.

Cine de Animación: Shrek y Toy Story

2010-07-31T19:42:00.005+02:00

Este mes de Julio nos ha propuesto dos relatos de animación que daban por finalizado una etapa en este tipo de género. Dos propuestas que reformularon el uso de la imagen sintética y su capacidad para ofrecer acciones mas allá que una simple acumulación de gags con un claro corte infantil. Así, tanto Shrek como Toy Story, han sido adalides de la batalla de dos compañías por la supremacía de la animación, que cómo en el inicio de los grandes estudios, se posicionaban en busca de un mismo público, pero fidelizandoló de manera distinta. Mientras Pixar ha ido generando diferentes obras, que lindaban entre el público infantil y el adulto, Dreamswork mezclaba sus producciones no centrándose tanto en este terreno. El desarrollo de Shrek y Toy Story también ha sido distinto, mientras que una buscaba la identificación con película populares la otra buscaba el reconocimiento de la niñez por medio de la voz de los juguetes. Pues bien, a modo de resumen, veamos que sorpresas nos han propuesto en su defunción dichas obras.

SHREK 4 (Mike Mitchell, 2010)

El ogro más famoso del mundo termina sus aventuras en esta cuarta entrega donde parece perder toda la creatividad del primer precedente, en una saga cuyos bandazos de originalidad desaparecían de manera inversamente proporcional a la creación de un nuevo modelo. Su aparición partía del modelo de un pastiche posmoderno, mediante una relectura de los cuentos clásicos de Disney y de la interextualidad de ciertos textos procedentes del cine, para poner de relieve al antihéroe total en el mundo de princesas y dragones. Sin embargo, los problemas comenzaron con sucesivas producciones; si bien la segunda parte con la aparición del héroe desfasado y la inclusión del Gato con Botas, que ampliaba los márgenes de la diégesis, mantenía en nivel al relato; en la tercera parte simplemente se dedicaba a mantener la aventura y a engordar las arcas de Dreamworks. En esta última entrega se decide alterar los márgenes del tiempo en un discurso que se apropia de la historia para volver a empezar, en un intento de retorno hacía los diferentes códigos utilizados en los anteriores producciones. De esta forma, el relato vuelve a partir no de los cuentos clásicos e infantiles sino de una relectura directa de ¡Qué bello es vivir! (Frank Capra, 1946), sobre todo de la parte final donde la narración se inserta en un tiempo muerto en el que el ángel se sirve de demiurgo de la acción; y que entronca con la desaparición del ruido exterior en el que vive el hombre contemporáneo. Los hijos, amigos, conocidos; claman y llaman a Shrek monopolizando su atención y convirtiéndolo en un simple mono de feria, lo que provoca que el personaje se encierre en un mundo equiparable al bullicioso ruido de la ciudad; incluso desde la propia secuencia de apertura, en la que reitera la frecuencia del mismo día formando una alineación temporal parecida a la de Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1992). Shrek se halla desgastado por el asfixiante ritmo de la sociedad en comparación con la soledad y paz interior que proporciona su ciénaga. En un intento de aplicar la deriva de la identidad del ser humano, obligado a ejercer actos que detesta- el famoso “Ruge ya”- y que le provocan un gran vacío decide emprender la clásica huída, el reencuentro consigo mismo. En este terreno, que ya se lindaba en anteriores relatos, se introduce el personaje de Rasputikin: una especie de Napoleón tanto en el aspecto físico (De estatura inferior a la media, cabezón) como en el aspecto de sus motivaciones que se asemejan a la conquista de territorios de manera dictatorial; que provocará la aplicación del uso tiempo. Así, el mago – o el brujo malvado de cualquier cuento- activa el mecanismo del tiempo como poder catalizador de la historia de manera interna. Y he aquí la gran diferencia con las dos últimas obras: la creación de una nueva dimensión o universo paralelo a la que sólo podrá volver a su línea cronológica hallando su constante, es decir, el beso de amor verdadero de Fiona. Un punto de partida que recuerda en exceso a uno de los mejores capítulos de Lost: The Constant, pero que mientras que en el primero el discurso se reduce a la misma línea temporal, es decir a una dimensión, la digresión en esta materia de la serie creada por JJ: Abrahms se encuentra plenamente justificada de manera externa y los saltos al vacío provocan un mayor existencialismo en Desmond, que ve cómo altera su misma vida viajando al pasado y al presente y en su propia dimensión en los que los cambios efectuados tendrán una repercusión en sí mismos; y por este motivo el “I Love you Penny” resuena con más fuerza que la melodía y el beso final de la alteración temporal de Shrek y Fiona, porque la desaparición como individuo sólo se produce al final sin un mayor desgaste en sus acciones corporales. Esta novedad que funciona como verdadero justificante de la acción nos sirve para dar por finalizado el relato de una diégesis que ya estaba más que ha sido la justificación de todo el relato pues su verdadera misión no es otra que ofrecer otra visión del destino para un final en el que la diégesis ya estaba más que desgastada.

TOY STORY 3 (Lee Unkrich,2010)

La trilogía de Toy Story ha mantenido el mismo esquema dramático con leves matices que le han permitido que la diégesis no se desgastará. De esta forma los tres actos rememoraban las producciones clásicas de Hollywood contadas con el mismo patrón, insuflando por otro lado ese sabor añejo que se produce en la propia materia de la historia, la de atribuir y dar vida a unos personajes en los que el ser humano organiza sus propias vidas a través de sus propia creatividad infantil. Una diégesis que se construía a través de personajes inmateriales y cuyo recorrido ofrece la vuelta a la infancia. Esta tercera entrega, toma el punto de partida del epílogo, en el que presenciamos la verdadera madurez de Andy, previo paso por la adolescencia. Así, ya desde la secuencia de apertura la linealidad del discurso nos lleva al mundo onírico llevado a cabo en las anteriores entregas, al universo inconexo y válido de los juegos de niños, donde un enorme guardián del espacio ayuda a un vaquero del oeste en su persecución y captura de unos ladrones que huyen en su coche mientras que el malvado cerdo volador los protege en su gran zeppelín. La imaginación y la conjunción de elementos hechos realidad en una de las secuencias más arriesgadas de la saga, pues hasta ahora, nunca se había ocularizado tanto a Andy y sus acciones determinadas desde un cierto distanciamiento que provocaba que los grandes personajes eran los muñecos. Por ello, su gran novedad reside en el verdadero distanciamiento que realiza Andy de los juguetes, una despedida por el universo del crecimiento de un personaje que se dibujaba formando casi una deixis, en el que sus palabras no brotaban sino que se contextualizaba por sus acciones hacia otros. Así, los juguetes funcionaban de narradores de Andy, de agentes activos y pasivos de la narración. Y ese alejamiento se vuelve recíproco cuando le observamos interna y/o externamente, donde se nos muestra los verdaderos sueños y el autentico devenir de sus acciones. La responsabilidad ya no es aceptar que juguete elegir Buddy/ Buzz, sino el de dar un nuevo paso al frente en su propio de maduración cómo persona, abandonar el mundo infantil para adentrarse en el universo universitario. Una decisión que vuelve a ser poseída por el azar, por el propio devenir de los acontecimientos y que provocará una nueva aventura, quizás la más cinematográfica, pues tendrán que pasar por un cuartel que parecer dirigir las miradas hacia los dramas carcelarios, ampliando el número de referencias ( más las propias de Pixar y Miyazaki). Si en Shrek partía de un cierto volver a empezar con pocos personajes nuevos, Toy Story crece en su mitología aportando elementos nucleares como Ken o la nueva caracterización de un oso malvado antagonista, en el que ,se rompe el código de reconocimiento y tanto el aspecto como en su diseño (redondo, colores claros, movimientos esquemáticos y ladeados apoyados por un bastón) que indican lo contrario. Después de todo, el final indica el nuevo mundo de Andy y quizás el punto y aparte de Pixar, en el que puede que deje atrás el pasado para explorar nuevas diégesis narrativas. Ahora toca jugar con otros materiales.

ESPAÑA CAMPEONA DEL MUNDO¡¡¡

2010-07-12T19:29:00.003+02:00

Y el Dios Iniesta lo volvió a hacer

This is the end

2010-05-23T13:44:00.000+02:00

Ciclo Akira Kurosawa

2010-03-27T19:26:00.012+01:00

Durante seis días asistí a un seminario dedicado a la figura de Akira Kurosawa, uno de los grandes maestros japoneses junto a Ozu y Mizougchi. Para mí, se trataba de una toma de contacto con este director puesto que no había visionado ninguna de sus obras. Un caramelo en el paladar para poder seguir abriendo vías y explorando su cine de forma más autóctona. Fueron, entonces, seis películas de diferentes etapas, desde las obras de contacto con el arte cinematográfico hasta su obra póstuma. Un recorrido, un esbozo, por el camino que siempre llevó a cabo Kurosawa, pasando por los primeros homenajes mediante la inclusión de diferentes códigos de referencia llevando al extremo la interextualidad, hasta la depuración de un estilo basado en la contemplación de la vida humana( siguiendo la misma línea utilizada por su admirado John Ford pero dotándole de sentido propio). Obras de un autor humanista en busca de personajes enfrentados a mundos para los que no se hallan predestinados, que necesitan imprimirle unos cambios vitales. Son situaciones que muestran la verdadera esencia del ser humano; la lucha por la libertad, el amor a la verdad y a la vida, la lucha de egos o la amistad. Pero siempre con el mismo discurso frío y amplío, aquel en el que importa más observar a los sujetos que la propia búsqueda del tratamiento dramático. Porque las historias de Kurosawa, como las de John Ford, hablan de la gente y por ello se produce un absoluto estatismo y una ausencia de primeros planos- conforme avanza van desapareciendo-, ya que apenas se buscan, sino que lo interesante es la expresión y los gestos de los personajes. A continuación un breve esbozo de cada una de ellas:

No añoro mi juventud (1946)

Las primeras obras de cada autor son las más fáciles de encontrar referencias, códigos ya usados y aprehendidos de forma que estos se hallan moldeados al carácter de cada director. Aquí las referencias son diversas, desde la búsqueda del plano medio de John Ford, pasando por el montaje tonal e intelectual de Eisenstein, hasta ese plano final que recuerda a La mujer de París (A Woman of Paris, Charles Chaplin, 1923). Esta es la única película, al igual que el referente, en el que el personaje central de la obra es una mujer. Un relato que respira neorralismo por todos costados, que avanza desde la revolución política hasta la desesperanza y el olvido de la clase obrera; que nos deja de la misma manera que las miradas ingenuas de los habitantes del pueblo ante la subida del monte de Yukie, con un travelling mirando a la espalda trabajadora de Japón, de la construcción de una nueva identidad. Ambos se convierten en una cuestión moral y no un simple virtuosismo técnico.

Râshomon (1950)

Sin lugar a dudas mi preferida de este ciclo. La fragmentación del relato a través de diferentes narradores que parten desde lo autodiégetico hasta lo heterodiégetico, y sin embargo ninguno puede ser considerado como fidedigno. El discurso se multiplica a través de historias que contienen otras historias, de narraciones que contienen relatos en sí mismos configurados, de textos que contienen otros textos pero que ninguno contiene el verdadero. Quizás, se trata de una simple estructura llevada a través de varios cortometrajes. Pero lo innegable es que ese efecto de la multiplicidad del punto de vista produce un distanciamiento de la acción de los propios narradores, perdidos en la niebla de la mentira que les conduce el bosque, su propia naturaleza. Un relato falso, pues ninguna de sus instancias y agentes son fiables. Y aún así, a pesar de las diferentes visiones, la propuesta de Kurosawa se muestra impecable: ¿Qué es la verdad?. No existe una respuesta porque cada una se halla sesgada, como cada persona posee una propia visión de las cosas. La objetividad no existe, la mentira y el resurgimiento del reino de la sociedad sólo será posible a través de ellas. Sin ella, seremos tiranos de la opinión y de la visión pero nunca de la verdad.

Ikiru (1952)

Como cualquier humanista Kurosawa decide explorar los sentimientos humanos a través de temas universales y atemporales como la muerte y la vida. Desde una premisa de la noticia de que Watanabe morirá el dispositivo se forma de manera que sitúa un punto límite, una fugaz vía de escape que sirva para cerrar el relato. Sin embargo, esta huída que emprende no le servirá y ese mismo punto de fuga se volverá para seguir a un personaje que sufre una autentica transformación, de descubrir que le quedan pocos días de vida a disfrutar de lo que le queda de ella, para olvidarse de los argumentos de Sastre y abrazar la teorización del humanismo. Por ello, el intercambio de secuencias comienza a ser más rápido, pasando desde la desesperanza absoluta que deja el rostro Mifune contemplando hundido como la lluvia golpea su rastro interpelando con su mirada el radio de acción del espectador, , haciéndole participe de su sufrimiento; para convertir esa angustia en movilidad, en una palabra: vivir.

Derzu Uzala (1975)

Si en Râshomon el espacio localizaba la maldad y la falsedad como fuente primaria de la concepción humana, otro bosque- más frondoso y más mayestático- nos muestra el otro lado existente, el de la vertiente de la bondad humana. Pasamos medio relato contemplando la espectacularidad de la fauna de la tierra, de los frondosos bosques con sus árboles impregnados de color, del frío intenso que produce un campo helado, de los ríos que transitan por el medio de la naturaleza, que casi podría tratarse de un documental sobre la madre Tierra. Sin embargo, esa relación también la plasma en el ser humano, en el terreno de la amistad entre Derzu ,un personaje que abraza la materia prima, y el General que abraza directamente todo lo que haga el Cazador.

Ran (1985)

La tonalidad y la viveza de los colores primarios se muestran en su lado más salvaje, en una lucha sin cuartel para establecer la supremacía de la luz. Para esta historia ambientada en el Japón medieval Kurosawa utiliza el color como único elemento expresivo, llenándolo de ambición, de dolor, de lucha; en una epopeya que muestra tanto las más altas batallas como las más terribles traiciones del ser humano. Tomando como punto de partida El Rey Lear trasvase cualquier resquicio literario en una historia de locos y en el que el personaje más loco recita uno de los monólogos más cuerdos de la historia del cine. La historia es una excusa para mostrar tonalidades que refuerzan pensamientos adquiridos, comportamientos que derivan de la propia concepción mental humana; rojo, amarillo, azul, todos juntos y en la misma batalla de un pintor por configurar su fresco, en busca de la tonalidad adecuada.

Madadayo (1992)

Llegamos a la última película y en ella todos los rasgos implementados en la obra de Kurosawa se exponen de manera más depurada y quizás más radicalizada- la dilatación del instante a través del plano general con el teleobjetivo-. Organizada como un triángulo, cada encuadre trata de trazar cada vértice colocándolo siempre en correspondencia con los valores emocionales que le corresponden. Es decir, Uchida siempre se halla alzado sobre el resto de sus alumnos, y este siempre es inferior al rostro de su esposa. Un gran hombre que esconde una gran mujer. Dejando así, un rastro testimonial, en el que llama a sus más altos maestros( Ford, Capra), por eso dicha composición en el encuadre, Kurosawa dejaba el último de sus cuadros; un bonito sueño que recorre toda su trayectoria.

La quiniela de los Oscars

2010-03-07T19:28:00.001+01:00

Mejor Película: Inglourious Basterds (Quentin Tarantino), básicamente porque esa demostración de poder del cine cómo arte se merece los máximos premios.

Mejor Director: Inglourious Basterds (Quentin Tarantino); Ídem

Mejor Guión adaptado: In the Loop’, de Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche; la acidez con la que transmite la dualidad realidad/ ficción es totalmente delirante.

Mejor Guión Original: Inglourious Basterds (Quentin Tarantino); esa historia/victoria lleva un seño ganador impepinable

Mejor actor principal: Jeff Bridges por ‘Crazy Heart’, de los vistos no me convence ninguno así que directamente pondré el ganador

Mejor actor de reparto: Christoph Waltz por ‘Inglourious Basterds’, Por la configuración de un personaje mítico

Mejor Actriz principal: Sandra Bullock por ‘The Blind Side’; ïdem con el de actor. Es un premio cantado

Mejor Actriz secundaria: Mo’Nique por ‘Precious’, lo único apreciable de una obra vomitiva

Mejor película de animación: Up (Pete Doctor), Pixar se hace mayor, aunque me hubiera gustado ver la de Wes Anderson…

Mejor dirección artística:‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’, Dir. Art.: Dave Warren y Anastasia Masaro, Decorados: Caroline Smith; La reconstrucción de tantas épocas en forma epopeyica se merece un premio

Mejor fotografía: ‘The White Ribbon’, de Christian Berger: Arisca, fría, objetiva, consigue transmitir todo lo que Haneke busca: la reflexión

Mejor diseño de vestuario:‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’ de Monique Prudhomme; Ídem dirección artística

Mejor montaje:‘The Hurt Locker’, de Bob Murawski y Chris Innis; La adrenalínica vida de Irak en forma de explotar y desactivar bombas.

Mejor película en habla no inglesa:‘La cinta blanca’ (Alemania): Un racconto que utiliza el fuera de campo para reflexionar, en la constante búsqueda de mantener un método objetivo sobre la historia. El ideario periodístico hecho relato

Mejor maquillaje: ‘Star Trek’, de Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow; Ninguna me convence pero el recrear el mundo Trekkie lleva su merecido

Mejor partitura musical: ‘Up’, de Michael Giacchino; este compositor semi-dios capaz de saturar al espectador con su suspense en Fringe y Lost nos muestra el lado más tierno de Carl y Elli. Extraordinaria hasta no poder decir basta

Mejor canción original: “The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)” de “Crazy Heart’, música y letra de Ryan Bingham y T. Bone Burnett; Por descarte

Mejor cortometraje de animación: ‘The Lady and the Reaper’, de Javier Recio Gracia; ¡UN premio para España!

Mejor sonido: ‘Up’, de Michael Silvers y Tom Myers; El viaje en globo y el vuelo en Zeppelín se te metían por las entrañas

Mejor montaje de sonido: ‘The Hurt Locker’, de Paul N.J. Ottosson y Ray Beckett; Irak nunca sonó tan real

Mejores efectos visuales:‘Avatar’, de Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones; Aunque sólo sea por realizar un buen videojuego, en realidad se convierten en los únicos creadores de la obra.

Shutter island, paranoia conceptual

2010-02-28T19:55:00.007+01:00

Existen una serie de artistas que sitúan sus acciones alrededor de un mismo espacio temporal en el que registran todos los sucesos de la trama principal, y que suelen encuentran acomodo en épocas medievales o en el viejo oeste. Otros siempre han considerado la contextualización temporal y/o espacial cómo requisito indispensable para relatar hechos que se enmarcan dentro de la problemática de la época retratada, bordeando los límites de la realidad pero siempre por los caminos que le marca la ficción. Es decir, narrar el verdadero ambiente de una época sin focalizar la mirada en los grandes personajes, sino en personas que sustituyen las ambiciones y el devenir del ambiente del ciudadano medio. Una verdadera crónica social. En esta tesitura muchas de las afirmaciones que se aplican a la figura de John Ford convergen en la implacable necesidad que poseía de capturar la historia de Estados Unidos. Su imperiosa búsqueda se convertía en una guía que, mediante el tránsito de sus obras, nos ofrecían la posibilidad de poder visionar, a modo ensayístico, la intrahistoria de un país. Esa figura de cronista es posible que nunca sea superada, sin embargo varios son los autores que han intentado continuar por estas vías, por seguir explorando el “sueño americano” o su terrible realidad oculta. Todos buscan ser llamados los cineastas de su tiempo, irreductibles e invariables en su rastreo de los verdaderos problemas que asolaban a una determinada época. Quizás el más firme heredero de esta vertiente sea Martín Scorsese aunque más centrado en la historia de Nueva York, pero su mensaje siempre se manifiesta más allá de los confines en el que ubica su espacio, ya que se dirige hacía la historia del país mediante el arte. Una búsqueda del contexto, de situar el trasfondo de los grandes problemas de la época en un texto fílmico.

La búsqueda del contexto
Años 50. Dos hechos enlazados marcan radicalmente el devenir de la sociedad estadounidense de la época. Por un lado está el crecimiento de la paranoia comunista que congregó en más de 30 años políticos denominados la Guerra Fría contra la URSS. Sólo hay que contemplar el crecimiento de una serie-b de ciencia ficción en la que sus mensajes se entremezclaban entre las diferentes formas alienígenas que invadían la tierra con ese miedo comunista de perder el dominio del mundo. Así, unas simples vainas eran capaces de poner de manifiesto el pánico reinante de una sociedad que su miedo rozaba la esquizofrenia (La invasión de los ladrones de cuerpos, Don Siegel, 1955). Por otro lado se deriva el miedo de perder su “identidad”, ejemplificado en el bochornoso espectáculo con la absurda Ley- Mccarthy- en el que se persiguieron a diversos artistas por su condición ideológica dando lugar a hermosas elegías del perdón y de compañerismo a cargo de Terry Malloy en los muelles neoyorkinos en La ley del silencio( Elia Kazan, 1954). Son sucesos que tocaban el trasfondo de los problemas de una era, hecho que siempre ha buscado cualquier arte desde la fugacidad del Impresionismo hasta la rebelión de los dadaístas. El rastreo de la historia en Scorsese se aprecia en cualquier nivel ya sea desde la captura del movimiento amateur-robinhood de los ladrones de la Gran Depresión en El tren de Bertha (1974) hasta la construcción de la propia ciudad-identidad en Gangs of New York (2002). En este aspecto, se trata del director más experto para colocar su objetivo y filmar la realidad social pero no para ejecutar un relato hermético sobre dicha problemática cómo haría Ken Loach, sino para utilizar ese trasfondo para esbozar mediante texturas y diferentes artilugios una composición sobre el mismo problema, haciéndonos reflexionar sobre la raíz de dicho período que irremediablemente converge con algunos puntos en la actualidad. De esta forma, el objeto –lugar- no se convierte en historicidad cerrada sino que explora los diferentes recovecos que le permite la narración para empaquetar un relato que no se cierra ni se abre ante sucesos que ocurrieron de una manera fidedigna sino ante situaciones que rescatan el verdadero sentir de los ciudadanía.

En Shutter Island la acción se desarrolla en una isla, que mantiene en cautiverio a los criminales más enfermizos con diversos tratamientos psicológicos, se mantiene cómo islote representativo de toda una nación puesto que el espacio representado no se halla delimitado por el mar que los rodea, sino por la propia paranoia real que rodeaba a todo un país, por el ferviente furor sicótico del pueblo. La invasión comunista se acerca y hay que combatirla como sea. De esta forma la investigación criminal a cargo de Teddy Danielsse convierte en un intento por demostrar que el mal se acerca y que ya ha empezado a manifestarse en el terreno de las propias instituciones. Una llegada vigilada a las profundidades subterráneas del subsconciente ciudadano, una tremenda inquietud por la posesión de las armas- de la argumentación política y dialéctica- y sobre todo lo que rodea. Porque ese barco que transporta a los agentes se mete en el verdadero corazón de la época, el cuál dicho viaje provoca vómitos . La isla –no confundir con la de Lost- se convierte a su vez en el propio dispositivo del relato, en la propia conciencia de que el espacio constituye un arma capaz de traspasar las fronteras de la significación. Las rejas alambicadas reproducen el mismo bloqueo que mantenían los EEUU hacía la URSS, Leo se convierte no sólo en el agente central de la obra sino en la representación de cualquier ciudadano en dichos años, encerrado entre una maraña de noticias que apelan al patriotismo y que respiran un ferviente miedo a la vigilancia extrema de lo desconocido. No se trata de una mera investigación policial sino de un esbozo de la propia investigación llevada por el director de Casino a través del cine. Scorsese recorre la historia de EEUU como Leo recorre los pasillos de la cárcel en buscas de pistas.

La paranoia onírica
Nos hallamos, entonces, ante dos investigaciones la del propio autor real y la del personaje central. Dos caminos que se bifurcan en senderos que convergen al final del camino. Mientras que Teddy acude a la llamada de su interior, al mundo onírico que , dicho sea de paso, recuerda a diversos mecanismos de identificación ya usados por otros autores –aquí su perpendicularidad- a través de cada encuadre. Scorsese es un cinéfilo empedernido y como tal su herencia visual se puede rastrear a través de cada composición del film noir clásico, sin abandonar el hermoso segmento sonoro que nos proporciona esa banda sonora que nos retrotrae hacia ese maestro del cine llamado Alfred Hitchcock. Una historia que se abre desde el thriller psicológico hasta el terror gótico. Porque director busca la verdadera esencia del cine estadounidense, ya sea en la edificación de documentales o en la proyección de diferentes relatos. Por eso, ese mundo onírico, totalmente pesadillesco, ideal como semiótico de la fábrica de sueños, se halla el verdadero detonante de la acción que nos sacude hacía ese mundo atenazado por la invasión comunista. Y frente a este dispositivo otros autores-quizás lo más importante- hubieran dejado para la imaginación la posible resolución del relato. Puesto que en él se implican diferentes pistas que nos señalan hacía la solución, mediante diferente puntos conexos entre las dos realidades. Pero la puerta vacía y blanca no es el final, y no por ello debe constituirse como un anticlímax. Al contrario dichos minutos son el resultado de ambas investigaciones, la del plano correspondiente a la historia y a la del propio autor que no renuncia a los mecanismos de la narración para cerrar un relato que no busca la explicación en los recovecos de la mente. Esa tarea mejor dejarse a Lynch o a Resnais, cuya trilogía del recuerdo resuenan con fuerza en Shutter Island, pues todo es un recuerdo, un reconocimiento hacia esa identidad construida durante siglos de una nación. Sin embargo, a ambos agentes de la narración la conclusión no les satisface, pues la misma no da respuesta a los verdaderos interrogantes de la identidad humana.

La Secuencia del mes: Lost 3x23 Through the Looking Glass

2010-02-02T23:56:00.003+01:00

Hoy, 2 de Febrero del 2010, comienza una cuenta atrás irremediable en una cita para la historia. De aquí al 23 de Mayo la mayoría de los misterios de Lost quedarán desvelados en su sexta y última temporada. Para algunos supone un alivio el poder desvelar la margarita del suspense; pero para otros se convertirá en un hueco vacío, en el final de una de las series que más han ayudado al auge audiovisual en cualquier terreno posible, superando barreras insospechadas y causando la lanza del despegue de la Sociedad de la Información. Por ello, y aunque sea mañana cuando pueda visionar el capítulo, qué mejor ocasión para recordar quizás el más mítico final de una temporada, y porque no decirlo, el más brillante capítulo, en el que todo lo acontecido daba un giro de 270 º, el ojo de la serpiente cómo se le denominó entonces.

Llegados a un punto en el que la cuerda de la temporalidad del relato daba muestras de estar rompiéndose, de que la irreductibilidad de los saltos cronológicos cómo seña de identidad fraguaba y ante las exigentes presiones de un final que se avistaba en el horizonte – se había confirmado el volumen total de la obra, tres temporadas más a razón de 16 capítulos- la cuerda se rompía dejándonos en un abismo del que todavía no se ha recuperado. Justo en la mitad, cuando todo parecía decidido apareció un giro copernicano que heló cualquier teoría posible. Era un final totalmente impredecible. A lo largo de esta “sesion finale”, el supuesto “Flashback” parecía quedarse cojo ante los diferentes sucesos que acontecían en la isla. El discurso parecía encontrar nuevas alternativas para manifestarse, para seguir narrando una historia que aparecía abocada a su resolución. No sólo supuso una apertura, una nueva posibilidad sino que cambiaba cualquier teoría en torno a las aventuras de los perdidos. Si la estructura del relato se articulaba en dos historias paralelas en la que una funcionaba de analepsis, explorando los sentimientos y las acciones ocultas de los personajes, cambiar la funcionalidad para mostrar un futurible- que más tarde se manifiesta como autentico flashforward o rizando el rizo cómo un flasback fuera de el espacio temporal ordinario- no hacía sino aventurar una nueva puerta, cerrar la de la tercera y abrir una nueva partida de cartas. Toda la complejidad a la hora del planteamiento, de las interacciones de los personajes quedaban disipadas. Si Paranoid Park (Gus Van Sant, 2007) convertía una narración en un fresco cubista, Perdidos se retrotraía hacía el pasado, hacia el verdadero sentido barroco.

"Un tipo serio", Los Coen más puros

2010-01-17T21:13:00.007+01:00

El ser humano nace con una particularidad que le hace distinto ante el resto de especies que poblan la tierra; su capacidad mental para adquirir y poder razonar; y por lo tanto, poder decidir el motivo por el que realiza una acción. Sin embargo, ese carácter cerebral no le hace ser perfecto, sino que se suma a las distintas imperfecciones que posee. Una de ellas, es básicamente, su propia estupidez. El hombre al tener que adoptar elecciones acaba equivocándose o adaptando en ocasiones la más irracional, convirtiéndonos en seres estúpidos, en los únicos animales que tropezamos dos veces con la misma piedra. Esto es algo que conocen y que llevan a la práctica del paroxismo los hermanos Coen, cuyas obras se sitúan en la estupidez humana y cuya diferencias entre ellas radica en la postura que adoptan para observarla, en el distinto rasero en el que se ubican para representarla. Así, en un Tipo serio abandonan su mirada por una representada, por la elección en forma de cuento. Se trata de una historia que se construye mediante la mirada de un narrador ausente en la propia diégesis, que no logra manifestarse en el relato, pero cuyas acciones son descritas de tan manera que le es imposible manifestarse de forma visible. Otra vuelta de tuerca más de la visión de los Coen sobre el ser humano.

La fórmula sigue su curso
Tras la catártica y explosiva Quemar después de leer en donde los personajes trazaban líneas sin sentido y acababan deambulando en la más absoluta estupidez, se nos presenta la fábula y tranquila Un tipo serio. Un lógico camino de regreso pues tras conseguir elevar a la cima el nivel de lo absurdo, la única manera de insuflar de nuevo la pulsión a su cine era con una vuelta a los orígenes. Las situaciones y el ritmo retoman hacia sus primeras películas en las que el discurso se articulaba en una ración de calma que acaba desatándose en pequeñas pinceladas y cuyos cambios no alteraban la continuidad de la historia. En efecto, si seguimos con las comparaciones-necesarias a la hora de contemplar una obra- observamos que mientras en la mencionada la trama acababa con un estallido esperado en una primera hora que sólo manifestaba información, la obra que nos ocupa no cambia de viraje sino que continúa la misma senda impartida, no hay explosión sólo continuidad. De esta manera, Un tipo serio acaba irremediablemente citando otros textos y otras situaciones que recuerdan a sus anteriores trabajos. Desde las continuas acciones que acompañan a su personaje central, tan absurdas y más, que recuerdan a la del pobre y feliz Barton Fink en su periplo por la hoja en blanco, hasta la fría calma que inundaba los paisajes helados de Fargo. El ritmo, las situaciones y las acciones parecen volver a un orden restablecido. Por este motivo, este texto acaba remitiendo a sus primeras producciones pero con una particularidad distintiva y es que no sólo vuelve sino que a la vez continúa por la misma senda, ya que en ningún momento los instantes estúpidos que protagonizan los seres humanos se ven abandonados, sino su manera de presentarlos. En esta ocasión, los Coen vuelven para enrocarse a sí mismos, para no acabar en el olvido. De esta manera, se trata de su película que consigue aunar una mayor carga de personalidad, de unicidad sobre el resto de sus obras, pues vuelve a coger el ritmo y la presentación de las acciones de sus obras más “serias” sin abandonar los cánones que marcan su mirada sobre el absurdo, sin perder de vista su toque de humor tan distintivo. Lo que marca la diferencia es el discurso, en el que en vez de dejarse llevar por la alocada y desternillantes situaciones todas acaban con la misma paciencia. Así, en vez de aprovechar y ofrecernos situaciones que se hilvanen unas con otras: las acciones con los chinos, con su mujer; todas son abordadas desde pequeñas cápsulas, sin enredos, quedando totalmente necesaria la subtrama del hijo cómo modo catalizador, de punto y aparte de la historia. Por ese motivo, la ecuación de los Coen se convierte en una obra en la que por un lado vuelven a sus orígenes- también en la utilización de los actores- y por otro lado sigue por el mismo camino.

La fábula contada
Dentro de la representación de los hechos viene precedida por un cuento, una fábula de origen judío que puede parecer irrelevante-los propios hermanos no dieron una explicación racional a su inclusión- que produce una dicotomía en el relato. Esta situación extraña, en la que ni siquiera se puede recubrir al tópico y la utilización de un prólogo puesto que los personajes que aparecen no vuelven a ser nombrados y no tienen una influencia directa con los representados, refuerza la idea de que todo el relato se mantiene cómo un cuento, cómo una fábula que Larry cuenta a sus hijos. De esta manera, comprendemos el por qué del mismo tono en la narración de los hechos, porque la intrusión de las acciones que le ocurren le son imposibles de atender de otra manera, el narrador opera sobre el discurso de la misma forma de la que afronta la vida misma. De esta forma, a la hora de narrar los hechos se ve imposibilitado para encontrar un razonamiento acertado de lo ocurrió, por ello mismo no es resuelto , pues si Larry actúa sobre el relato este se ve incapacitado para dar respuesta a los enigmas del propio protagonista y sólo la lógica reconstrucción de los acontecimientos podrá esclarecer la verdad del asunto, dejando este hecho en manos del espectador como último instante para la comprensión de la narración. Todo el texto es la búsqueda de hallar el punto en el que todas las cosas cambiaron de rumbo. Por eso mismo la intrusión del eje del mal se sitúa en una acción ajena, en la que su hijo pierde su walkman. Este suceso nuclear servirá como estallido, como maldición para Larry, por ello en un intento de volver a situar el orden establecido sólo volverá cuando este lo recupere, sin embargo, este parece llegar demasiado tarde pues las tormentas ya empiezan a aventurarse y tendrá que cumplir un martirio. Se trata de la misma situación que parecen vivir los Coen, en la que necesitan volver a mirarse a sí mismos para dar un nuevo salto a su carrera. Por ello sitúan la historia en un espacio físico representado que les lleva hacia su infancia, en aquél niño que pierde un walkman-excelente macguffin- en su clase, cómo ese pulso que les servirá para rebuscar nuevas historias. La diferencia radica, en que su mirada es dejada por Larry, buscando su propia penitencia en otro esbozo en el que la sucesión de acontecimientos estúpidos se vuelven en contra del ser humano. En este sentido, los Coen no buscan juzgar, sino explorar, mostrar, de diferente manera la respuesta en imágenes de la frase condenatoria que un día realizó Albert Einstein: “ Sólo existen dos cosas infinitas: la estupidez humana y el universo, y sobre lo segundo no estoy muy seguro”.

Top-ten: 2009

2010-01-10T17:58:00.015+01:00

Un año más ha llegado el momento de seleccionar cuáles han sido las mejores películas estrenadas en España durante el 2009. Como cada lista se trata de una clasificación bastante subjetiva y, que indudablemente, no estarán todas las que deberían estar. Algunas obras más que por su calidad por su imposibilidad para visionarlas, por lo que no se trata de una lista definitiva ni la única estimable. En general ha sido un año de grandes sorpresas y de algún que otro fracaso, pero bastante mejor año que los anteriores. Sin más dilación, el top-ten del 2009:

10- Waltz with bashir (Ari Folman)

¿Cómo contar una historia desde el olvido de una carnicería y guerra atroz? Pintándola, para luego recordarla. En este ejercicio de animación basada en la estética del cómic- en un modo de ficcionizar la realidad- nos muestra las miserias que pueden llevar a olvidar las penurias y los desastres de la guerra y cómo tratamos de quitarle importancia cuando no la sentimos. Una obra sobre la búsqueda del recuerdo de una huella final imborrable.

9-Tres días con la familia (Mar Coll)

Una obra española totalmente olvidada por la crítica y aún más por la taquilla. En tiempos tan globalizados donde se pierden el valor de la palabra y la inmediatez de la mirada, Mar Coll no las examina en una típica familia burguesa catalana. Las miserias de la alta posición social se acentúan cuando deben mirarse en sí mismas, ocultando las pobrezas que llevan dentro. Si en vez de una directora novel la firma un francés nadie notaría la diferencia.

8- 500 días juntos (Marc Webb)

Con una estructura temporal que salta dependiendo del estado de ánimo de su protagonista ante su antitesis, observaremos el estado de enamoramiento de Tom por Summer. Pero no es en la articulación de su discurso donde se fomenta su éxito, sino en la construcción de los personajes entorno al desamor, un análisis que rompe con el relato tradicional (hombre pasota o simplemente enamorado que busca y mujer deseosa de encontrar a su príncipe) intercambiando los roles estereotipados. Para el recuerdo la secuencia de expectativa contra realidad.

7- Anticristo (Lars Von Trier)

La mezcla del estilo y carrera de Lars Von Trier en un relato. Polémico, provocador pero nunca gratuito, el danés filma una obra sobre las consecuencias de cambiar el orden establecido, de la búsqueda incesante del ser humano cómo especie. Con un prólogo y epílogo que recuerdan a Europa (su mejor obra) y siguiendo con la división en pequeños actos, cómo si una obra teatral o una novela se tratara, el danés desnuda al ser humano para luego concederle la libertad de la esperanza. Mi crítica aquí

6- Paranoid Park (Gus Van Sant)

Lo de la distribución en España es un completo y absurdo sin sentido y sino ¿cómo entender que esta magna obra se estrene con dos años de retraso?. Centrándonos en materia , “Paranoid Park” se convierte en una deconstrucción del relato con una excusa argumental(la muerte de un guardia) para narrarnos los diferentes virajes de la vida de un adolescente. El tiempo es eliminado- sustancialmente- siendo la composición de la historia la que se cuenta de esa manera, no existiendo un tiempo presente, el relato se convierte en pasado, presente y futuro , todo a la vez. Lo más parecido que ha dado el cine a un cuadro cubista de Picasso.

5- El curioso Caso de Benjamin Button (David Fincher)

Paso a paso, Fincher comienza a coger el testigo de gran narrador de las últimas décadas en lo que a cinematografía estadounidense se refiere. Su última producción cierra una trilogía magnifica sobre la eterna figura del tiempo manteniéndola en contacto y en paralelo con la invisibilidad de la muerte. En este caso, el relato se enmarca en la historia de Button que a la vez ejerce de agente de narración de toda la historia de EEUU, en la que ambos mantienen irremediablemente una batalla con el tiempo. De esta forma, ambos naufragan cómo cualquier elemento que ose desafiarlos. Mi crítica aquí

4- Revolutionary Road (Sam Mendes)

Y otra vuelta de tuerca más a las relaciones fraternales que mantiene la sociedad y que sin embargo se muestran cada vez más destruidas. Mendes vuelve a su tema predilecto pero para ello retoma –como su cine- a otra era para seguir inspeccionando y delatando. Un cine que se acaba enrocando como cada plano que sigue al siguiente y que termina acompasado por la hermosa melodía que recompone el dejar de oír el llanto de la desesperación. Mi crítica aquí

3-Gran Torino (Clint Eastwood)

El más grande director vivo vuelve con un relato en el que su discurso se acerca a lo realizado en décadas anteriores, pero en un nuevo acto de revisitación de su mito, de todo el espectro que ampara el cine norteamericano, se desnuda a sí mismo para acabar ofertando el fin de una era. El camino emprendido desde la parodia o la reformulación de cada clásico consigue llegar a cotas muy altas. De esta forma, si en Sin Perdón, Eastwood enterró un género, con Gran Torino a sepultado(meta-cinematográficamente) toda su carrera. Mi crítica aquí.

2- Malditos Bastardos (Quentin Tarantino)

Los resortes y las coincidencias que amparan la imagen con la realidad forman una escala de posibilidades que el cine siempre ha intentado superar a través de la representación. Estas coincidencias se mantienen en el rigor histórico en el que el arte se hallaba incapacitado para crear y moldear una nueva realidad que partiera de la misma, pero que acabará superándola. Todo eso ha cambiado ,ya que, Tarantino explora las posibilidades que mantendría la madurez del cine para intentar superar una batalla contra la historia. ¿El resultado? Inglorious Basterd. Mi crítica aquí

1-Déjame entrar (Tomas Alfredson)

Si las anteriores exploraban las condiciones de sus autores en materia estilística en su cine, esta cinta sueca nos muestra la deshumanización total del vampiro por medio de dos personajes que anhelan y buscan lo que quiere el otro. Oskar desea matar con su cuchillo afilado, Eli es empujada por la necesidad para hacerlo. Dos realidades, dos mundos, que acaban fundiéndose en la blanca nieve cómo dos almas errantes en busca de su propio camino, y que tienden a alejarse por la soledad y felicidad de sus almas. Mi crítica aquí

"Avatar", Gafas que ocultan

2009-12-29T22:11:00.008+01:00

Autodenominarse cómo el rey del mundo en una época marcada totalmente por la comercialización y por el espectáculo facilón que produce millones de dólares sólo puede decirse cuando se alcanza la cima de la popularidad. Es lo que le ocurrió a James Cameron en 1997, cuyas películas siempre han mostrado discursos efectivitas que primaban por una pirotecnia visual que dejaba en cuadro a cualquier atisbo de deformación de la imagen o de la creación digital de imágenes sintéticas. En este sentido, su labor y sus progresos al mundo del cine, a ese mundo tan “realista”, beben mucho de sus investigaciones. Sin embargo, sí en otras obras su relato se fundía con su discurso puesto que los mecanismos que funcionan y dotaban de coherencia así lo necesitaban, su Avatar adolece de todo lo contrario, rayando el absurdo y el plagio para intentar narrar una historia cuya toxicidad es más que evidente, con el único objetivo de engordar de nuevo sus arcas con el “nuevo” invento del 3-D.

La historia inexistente: la confusión de géneros
Quizás en este apartado no cuente nada nuevo en cuanto a los diferentes tópicos que siembran las críticas más feroces sobre Avatar: un guión inexistente y una historia que se superdita en una reflexión contada anteriormente y sobre todo mejor. Si bien es cierto que el aspecto puramente de la historia nunca ha interesado al propio Cameron, cuyos relatos se servían más bien de discursos que mediante diferentes artilugios y efectos minimizaban los posibles errores de la historia conformando un texto fílmico totalmente coherente y racional durante todo el metraje. Todo un ejercicio de pirotecnia en concordancia con la obra. Sin embargo, este núcleo duro y fusionado que conforma cualquier obra audiovisual, parece quedarse bastante cojo por una parte ya que desde el propio tratamiento del relato busca narrar un determinado suceso en una constante sucesión vacía de contenido que acaba eludiendo irremediablemente a la forma, pues todo queda sepultada en la esperanza de que el espectador no sólo acuda a la diégesis cómo forma de explicarlo todo sino para acabar salvando y ocultando las miserias de todo el producto. En este universo todo queda sepultado por la creación de las diferentes texturas de los Na`vi y su interacción por ordenador con el paisaje creado. Todo ese esfuerzo de reconstrucción queda marginado por una historia y por unos personajes cuya base es la de llegar y matar, sin ofrecer motivos suficientes que solidifiquen algo más que una mera introducción. Todo conjuntado donde se hace una clara diferencia entre los vencedores y los perdedores dejando una visión bastante manida de la sociedad humana (los militares cuadrados y muy tontos, los científicos muy listos pero muy débiles) y en medio una “pseudosociedad extraterrestre” que contempla las dos partes, unos superhéroes que basan sus fuerza en un árbol que les da energía. Un punto de partida que puede funcionar dependiendo del contexto, del espacio que quieras darle. En este terreno es probablemente donde comete los mayores errores, porque busca la relectura de un género el cuál nunca mira de frente sino que se basa en la falsa creación de diferentes clichés tecnológicos para poder justificarse: la ciencia ficción.

Una de las constantes de la posmodernidad o del cine producido en los últimos años, es la manera de enfrentarse ante sus propios mitos con la intención de realizar (re)lecturas, debido a la caída de los grandes cuentos, que sirvan por un lado de muerte, de suicidio del relato tradicional o la de rescatar un género olvidado. De esta forma, Zodiac, se basa en la reescritura del thriller mediante la imposibilidad de poder cerrar el relato en torno a una narración definida de sucesos que no confrontan una historia cerrada sino de “hechos” aleatorios dispuestos cronológicamente; en El asesinato de Jesse James por el Cobarde de Robert Ford se exploran las posibilidades de la dilatación y la máxima contención en un texto en el que el espectador conoce su principio, final y su ejecutor-desde el propio título- pero que desconoce el cómo; y Redacted en el que huye de la narración clásica- no cómo concepto sino como estilismo propio- para abordar desde la multiplicidad de texturas un discurso totalmente político y no una película política (Godard dixit). Estos tres ejemplos, confrontan un ideario de diferentes visiones sobre tres géneros distintos: triller, el western y el cine bélico, respectivamente-todas ellas del 2007-. Este mismo hecho es el que intenta conseguir el director de Terminator 2 para realzar las diferentes formas que tiene la técnica para servirse de una sociedad futura mezclando con el cine más propio de aventuras, en una mezcla de Indiana Jones con Inteligencia Artificial- por poner dos ejemplos del mismo director-. Así, observamos como la base de esa estructura se articula sobre una premisa parecida a la de Matrix con un enchufe-gafas 3D-hacia el mundo de Pandora y con el Avatar correspondiente. De esta forma, mediante la tecnología utilizada, nos trasladamos ante una sociedad humana un tanto distópica que necesita de la fuente de la naturaleza para seguir evolucionando. Por otra parte, la búsqueda de una piedra y la defensa y supervivencia por la naturaleza se convierte en un ideario de cualquier manual del cine de aventuras. Ya tenemos dos géneros en uno pero toda esta base que sirve cómo acicate queda derruida en un juego de explosiones, de saltos al vacío, y de una destrucción que da la casualidad que se produce en el lugar donde se halla el supuesto tesoro. Todo el mensaje acaba prostituyendosé, pues lo único que interesa es la magnificación de los nuevos software, dando la impresión que más que el arte cinematográfico se debería plantear un nuevo marco teórico de reflexión sobre el arte informático-cinematográfico dando más énfasis a la primera parte, pues el resto de instancias y de voces narrativas no existen, pero la textura azul de la piel y el avance de la profundidad de campo es todo un prodigio. En vez de una narración que se ayuda de la técnica se invierte en orden en una técnica que necesita una narración. Queda, por tanto, la sensación de que para plantear una obra de ciencia ficción cuantas más explosiones o más inventos tecnológicos posibles más cerca te hallarás del término. Con esto se olvida el verdadero valor de un género cuyo máximo recurso es la utilización del intelecto humano para imaginar mundos distópicos, o la creación de sociedades o tramas que no necesiten de un abusivo uso de efectos especiales(Moon, Gattaca) para demostrar en que género se hallan. Todo el olvido por plantear algo nuevo ya sea en el propio discurso que transforme el relato, que plantee nuevos arquetipos de estructuración de la historia son nulos. Cameron intenta jugar en la liga de los grandes, en aquellos autores capaces de con su discurso dotar de significado a cualquier obra que realizarán donde el valor estilístico y distintivo no se basará en el recurso del último invento de Steve Jobs o Bill Gates, sino en el propio desafío de cada autor.

El vacío de la imagen: 3D
Todos los elogios y esfuerzos de los espectadores por intentar justificar este despropósito viene depositadas en la esperanza del resurgir de un nuevo descubrimiento que impacte de tal manera cómo lo hizo el mundo sonoro. El 3D viene a significar una nueva herramienta narrativa a favor del artista y, cómo venía anunciando desde el propio Cameron, una revolución del uso de dicha tecnología. En esencia, los mecanismos que enriquecen el mensaje son prácticamente nulos pues se basa en la percepción sensorial para buscar llevarnos a la máxima abstracción posible, explorando y rebuscando si cabe, en la vuelta a los orígenes, al cine de barracas y del puro espectáculo feriante en la que el asombro del público era más por verse reflejado en una pantalla que por cualquier atisbo de coherencia y de ingenio narrativo. Sin embargo, la utilización de este sistema no es algo embrionario sino que se lleva gestando durante décadas pero su nulo atractivo impedía a la industria ($) su mercantilización, y esta implantación no se producía puesto que los diferentes artilugios utilizados servían de toma de contacto. No se trata de criticar en exceso el 3D como mecanismo, sino que se sirva de ella para narrar una historia, convirtiendo un accesorio más del envoltorio final en el valor distintivo de la obra en vez de buscar nuevas formas útiles de contar una historia. En este sentido, sólo hay que observar que autores cómo Eastwood, Tarantino o Jarmusch no han necesitado el uso de esta tecnología para realizar tres grandes películas, puesto que el futuro no se puede basar en un fuego de artificio, ya que se caería en el grave error de convertir una sala de cine en un videojuego al servicio de un director en el que el espectador asiste atónito sin poder hacer nada para cambiar de jugada. Evidentemente, el enchufarnos a la historia por vía acular produce un mayor impacto que el 2D, y puede que los disparos de Walt Kowalsky se vieran sobreimpresionados de tal forma que nuestra obediencia y admiración fuera similar a la del joven Tao. De hecho, el estreno de producciones en este formato viene siendo habitual y la propia UP fue estrenada en varias copias en 3D, pero en este caso el producto en sí mismo ya era bastante satisfactorio y no necesitaba de elementos alucinógenos para expandir esas sensaciones. Por ello, el problema reside en el nulo interés teórico para formular un nuevo género, una nueva estructura más allá de la capacidad de ampliar la profundidad de campo que posibilite la interacción y las caminatas por el mundo de Pandora. Si el sonoro abría el abanico de posibilidades y recurría a la necesidad de hacer patente el poder del silencio, si el color habría la baraja de la representación de la tonalidad y de la plasticidad para formular pensamientos oníricos, el 3D de Avatar lo único que plantea es una historia mil veces contada con el añadido de que para visionarla se necesitan unas gafas.

Son eternos

2009-12-20T20:09:00.006+01:00

"Si perdéis seguiréis siendo los mejores del mundo, pero si ganáis seréis eternos" (Pep Guardiola, 19 de Diciembre 2009)

LIGA

Real Madrid 2-6 FCBarcelona (La Exhibición)

COPA DEL REY:
FC Barcelona 4-1 Athletic de Bilbao (El rey de Copas)

CHAMPIONS

Chelsea 1-1 FC Barcelona (El Gol)

FC Barcelona 2-0 Manchester United ( El Triplete)

SUPERCOPA DE ESPAÑA

IDA: Athletic de Bilbao 1-2 FC Barcelona (Pedrito)

VUELTA: FC Barcelona 3-0 Athletic de Bilbao (La Cantera)

SUPERCOPA DE EUROPA

FC Barcelona 1-0 Shakhtar Donetsk (Pedro)

MUNDIAL DE CLUBES

FC Barcelona 2-1 Estudiantes De La Plata (Don Pedro)

La Secuencia del mes: McLuhan en Annie Hall

2009-12-06T23:11:00.004+01:00

Desde los inicios del cine el creador de la obra y el espectador han mantenido un pacto de verosimilitud que siempre se intentaba complacer. Este pacto, que forma parte de la propia diégesis de la articulación del relato, causa extrañeza cuando acudimos a romperlo. Se trata de determinadas fórmulas ya establecidas en la que el espectador se introduce en el mundo fílmico sin notar que se trata de un mundo irreal, incluso dentro de obras que versan sobre la ciencia ficción. La cámara y el público serán los ojos por los que se construye la obra. En determinadas ocasiones, para captar la atención o para recordar que simple y puramente se está asistiendo a un visionado de algo que no es real, que parte de ella pero transformándola, se rompe dicha transparencia. Para ello no existe una única vía porque el abanico de posibilidades es elevado(Rompiendo el raccord, dibujando cuadrados vacíos mediante los dedos, introduciendo textos), si bien, cómo suele decirse todo está inventado desde Griffith.

La secuencia que nos ocupa pertenece a un fragmento de la película Annie Hall(Woody Allen, 1977) y en ella no sólo rompe con la transparencia una sola vez sino dos, en un ejercicio característico de toda la obra de Woody Allen. En ella mediante un plano fijo, observamos que estamos ante una cola de un cine. La posición de la cámara, estática, situada en una visión en la que la identificación de los elementos es rápida, pero sobre todo, remarca la idea del visor de que la imagen no se halla registrada por ninguna vía, sino dentro de su propio arco de visión. Esta familiarización, estilística en este caso, es utilizada para después mostrarnos a cuerpos que danzan dentro del encuadre, por lo que convierte lo fijo en dinámico. En esta ocasión, será mediante el diálogo. En una de esas dilatadas conversaciones sobre los gustos del propio director de “Manhattan”(1979) observamos que aunque esté se halle en primer plano la atención reside en una sombra que está justo detrás suyo, cómo una mosca que aletea por nuestros oídos. En ella se hablará sobre Fellini, y sobre los argumentos que dota este personaje a su obra, opinión que Alvy considera errónea, o por lo menos que la manifieste de manera más baja. Tras esto, una clara muestra de la crítica hacía la superioridad de los críticos de su obra, nos introduce en otro diálogo sobre el sexo pero, esta vez, interpretado por él. Aunque parezca una banalidad se trata de dos formas de concebir la modernidad en un espacio de tiempo limitado, la superficialidad con la que se pasa de un tema a otro, y si cómo es la palabra el pasar y no directamente pegarle un puñetazo la acción de respuesta. Todo cambian cuando le nombran a McLuhan y aquí es cuando esta secuencia se convierte en imprescindible. Sin escuchar lo que nombra el señor se acerca al público para directamente hablar con él, cómo si se tratara de otro personaje más de la acción (en este sentido lo realiza ya desde el inicio de la obra y es una de sus grandes constantes), rompe en este caso ese mundo de apariencia real. Pero, la secuencia no acaba allí, Alvin rompe con todo y cómo en el desarrollo del texto sólo mostraba a 4 personajes hablando estos serán los que tengan vida-de hecho va más allá y sólo interactúan los principales-, y los que participen realmente dentro del discurso del relato, es decir, el resto de personas que se encuentran en la cola sigue impasible la tardanza cómo si todo siguiese siendo habitual. Tras esto, y cuando el espectador se halla recobrado y comienza a reírse de las viguerías de Singer, se encuentra con otro haz de la manga, la aparición de McLuhan cómo personaje y cómo persona rompiendo con el canon impuesto entre realidad y ficción. Se trata simplemente de cine y por supuesto no tenemos ni idea de lo que dice Marshall McLuhan.

PD:La primera es en VO y la otra doblada al español

Mis películas favoritas: Mulholland drive

2009-11-22T21:09:00.006+01:00

Esta es una nueva sección que tengo el honor de inaugurar hoy. Se tratarán de análisis de aquellas películas que por cualquier motivo formen parte de mi pequeña colección de películas favoritas. Qué mejor manera de comenzar con la que servidor cree que sea probablemente la mejor película de la década. De todas formas, en el desarrollo del escrito se desvelan numerosos espoiles por lo que se abstengan los que no hallan visto semejante obra de leer.

David Lynch siempre ha destacado por imponer a cualquier proyecto emprendido su mirada latente en cada uno de los campos artísticos que ha realizado. Su estilo peculiar ha quedado registrado y permite al espectador reconocer fácilmente su puesta en escena en cualquiera de sus películas gracias a su personalísimo toque visual (ha tocado desde el drama, el thriller, la road movie). Además, no sólo es capaz de, con cada nueva obra, seguir experimentando en el mundo cinematográfico, sino que también de llenar la pantalla con sus obsesiones laberínticas por el recorrido de la mente humana, e incluso mostrarnos caminos tan llenos de humanidad, cómo bien hizo en Una historia verdadera (1999). La obra que nos ocupa, Mulholland drive (2001), pertenece al lado más vanguardista y transgresor del autor, y conforma una trilogía no lineal junto a Carretera Perdida (1997) e INLAND EMPIRE (2006) en la que su estilo conseguía depurarse al máximo a base de desdoblamientos de la personalidad y/o personajes, reutilización del tópico de los géneros, y una fragmentación del relato narrativo.

La mentira laberíntica
La estructura utilizada por David Lynch para recrear y sobre todo para narrar el relato se basa en una gran “mentira” necesaria para el devenir de los acontecimientos. Sin embargo, es una falsedad errónea, una trampa que el espectador cae pero que ni siquiera está propuesta para tal. Mulhollland drive narra la historia de Diane y Camila dos amantes actrices y el recorrido de su relación. Pero lo que hace Lynch no es transportarnos al mundo perfecto e idealizado de una historia en la que chica conoce a chica, ambas se enamoran y luego acaba ocurriendo cualquier acción dígase: boda, muerte de alguna, etc. No, ese es el camino fácil, por ello busca, si cabe, una opción mucho más poética y tremendamente subjetiva que es contar esa misma historia bajo los efectos de los sueños de Diane en el que cada personaje no cumple con una función estructural (en realidad algunas situaciones son inventadas y el resto sugeridas) sino que están retratados de forma simbólica. Aunque esto no se trate de una cuestión baladí. En ese recorrido onírico observamos la historia de una joven aspirante a actriz, Betty, que acaba de llegar a Hollywood y se instala en la casa de su tía Ruth-otra actriz- donde encuentra a una joven amnésica, Rita. Juntas y con la ayuda de las pistas que encontrarán en su bolso – muchos billetes, una caja azul cerrada- y los vagos recuerdos de la misma, emprenderán el camino inverso, cómo en Terciopelo Azul (1984), para recuperar su identidad. Bien, sólo basta sustituir el nombre de Rita por el de Camila y el de Betty por el de Diane. Se trata de un desdoblamiento de personalidad-no de actores- pero en realidad es una vuelta deseada, es el inicio al que le encantaría volver a Diane. Si seguimos con el sueño-realidad observamos cómo a Betty le va de fábula por ese mundo, ella manda, tiene una buena casa en una urbanización, los casting que empieza los acaba bordando y consigue el amor de Rita, siendo ella la gran dominante de la relación. Se trata de un sueño, y nunca mejor dicho, en el que su mirada se convierte en la deseada siendo tremendamente subjetiva. El director de El hombre elefante no pinta a personajes esquizofrénicos en los que desarrolla su laberinto surrealista, ya que el laberinto de la mente es lo primordial y lo otro es lo secundario. Por lo tanto, las acciones y deseos de Betty son normales y no intenta de enjuiciarlas en ningún momento del metraje. Puede ocurrir con las siguientes subtramas que atañen durante el sueño, pero cómo tan bien retrataron Luis Buñuel y Salvador Dalí en ese frenético y corto universo onírico de un Perro Andaluz ( 1929) en el que las secuencias se salteaban unas a otras sin ninguna relación aparente; es imitado por la misma estructura en la que observamos un esbozo de pesadilla dentro del sueño cuando Rita llega sola a su casa en la que presenciamos una extraña conversación en una cafetería llamada Winkie´s, o las subtramas referidas al director de cine que ve frustrada su carrera por las imposiciones de un hombrecillo sentado en una lúgubre habitación, de un manager estrafalario con el café y un cowboy omnisciente, e incluso tenemos una historia de un sicario que no sabemos dónde encajarla. Al fin y al cabo se trata de una pesadilla dentro del idílico sueño que la persona explora desde su interior pero que se muestra incontrolable e inestable y de esta forma la iconicidad se mantendrá coherente.

Si desgranamos cada símbolo todos los personajes mantienen una relación con el exterior, con el mundo real. Cuando Camila y Diane se conocen juntas emprenden una relación sexual muy potente pero está se ve cortada cuando Camila, que posee un talento artístico inferior, consigue todos los papeles que Diane quería –de ahí el nombre de la película que se rueda en el sueño- por el mero hecho de acostarse con el director empezando una nueva relación con él. Ambos darán una fiesta en la que anunciarán su enlace matrimonial, en dicho emplazamiento vemos a cada uno de estos personajes levemente, por ello sus historias son tan inconexas en el sueño. Esto sería la verdadera historia, la realidad del sueño que explica ese deambular en la que deja al espectador en la última media hora del film. Todo ello no es explicable en ningún momento, sino sugerido, mostrado de forma leve pero a la vez trágica. Esto entronca con una característica principal no sólo del cine de Lynch sino en el marco conceptual en el que se enmarca: El cine posmoderno. En él, la cámara no se sitúa directamente en la acción sino que está se halla supeditada a la narración y para ello no sólo se pueden hacer críticas tan feroces sino que también en vez meter la cámara en la habitación se queda deambulando por el espacio mostrando la habitación desde distintos puntos de vista. Ese es el triunfo que consigue y que puede parecer una mentira que en realidad no es. Así, Lynch cambia los atrezos pero no la historia, la distorsiona pero el eje central del sueño ocurrió de una manera acertada. En vez de encontrarse ellas en una casa las dos comparten piso, en vez de enamorarse y acabar acostándose el suyo será un proceso más gradual y pasional, en vez de ser Rita la que esté terriblemente prendada será Betty. Es una vuelta de campana, el giro copernicano que pregonaba Kant aplicado a la narrativa cinematográfica.

Como he mencionado Lynch retrata el mundo de los sueños ya que en él se dan situaciones que damos cara y cuerpo a personas que cumplen otra función o que directamente soñamos con ellos porque nos ha ocurrido un vistazo reciente y no sabemos donde ubicarlos: La camarera, el cowboy, los representantes, el típico lynchiano enano (el mismo que utiliza en Twin Peaks), etc. Incluso los nombres cambiantes y que tanto pueden confundir provienen del nombre de una camarera del Winkie´s en el que estuvo la protagonista y por alguna extraña razón del subconsciente es capaz de recordar aplicándolo a otro rostro.* El director y el sicario los dejo aparte pues cumplen otra función que se explicará en las próximas líneas.

De esta forma, La estructura In Media Res no lo dice todo y sólo tenemos que irnos a la introducción- que no es la misma que en el proceso natural de la historia- para comprender este enjambre y ver ese sueño sugerido. En él, Lynch ya deja todos los cabos atados, en apenas 1 minuto nos ha narrado lo que ocurrirá en las siguientes 2 horas –salvo el despertar-. El inicio es un dibujo de sombras que bailan en el espacio, pequeños espectros de la visión humana-curiosamente en el sueño todos son retratados cómo sombras - que no sólo nos cuenta el pasado glorioso de Diane-Betty por el mundo del baile sino y, lo más importante, la caída imponente en una cama roja de una atormentada mente. Que no se aprecie quien es quién se desploma no quita para que no sea indudablemente Diane. Es una mentira sobre una mentira, convirtiendo ese flashbacks onírico en nuestra propia realidad. Por eso siguiendo esta estructura que en realidad no encaja con ninguna, la última media hora es el principio y el final al revés. Ese extraño final del sueño en el que las protagonistas se dirigen a una actuación en el club Silencio- interesante la canción en la que nos dice que todo lo visto no es real anunciando al espectador de lo que viene-, parecido al utilizado en la mencionada Terciopelo Azul, consiguen la llave que desata la caja de pandora final, el despertar por medio de la última visión del cowboy diciendo: “Despierta”. Así, veremos a Diane, sola en el apartamento donde encuentran a una chica muerta en su sueño cómo si fuera un futurible de la acción, observando cómo el remordimiento le quema por dentro ofreciéndonos flashback de la historia real contada en líneas anteriores, llenando el tiempo de posibles líneas argumentales. Así, descubrimos el significado de la llave y de la caja conjugando además al sicario aparecido en el sueño cómo el mandado por Diane para matar a Camila- por este motivo se muestra tan torpe en el sueño porque en realidad quiere que esté no consiga su propósito-. Una historia de amor que se convierte en trágico final al más puro estilo de una tragedia griega.

Hollywood: “La fábrica de los sueños”
Dentro del campo de acción de las dos protagonistas la historia de amor se halla secundada por una trama que se abre en todo el tiempo y que no se cierra. No sólo por el mero hecho de que ambas sean actrices y nos muestre el mundo tan obsceno para conseguir un papel sino el camino laborioso que soporta un director de cine. No llega el director que aparece a convertirse en el alter-ego de Lynch pero sí que pone de manifiesto muchas de las injusticias que se dan en la industria e incluso las que seguramente tuvo que soportar cuando denegaron su proyecto piloto de Mulholland drive y que afortunadamente se convirtió en esta obra maestra. El espacio se sitúa en Hollywood, la cuna de la industria estadounidense no tratándose de una cuestión del azar. El nombre del film de hecho es una conocida carretera de esa ciudad. El director tiene que soportar innumerables presiones para cambiar su guión y para que le impongan actrices que potencialmente son peores pero con las que se conseguirá una mayor recaudación para las productoras. Retratadas cómo autenticas mafias al más puro estilo Corleone, viene a demostrar con imágenes una de las máximas de este director en la que nunca rodaría una película en la que no tuviera la última palabra, dicho y hecho. Es, quizás una de las críticas más feroces hacia la industria de un director que consigue vivir fuera de ella, dejando a los personajes menos empáticos para ellos. Y si queremos rizar el rizo la tía Ruth que en realidad está muerta es mostrada en el sueño cómo que se va a Canadá ridiculizando ese cine, porque en presencia no pero cómo actriz está muerta. Pero quizás lo más brillante y lo que cierra este mito del siglo XXI no es su estructura, no es la historia de amor tan pasional y Shakesperiana, sino cómo narra los destrozos que puede ocasionar la fábrica de los sueños que es Hollywood en una horrible pesadilla.

El arte del videoclip

2009-11-21T19:12:00.004+01:00

En uno de esos días en los que uno coge el mando de la tele y sólo ve basura, iluso de mí, topé con una repetición de los premios MTV Europe. Por supuesto, no estaba dispuesto a seguir viendo un minuto de unos premios que dejan bastante desear, así que me dediqué a ver el premio que daban: el de mejor videoclip, esperando alguna maravilla. Mi estupor iba creciendo conforme avanzaban las promos de los nominados, pues ninguno es que sea una maravilla sino más bien de estrellitas bailando sin ningún tipo de coherencia, y por supuesto sin nada destacable . Pues bien, el ganador fue "Single Ladies" de Beyoncé, un vídeo que cuya máxima dificultad consiste en la coreografía de las bailarinas... La revolución del siglo XXI. Pero ahí no acaba la cosa. Misteriosamente el premio no lo recogió su director, Jake Nava, sino la misma Beyoncé!!!!Olé ahí , viva el sentido común.

Beyonce - Single Ladies (New)

Más tarde, y después de cambiar de canal, me puse a pensar en los buenos videoclips existentes pero sin centrarme detenidamente en ninguno. Otro día topé de casualidad con el nuevo de Catpeople- de lo mejor del panorama español-, "In Silence", y aunque no sea la panacea le da mil patadas al premiado. A continuación, bucee por sus anteriores trabajos y en todos se aprecia una cuidada estética, un estilo patente relucible que me dejó estupefacto. Buscando información halle una entrevista en la que descubrí los motivos de dicha calidad . He elegido el último pero podría escoger cualquiera porque todos son pequeñas piezas de arte. El videoclip narra el combate de boxeo del protagonista representado mediante primeros planos, de esta forma los golpes y los movimientos los percibimos con una verosimilitud elevada. Pura delicia y para más inri, español para que luego digán, mejor música y mejores creadores.

La Secuencia del mes: "No has visto nada en Hiroshima"

2009-11-01T20:34:00.004+01:00

Dos amantes se hallan en Hiroshima. Ella es actriz, está rodando una película allí, donde ha conocido al hombre con el que se abraza mientras cuenta los lugares que ha visitado de la ciudad. Pero, al parecer, él no está muy convencido de que haya visto a la verdadera Hiroshima: la ciudad destruida por la bomba atómica de los EEUU. No, ella no ha visto el horror, no ha visto las plazas derruidas, a los niños y ancianos muriéndose, sino que ha visto otra ciudad pero no la verdadera. La mezcla con imágenes del recuerdo mientras la voz circula en dirección contraria a la visión, el contraste paralelo entre una situación y otra, toda la información sugerida del recuerdo y del dolor. Todo se convierte en motivos suficientes para aparecer aquí, porque si no has visto Hiroshima, mi amor ( Hiroshima, mon amour, 1959) de Alain Resnais recuerda que : ¡No has visto nada en Hiroshima! ¡nada!.

"Ágora", Busco, no encuentro, critico

2009-10-16T20:34:00.010+02:00

Cualquier director de cine que tenga un determinado nivel se le debe presuponer que sus obras no sean meros envoltorios artísticos vacíos, sino que, mantienen una línea constante, en la que identificamos una autoría a cualquier obra realizada. Dichas referencias, conforme avancemos en su trayectoria, serán más factibles de interpretar, además de poder contemplar una evolución de su arte. La trayectoria de Amenábar se halla determinada por una constante impersonalidad a la hora de abordar cualquier género cinematográfico. Suspense, terror y dramas lacrimales conforman sus películas. Sin embargo, si rasgamos las vestiduras que cubren nuestros ojos, podemos observar una constante búsqueda y poca depuración por dos temas fundamentales y presentes en su filmografía de manera distinta: la muerte y la búsqueda de la identidad personal. En este sentido lo que se muestra variable es la mirada desde la que coloca su cámara, manejando cualquier género mediante los mismos prismáticos. El problema data cuando en esa búsqueda de encontrar ambos temas en cualquier registro puede que dicha identidad personal se halle diluida no ya sólo en el interior de sus personajes, sino en la propia construcción narrativa. Por estos motivos, no es de extrañar que Ágora, su última y más cara producción, se haya convertido en su producto a priori más personal o por lo menos en el que más ha apostado aunque el resultado no haya sido el esperado.

La identidad mal enfocada
Situar a los personajes en acción puede convertirse en una buena estratagema para atrapar la atención del espectador. Es, quizás, en este sentido donde comienzan los principales fallos de la narración. Para ser una película que intenta contar un relato con base histórica no puede comenzar sin una mera introducción de los motivos que dividen a ambas religiones-pueblos- y que podamos comprender el inicio del enfrentamiento. No vale con un mero reconocimiento del lugar físico en el que estamos cómo si estuviéramos buscando la ciudad de Nueva York por el Google Earth. Bien, cualquiera puede apelar a que el espectador debe de tener suficientes conocimientos previos para poder interpretar perfectamente lo que ocurre sin necesidad de una presentación de los hechos. Una teoría respetable sino fuera por los varios errores de precisión en la que los historiadores están criticando la obra. En este punto servidor tampoco tiene la intención de excederse demasiado ya que desconoce el intento de acercamiento histórico tratado, por lo que incluso mi tarea cómo espectador puede resultar más sencilla pues sólo podré calificar lo puramente cinematográfico. Después de esta ida de cabeza que no viene a cuento sigamos con nuestro particular viraje por Alejandría. Si consideramos estos argumentos cómo pueriles, no es de obviar que lo que el director de Tesis (1996) intenta plantear es una batalla ideológica alrededor de cualquier intento de fanatismo religioso. Un planteamiento que en la actualidad y a pesar de tener que recurrir a millones de años es un tema candente en la sociedad contemporánea- incluso intenta mantener una relación con la estatua cuan derribada es igual a la de Sadam Husein en Irak-. Sin embargo, cómo todo pensamiento, acto o creencia lícito, esté debe mantener un poso, una crítica basado en algo y no en la más pura radicalidad, porque llegados a este punto todo planteamiento que necesita desarrollar queda apartado de cualquier consideración mediante que invade hasta el propio autor de la obra. Es decir, no se trata de posicionarse de un bando ideológico cómo bien hacía Eisenstein o Ken Loach, sino que mientras que ambos directores exponen los hechos narrados desde ambos bandos para poder enjuiciar a uno y crean a su vez un posicionamiento definido, Amenábar directamente nos mete en esa acción- no llegamos a saber las causas reales de los enfrentamientos- que, también funciona para sentarnos a la butaca, queda a un más radicalizada que los anteriores, porque la diferencia estriba en la explicación, cosa que el español se salta a la tolera. Mientras que en La Huelga (1924) el maestro ruso del montaje nos exponía las situación precaria en la que vivían los trabajadores de una fabrica y cómo la mirada del autor se posaba en los obreros, en Ágora vemos unas luchas sin cuartel en la que el espectador sólo puede intuir levemente el por qué de estas, habiendo quedado muy interesante la realización de un cuadro que explicará las continuas luchas que vivimos por la religión en la actualidad. No basta con poner planos cucarachiles porque sí. Para ello, una buena muestra habría sido fijarse en una película de contenido bélico pero que se halla magistralmente dirigida por una introducción de una 1 hora en la que sin ella el espectador no podría comprender las diferentes motivaciones que acompañan a Michael Vronsky(Robert De Niro) a por su amigo Nick (Christopher Walken), El cazador (1978). Al final, al chileno lo único que busca e interesa es mirarse en su propio ombligo y quedar glorificado por su defensa a ultranza de unos ideales que ni él mismo consigue defender mediante medios audiovisuales. Así queda la percepción de que se desperdicia un enorme material por intentar desplegar una mirada saturada quedando una crítica bastante maniquea. La identidad personal de los cristianos, de los paganos, y de Hipatía queda embarullada por un cúmulo de secuencias inconexas quedando en este sentido la búsqueda de la identidad personal más perdida que nunca.

La muerte diluida
El segundo punto de vista del autor es quizás el más difícil de identificar pues se halla sepultado por un batiburrillo de tramas que despistan por completo al más avispado de los concursantes de “Saber y Ganar”. El problema de afrontar cualquier género definitivo que lo consagre hasta ahora lo había superado con más o menos dificultades, habiendo realizado algunas obras con suficiente empaque. Si bien, si con el fanatismo religioso se acaba diluyendo con la mirada adoptada también. Por momentos nos hace creer que estamos ante una película de época, ante un peplum, ante una de corte religioso e incluso hasta observamos tintes astronómicos. En esta conjetura no es que estemos ante una película de corte coral, sino todo lo contrario, ya que las emociones de los personajes quedan sepultadas junto a los restos de la Biblioteca de Alejandría. En ninguna ocasión obtenemos una sensación de protagonismo principal. Por un momento parece que es Hipatía-cuya publicidad así lo deseaba- pero en otros instantes es abandonada por la de su joven criado. Sólo podemos vislumbrarla-a la muerte- en la destrucción parcial de la cultura en la que sí se muestra objetivo y cuya angustia por preservarla por parte de Hipatía llega a emocionar en algunos minutos, en vista de que su esfuerzo y reconocimiento no siempre son aceptados. Aquí, si que da buena muestra de su manejo al transmitir esa especie de angustia cultural, pero aún así no llega a empatizar correctamente. De esta forma es difícil conocer que es lo que más le interesaba al autor pues su mirada- la muerte- vuelve a caer en entredicho, si antes menciono sus problemas a la hora de hacer creíble su mensaje aquí la imposibilidad de dotar de vida dicho mensaje nos vuelve a acercar al abismo del precipicio.

Así, todos los problemas podrían ser salvables si no llega a ser por la poca personalidad que tienen los personajes en escena. Todos se mueven cómo marionetas por unas escenas reconstruidas a la mil maravillas y de las que sí dan muestra de un conocimiento que el espectador haya estado allí, esto quizás sea el acto más recordado y puede que lo más destacable cuando no intenta buscar desesperadamente el circulo perfecto, redondo e inamovible, de pureza. Porque si Amenábar actúa-dirige- el centro cómo eje de la obra, sus teorías no se hallan separadas por igual en la misma medida o por lo menos no les da el mismo tratamiento. Al final, Hipatía tendría razón y el movimiento de los planetas es elíptico y no el de una circunferencia.

"Gigante", El Dante del siglo XXI

2009-10-10T19:50:00.010+02:00

Enfrentarse a una película uruguaya con el total desconocimiento que poseo sobre la filmografía de dicho país no es para nada alentador. Por este motivo establecer cualquier rasgo característico de dicha cultura se convierte en una tarea ardua complicada. Además, si unimos que el director es novel y argentino, la cuestión se halla multiplicada por dos. Por este motivo los paralelismos hallados serán más del espejo de sus vecinos del continente acaparador de buena parte de las carteleras españolas. Porque cualquier arte convive con la eterna comparación para así posibilitar un posible debate entorno a cualquier producto, es, por así decirlo, la esencia del ser humano. De cualquier manera es raro el mes en el que la cartelera no nos invita a otra absurda historia de amor de chico conoce a chica imposible y el resto es un camino empedrado por conseguirla. No, sin ser una propuesta totalmente innovadora Gigante constituye otra nueva fórmula, no en el sentido que proponía Lubitsch en Ninotchka (1939) en el que un Capitalista que intenta seducir a la Garbo Comunista y conseguir que esta se ría en pantalla. No, aquí vale más la sugerencia y la sencillez para contar mediante una sobriedad aplastante, una hermosa elegía entre la bella y la bestia, entre un guardia jurado de un supermercado y una limpiadora del mismo.

Caminos infinitos
En cualquier historia romántica llega un momento en que dichos activos acaban encontrándose irremediablemente en el tiempo, son caminos condenados a cruzarse. A veces, no siempre será fácil y se pondrán diferentes trampas que ambos tendrán que superar, en este sentido la más costosa siempre será dirigir a tu amada a que se acueste con otro hombre porque tu trabajo es más importante que lo que ambos sienten, Encadenados (1946). Casos extremos pero al fin y al cabo todas, las facilonas y las laberínticas, mantienen una estructura clásica de presentación, de enamoramiento, de ruptura momentánea para acabar fundiéndose en uno. Es decir, para acabar viendo el beso más largo y mágico o la boda más increíble. Palabras y actos muy bonitos pero que siempre se pueden estilizar para no acabar cayendo en la cursilería cómo algunos lo llaman. Jara constituye tanto físicamente cómo por circunstancias ajenas un tipo totalmente solitario, de aspecto gordinflón y más parecido a una bestia que a un bello príncipe. Todo desde la entrada no es advertido con la misma inclusión en la que su autor, Biniez, elige su camino en este arte. Con un plano medio, fijo, en el que vemos a una persona en un autobús, sólo, mirando por el espejo, intentado escapar de la rutinaria vida que mantiene. Sí, Jara se sitúa en el típico adolescente que es maltratado por sus compañeros y que equivocadamente se enamora de la chica mas popular de su instituto, o viceversa, una historia típica de la comedia pastosa estadounidense. Pero, Jara es ya un adulto que no tiene ni siquiera el amigo que le ayuda en su conquista- su raudo corcel es su sobrino pequeño con el que juega a la Play-, ni siquiera nos muestra que posea una extremadamente inteligencia, de hecho es una persona pluriempleada que durante la semana se viste de Guardia Jurado de un supermercado y los días festivos se convierte en portero de discoteca. Es, por tanto, un tipo que vive cuando los demás duermen y cuya vida se sitúa en la contracorriente. Jara vive así acostumbrado a su vida pero un día su monitor se posa en la mirada dulce que desprende Julia, sin quererlo vamos siguiéndola en su devenir, en su soledad acompañada por su rítmica fregona que ensancha la expresión de Jara. En este punto, Julia sería la típica chica inaccesible, con novio adinerado y de una fuerte atracción. Sin embargo, a no ser que al espectador le atraiga una fregona esté no es el caso, y no por la propia actriz sino porque el constante retrato que nos hacemos de ella parte de una cámara de seguridad cuya nitidez podría ser considerada cómo extraordinaria en los años 50. Estamos, paradójicamente, ante el cuento de la bestia y no tan bestia, en el que no hay lugar para la belleza extrema sino para el corazón puro. Pero, incluso existe otro obstáculo más difícil de superar, y es que mientras uno vigila la otra limpia y ambas cosas resultan un tanto incompatibles para establecer una relación fluida entre ambos. Se trata, por tanto, de dos caminos que no se cruzan, ya que incluso la mirada adoptada por el director uruguayo es única y exclusivamente la de Jara, sus ojos se convertirán en la mirada subjetiva que recorre el objetivo de la cámara. Por la propia pantalla del monitor, por el sigiloso seguimiento que realiza por las calles de la ciudad, por la playa. Los caminos de Julio y Jara (No es casualidad la doble-J) no se cruzan.

La mirada tierna
El seguimiento de Jara no es realizado mediante majestuosos travellings móviles y direccionales que nos remitan directamente a una trama dinámica, ni siquiera convierte a los personajes en sombras que deambulan por el encuadre. Incluso la total ausencia de sonido nos introduce en el sigiloso mundo del amante que contempla con total devoción lo que más aprecia. Esto es así porque el discurso del amor no se articula por medio del lento y pausado ritmo del enamoramiento, sino más bien en la contemplación y admiración que tiene un tipo que por sus limitaciones físicas nunca podría conseguir. Por este motivo, la empatía es total con Jara llegando a odiar, o querer eliminar a cualquier personaje que intente quitarle a su amada a nuestro tímido personaje. La historia de Jara se convierte, por momentos, en la propia vida del poeta Dante, en la que ambos contemplan por el placer de disfrutar de algo tan bonito y mágico cómo el rostro de una mujer Julia-Beatriz- quedando totalmente pregnados por ella, y cuyas acciones tengan por finalidad su búsqueda, la captura del aroma interno que desprende. Al final, todos los planos son una deleitación poética sobre el verdadero significado de estar enamorado de alguien, siendo una película no de amor sino del enamoramiento. Porque Jara, la bestia, tiene un cuerpo tan grande cómo el de su propio corazón o el de su tierna mirada.

La Secuencia del mes: Dos genios juntos "Limelight" (1952)

2009-10-04T21:10:00.004+02:00

A lo largo de la época dorada del cine silente estadounidense dos figuras sobresalían cómo dos genios en una lámpara: Charles Chaplin y Buster Keaton. Es imposible realizar un recorrido por la historia del cine sin mencionar a ambos artistas. Particularmente siempre me ha emocionado más Chaplin y su eterno Charlot, pero es difícil esbozar sonrisas ajenas con una cara totalmente hierática cómo la que componía Keaton. Durante años compitieron por las salas por conseguir los mayores aplausos del público hasta que la llegada y revolución del sonido cambió por completo sus panoramas. Mientras que el primero se aferraba a "su " cine brindándonos obras maestras cuando las componía, el segundo se hundió cómo director y comenzó a realizar esporádicas apariciones en pantalla en papeles secundarios.

La secuencia del mes es de la película "Candilejas" de Chaplin, una obra autoreferencial ya que para verla basta sustituir el nombre de Calvero por el de Charlot y obtendrán una hermosa autocrítica a su trayectoria. Chaplin consiguió, mediante un lenguaje estático, hacer un personaje que lo esboza cómo su alter ego al que ofrece una multitud de referencias personales. El público inexistente, el que ya no cree en él, es el mismo que lo desprecio y no supo contemplar su arte. En esta partitura sobresale el pequeño hueco que brinda a Keaton ya que esté fue siquiera más despreciado. Así, en esta secuencia se aprecia cómo utilizando técnicas narrativas usadas en el cine silente se puede triunfar entre el público, y en especial cuando desaparece Calvero y el telón se va cerrando mientras en la zona izquierda un apagado Keaton contempla cómo a él ni siquiera le aplauden convirtiéndose en una sombra de lo que es. Pura poesía visual y metabiográfica.

"Inglourious Basterd", La victoria del cine

2009-09-24T18:11:00.005+02:00

Winston Smith se sentía incrédulo ante las facilidades que poseía el Gran Hermano para manipular y cambiar a su antojo, el pasado, presente y futuro. Pero dicha percepción se agudizaba por la manera en la que él participaba en la propia manipulación. La Segunda Guerra Mundial es un tema sobre él que se han escrito muchos libros, se han realizado extraordinarias películas y se han glorificado innumerables canciones que versaban sobre los horrores acontecidos en ella. Pero en una similitud con “Valkiria”, ¿Qué hubiera ocurrido si se hubiera perpetrado el asesinato de Hitler?. Esa es una respuesta imposible de determinar. El hombre, a no ser que posea una máquina del tiempo, se muestra incapacitado para rescribir el curso del tiempo. Es en este enjambre cuando el olvido, el partir de una realidad para transformarla se hace más imprescindible en el arte. Es, por ello, que “Inglourious Basterd” no es otra película sobre la guerra.

La trayectoria del director de “Pulp Fiction” se ha forjado a través de innumerables referencias a distintos géneros y películas, dotándoles de una estilización y de una narración característica acompañados de unas secuencias dilatadas mediante unos diálogos cargados de verborrea insustancial pero imprescindible. No obstante, algunos siempre le han tachado de realizar varios plagios. De esta forma, mediante esa cultura Pulp estadounidense ha homenajeado a la serie B, a la Serie Z, a los Trillers clásicos, e incluso a los western de Leone. En esta ocasión, no se trata de varias referencias al cine bélico sino que intenta una renovación de los géneros, un aglutinamiento para hacer algo tan sencillo como “cine”.

Los artistas de la Nouvelle Vague- sobre todo Godard- realizaban películas que versaban sobre el propio arte cinematográfico. De esta manera rompían con la continuidad espacial y temporal recordando a los espectadores que lo que estaban visionando era un arte distinto a la realidad, sin reglas que las encorsetase, es decir, libre y autónomo. En “Malditos Bastardos” las situaciones se recrean con la idea de que el núcleo sea el propio cine cómo máximo elemento expresivo. La historia, la realidad, es sólo un punto de partida en el relato, una base sólida sobre la que asentarse, un simple código de reconocimiento, una justificación para contar una historia desde el propio cine. Por lo tanto, no se trata de una película bélica ni de la Segunda Guerra Mundial, sino sobre el cine y su amor ante él.

La reinvención de la historia no se realiza a través de un guión impepinable- aunque sí lo sea- sino desde el propio cinematógrafo. Así, nos hallamos con secuencias que están filmadas con la calma narrativa del mejor Ford, con la mayor viveza de Sergio Leone, con la sencillez de Eastwood, con la creación de una atmosfera de suspense del mejor Hitchcock, y con el sello Tarantino, derivando en una deformación del tópico, diálogos delirantes y situaciones sangrientas. Es lo más parecido a una epopeya, a esa gran obra final que intenta aunar todo el abanico que se han dado al servicio de la creatividad personal. Porque “Inglourious Basterd” no se trata del enésimo homenaje a la Serie B, ni al Espagueti Western, ni siquiera al cine bélico, sino de la batalla del arte cinematográfico, por ello dentro del estatismo escenal todo acaba en una sala de cine porque todo termina allí, siendo el lugar donde libra su batalla. En este sentido la confluencia del idioma como elemento narrativo expresivo recuerda los problemas de las primeras épocas del cine sonoro. El espectador se enfrenta a una obra de “cine” siendo el idioma una herramienta más cómo lo es el pincel con el que el pintor dibuja.

Al tratarse de una historia sobre el poder del cine y su abanico de posibilidades el enfrentamiento entre los nazis y los bastardos no importa. Al estadounidense no le interesa si existe un mínimo de rigor histórico, si existe una coherencia temporal. Por eso la poca estilización y la falta de complejidad de Hitler y de los personajes usados salvo el de Hans Landa, el mejor de su trayectoria, porque esté sí es importante en el cine y no en la historia. Tarantino no juzga a sus personajes, ni siquiera a los nazis, a pesar de que puede que los ridiculice en algunas secuencias, porque no le interesa ya que lastrarían y acabaría cayendo en un engaño para sí mismo. Narra una historia con base, pero sin frivolizar. La batalla se libra entre la propia historia, el arte y el espectador, dónde el ganador es el cine.

En la secuencia final los nazis se hallan en una sala de cine dispuestos a visionar una obra propagandística (Sí emulando a Leni Riefenstahl) sobre la victoria y aniquilación de varios aliados, por un nazi, en una torre. El clímax final es preparado en dos situaciones. Por un lado tenemos a los bastardos con su plan de aniquilar a base de ametralladoras y de explosivos a todo el que se precie. Por otro, tenemos un plan ideado mediante la quema de unos rollos de celuloide. Lo sencillo, y apelando a una lógica histórica sería la eliminación de ambos sujetos o si acaso que fueran los Bastardo los parcialmente ganadores. Pero la guerra es enarbolada por el propio arte, por está razón es el propio cine en el que debe librar y vencer. Lo que quiere transmitir es la victoria del arte cinematográfico por encima de todas las cosas, incluida la propia historia. De ahí la secuencia quemada, porque es el propio cine el que libra la batalla y el que la gana.

De esta forma “Inglourious Basterd” se convierte en el bastión, en la apertura donde el artista debe comandar su batalla. No se trata de una lucha de un loco que quiere transgredir con sus películas a la sociedad, sino la de un director que busca que el arte salga victorioso por encima de todas las cosas. Es una epopeya, una lucha universal en la que él único vencedor es el propio Tarantino. Cómo le dicen a Aldo Reine, “Esta es tu obra maestra”.

La Secuencia del mes: Plano Secuencia "Ojos de Serpiente"

2009-09-06T21:27:00.004+02:00

Brian de Palma cogió levemente el testigo que dejó Alfred Hitchcock en cuanto a puesta en escena. Sus constantes referencias para el genio inglés, no eran únicas, sino que también sus películas recogen momentos esenciales de otros directores. Realizamos esta comparativa con el maestro del suspense porque una de sus producciones más recordadas es el plano secuencia integro que intentó grabar en "La Soga". De Palma, sirviendosé del mismo estilo, filma otro espectacular arranque con un plano secuencia que se halla cortado por los mismos trucos en forma de leves oscurecimientos en la pantalla. La secuencia no es gratuita, ya que durante el metraje esta se comportará cómo el eje central, el núcleo del que todo emana, y de la que iremos reforzando con diferentes miradas.

"Anticristo", Más Lars Von Trier que nunca

2009-08-31T18:56:00.003+02:00

“Ultra violento, angustioso, sexual, pretencioso, híper estético, misógino…” Estos fueron algunos de los calificativos que recibió “Anticristo” por parte de la prensa especializada, en el pasado Festival de Cannes. Con dichos adjetivos la respuesta inicial es para echarse a temblar y más cuando quien lo firma es uno de los directores más polémicos del panorama actual (incluido ese absurdo invento que se pasa por los forros que es el Dogma). Por lo tanto, son palabras para mantener en un mínimo de consideración. Para servidor “Anticristo” es una de esas películas que consigue desbordarte, que no sabe sí se halla ante una genialidad o ante una autentica tomadura de pelo- estando más del lado de la primera-, es, incontestablemente, una obra que no dejará a nadie indiferente. Para poder escribir esta crítica tendré que hacer como Von Trier y liberarme totalmente.

Lars Von Trier firma la que es probablemente su mejor obra, la más completa, la más radical en su propuesta (forma), podríamos afirmar que se trata de la liberación total del artista. En ella el director explora todo el contenido de su obra tanto formalmente: División teatral de la narración, linealidad artística de sus primeros tiempos y su incesante cámara en mano con sus zoom mareantes; como por el contenido: el estrato del germen del mal erradicado en las figuras que recuerdan a Eva y Adán.

“Anticristo” narra el periplo que tiene que soportar una pareja tras el trágico accidente que conllevará el fallecimiento de su hijo mientas ambos fornicaban. El marido, William Dafoe ,que es psicólogo, intentará ayudar a su esposa, Charlotte Gainsbourg, a superar el tremendo duelo en una casa que ambos poseen en el bosque, convirtiéndose en una tarea mucho más complicada y extraña de lo que barruntaba.

La vida, el sexo, la muerte, la incomunicación… el ser humano y su naturaleza son los principales argumentos de “Anticristo”. Mientras los más puristas se asustan ante dicha propuesta, en vez de dulcificar su mensaje, Von Trier se aleja de recovecos para centrarse y definirse. El danés, acude al eje de la humanidad cristiana para presentarnos está historia alejada de metáforas bíblicas, es decir, subvertirá la relación de las cosas convirtiendo el cielo en el más absoluto infierno. Los dos protagonistas conforman los Adán y Eva, ambos viven en un céntrico lugar, viven libremente su sexualidad, tienen su propio hijo, es decir, viven en un paraíso terrenal. Sin embargo, todo cambia cuando el hijo muere (manzana) por culpa de ambos cuyas ambiciones sexuales les hace descuidarse de él, el paraíso y la naturaleza se vuelve en un bosque oscuro, con figuras extrañas y alejadas de cualquier atisbo de paz. Es la historia contada una y otra vez pero sin metáforas, real y bastante cruda.

No es de extrañar que para experimentar la esencia del ser humano se recurra a (casi) todas las manifestaciones que sufrimos. Si comenzamos por el prólogo el primer plano cuyo grifo es encendido y utilizado para dar agua (vida), para dar lugar al sexo (poner la vida humana) para terminar acabando y muriendo (el niño), siendo una ejemplificación de la actividad humana. Y no sólo en el prólogo, sino que durante buena parte del metraje se experimenta el dolor humano, la flagelación, la angustia, el miedo, la pérdida. Incluso en ese afán de definir el lado oscuro del hombre nos enfrenta en varios diálogos donde la incomunicación es la tónica habitual (realizado con maestría cortando los ejes). El resto se enmarcará en el instinto de la supervivencia, para acabar alcanzando el clímax al que todo ser humano espera llegar. Un autentico ensayo sobre la humanidad, sobre sus actos y acciones que irremediablemente tenemos que padecer a lo largo de nuestra existencia.

Entonces ¿Por qué los calificativos de arriba? Porque Von Trier en su búsqueda de la verdad se muestra un poco onanista y desea que el espectador también explore lo que él intenta transmitir, o más bien la depresión que sufrió. No busca la sutileza porque se estaría traicionando a sí mismo, porque todo quedaría en una falsa, en un desvarío de un artista. Quizás tanta explicídad sea demasiado obscena y dolorosa, siendo totalmente comprensible su rechazo, a pesar de que no se utilice de manera gratuita. En este caso, estaríamos bordeando el peligro de poner diques a la libertad creativa de cada artista, por lo que aunque duela es completamente necesario.

Pero sí sólo nos quedamos con la anécdota, con los dos o tres planos, estaríamos obviando la tremenda fotografía en gris, la amplia negrura que invade a los protagonistas en el interior del bosque, el increíble Tour de Force (con una magna Charlotte ), ese prólogo y epílogo antológicos. “Anticristo” hoy vilipendiada con sus defectos, y sus aciertos, constituye una obra necesaria y de visión totalmente distinta a lo que nos encontramos en la cartelera. Sí todos viésemos y contempláramos lo mismo, el cine moriría.

"Enemigos públicos", Irregular retrato de Dilinger

2009-08-19T18:16:00.006+02:00

Trajes negros, sombreros holgados, gabardinas oscuras, pistolas siempre a punto, dinero con olor a limpio (bueno aunque sea ganado suciamente), pañuelo para limpiarse, la familia… si todo esto es muy bonito pero ¿de que estoy hablando?, pues muy sencillo, a ver daremos una pista: Años 30… No, todavía, no, a ver seguro que lo tienes en la punta de la boca…Chicago, Corleone…venga va que tampoco es tan difícil… bueno pues hoy toca una de Gángsters, ya está ya lo he dicho todo.

Bueno tras está gilipollez de introducción que me acabo de sacar de la manga-Sí en verano mis neuronas van más despacio y en Murcia hace mucho calor- vamos con la última película de Michael Mann, “Enemigos públicos”, esperada y decepcionante por lo menos con las expectativas que un servidor se había formado al respecto. No es que sea mala, sino que comparado con las enormes producciones que existen de esté género, o incluso las realizadas por él mismo, esta obra se queda en pañales, pero bueno cómo en verano lo que se estrena es para ir en taparrabos, pues al final te sale una película decente.

“Enemigos públicos” nos traslada a los años de la Gran Depresión (1933) para narrarnos la historia de John Dilinger(Johnny Depp) , famoso ladrón de bancos y un autentico héroe para los ciudadanos de los Estados Unidos. Declarado el criminal número 1 por el FBI, toda la película se basa en las peripecias de Dilinger y en los esfuerzos por la policía y por parte de Melvin Purvis(Christian Bale )el agente del FBI que lidera su búsqueda.

Cuando se plantea un biopic la personalidad y profundidad del biografiado debe ser clave, así cómo la dirección del actor y la reconstrucción de los hechos narrados. Pues bien, todo falla excepto la última parte. Dilinger, el hombre, la acción y el personaje con él que debemos empatizar naufraga estrepitosamente. Por un lado Depp no está a la altura de las circunstancias (raro en un actor tan polifacético), y por otro el planteamiento de un lado a otro, banal y superficial no consigue transmitirnos nada, no llegamos a sentir sus inquietudes, por lo que su identificación con el espectador es nula. Dilinger es frío, ausente y más plano que una plancha. A pesar de que el público y la prensa se muestren entusiasmados con sus aventuras esto no traspasa de la proyección, quedando todo vacío y sin un orden establecido. Pero esto no ocurre sólo con Dilinger sino que también pasa con Melvis (cuya presentación cómo metáfora del cazador ante su presa, del bien y del mal es de lo más destacable) y con Billie Frechette(Marion Cotillard), son fríos, alejados de la realidad. En definitiva, unos personajes poco esbozados y que ni los actores ni Mann consiguen superar dicho problema.

La manera de narrarla, cámara en mano digital, nos aleja de la perspectiva de época de los 30 que aunque se halla estupendamente ambientada nos remite a la realidad, su uso de la verticalidad elevada nos impide centrarnos en contemplar el ambiente que rodea los años posteriores de la Gran Depresión. Mann se olvida de que no está rodando en la actualidad, y aunque busca ese realismo lo yuxtapone a la buena dirección artística, haciendo que el trabajo de estos quede en vano. Las enormes incorrecciones de color, la saturación y el grano digital no consiguen transmitir ese desasosiego que puede ocurrir cuando nos adentramos en el mundo de lo onírico, pero no en un hecho que intenta basarse en la realidad. Así, de esta forma, nos acostumbraremos a ver y a contemplar perfectamente los rostros de Dilinger, Melvis, y Billie, familiarizándonos con ellos pero a la vez transmitiéndolos distantes a nosotros. Una sensación algo extraña que Mann se muestra incapaz de superar en todo momento, dando lugar a que pensemos que en realidad se acerca a más a un simple Blockbuster que a otra magnifica obra suya.

Sin embargo, siempre hay terreno para evadirse ya que el sello Mann se manifiesta en lo que de verdad domina cómo nadie: las secuencias de acción Estas se hallan perfectamente repartidas en diferentes dosis que van in crecendo conforme avanzamos en la trama: disparos, tiros y emociones fuertes, donde, aquí sí, Mann se maneja como pez en el agua. Se le nota conforme a su papel y si bien cuando debe de profundizar lo hace torpemente no podemos obviar el enorme talento en la recreación de diferentes secuencias que nos hacen atarnos a la butaca.

Dentro de la monotonía, que nos salva la espectacularidad de las persecuciones, se nos alza en el último tramo una pieza que es, por méritos propios, lo mejor que consigue producirnos “Enemigos públicos”.Porque seamos sinceros siempre tendemos que el inicio de cualquier cosa debe servirnos para valorar si el producto nos interesa o rápidamente es desechado. De igual forma, que el final es lo que recordaremos en nuestras retinas y un buen final siempre hará variar nuestra valoración sobre cualquier aspecto, a pesar de que el contenido pueda resultar desastroso, insípido o incluso todo lo contrario que de algo que nos está resultando maravilloso quede estropeado por cualquier estupidez o precipitación no acorde con su cometido. En este caso se demuestra toda la maestría de Mann para componer secuencias poderosas. La atmosfera reconstruida sobre el fatal incidente nos remite al lugar de los hechos cómo si nosotros mismos lo estuviéramos captando con nuestra cámara fotográfica y lo repasáramos en nuestro interior todas las noches, sin faltarle ningún detalle, y por supuesto, sin sobrarle ninguno.

Aspectos negativos y aspectos positivos conforman este relato sobre John Dilinger, un material muy potente que incomprensiblemente Mann se halla desbordado, o no quiere hacerlo, y nos hace perdernos una excelente obra por otra bastante irregular. Si Scorsese hubiera poseído este guión en sus manos…

"Up", Pixar sigue firme en su camino

2009-08-07T16:46:00.010+02:00

El extraño y fascinante mundo de la animación siempre consigue dejarnos obras que nos producen un enorme placer, en su visionado, debido a su enorme riqueza visual. Su estructuración, el realismo que busca con las formas, el tiempo para completarla nos dirige indirectamente a su técnica, al barro con el que está producido. Se trata, pues, de un terreno lo más parecido a la pintura, en la puesta en escena. Los autores esbozan unos dibujos en movimiento que partiendo de la realidad obtienen carta de naturaleza propia. En un principio, este mundo se creía destinado única y exclusivamente al terreno infantil, si bien esta corriente sigue siendo la más acertada, no es menos cierto que la profundidad de sus últimas obras nos amplia hacía un nuevo genero narrativo y cinematográfico.

Hablar de Pixar es mencionar cine de alta costura. Nos estamos acostumbrando a que cada año nos regalen con un fabuloso ejercicio bastante superior a la media actual. Las barreras ya parecen superadas e incluso la crítica ya las considera como actas para competir con las “películas adultas”. No es de extrañar que los Oscar del año próximo las nominadas a mejor película sean 10, y aunque es una tarea ardua complicada de pronosticar, casi con toda seguridad una de esas diez nominadas será UP, no tanto por su calidad sino también por las diferentes presiones que tendrían de obviarla. De todas formas esto es bastante subjetivo.

Up" nos narra la historia de un vendedor de globos de 78 años, Carl, quien finamente consigue llevar a cabo el sueño de su vida, y el de su difunta esposa, Ellie, al enganchar miles de globos a su casa y salir volando en dirección a América del Sur. Pero no será un viaje tranquilo ya que con él viaja también un explorador intrépido, Russell, que tiene 8 años. Ambos emprenderán probablemente la aventura de sus vidas.

A priori el conjunto de la película estaría más destinado al género de la aventura, rozando con refrito de comedia para todos los públicos, especialmente para los más pequeños. Pues bien, siendo la animación catalogada con un público objetivo infantil, sorprende la decisión de que el peso del metraje recaiga sobre un anciano. Esté no será un chistoso ni una amable persona sino que es presentado como un poco cascarrabias, aunque hayan sido las circunstancias recientes de su vida la que hayan podido transformar su personalidad. De esta forma, introducen a Russell para que el mundo de los sueños, de las hadas y de los héroes, sea identificado con alguien. Es en esta doble vía de identificación uno de los pilares básicos por los que se construye Up, pasando al lado amargo y al cómico de inmediato.

Carl es el eje central, su sueño será nuestro sueño y por lo tanto sus peripecias y sus penumbras son las que nos acompañarán. Para que no sólo sea visto cómo una persona de avanzada edad su presentación nos traslada cuando tendría una edad cercana a Russell. Esos primeros minutos en los que vemos cómo se ilusiona con una proyección sobre un aventurero-homenaje indirecto al cine y al género-. En su trayecto se encontrará con el gran amor de su vida; Lilly, juntos compartirán ambiciones y vida. Son quizás estos primeros veinte minutos los que asombran por la extraordinaria precisión de lo que puede representar la felicidad, el amor, las desgracias, los sueños compartidos. Mientras una partitura nos traslada las imágenes sobre los recuerdos, sobre el pasado de Carl nos va encumbrando en su mundo, nos apasiona y hasta nos estoca en lo más profundo de nuestro corazón. Con esta presentación no hacen falta los diálogos, ni las palabras vacías, sino que es el poder de la imagen la que nos realiza un viaje hacía los sentimientos y la vida de Carl. Estos primeros minutos son lo que nos hace desconfiar de que deba ser calificada cómo una simple película de animación, adentrándonos en una mayor profundidad de los dibujos animados, para intentar bucear entre la superficialidad, y conseguir aventurarse en mundos que supuestas producciones intentan pero que no atisban a ver ni siquiera con un catalejo en sus manos.

Por esos minutos en los que luego se repetirán secuencias aunque con menor impacto emocional, ya estaríamos hablando de una obra maestra del siglo XXI, pero el resto del metraje se aleja o quizás se desvía de tanto dramatismo para buscar un final más relacionado con los sueños, o porque no decirlo en la facilidad. Esto no es que esté bien ni mal pero si podemos caer en una cierta condescendencia con la animación, ya que nos estaríamos escudando en su forma para despreciar las posibilidades que nos puede brindar este género. Es evidente, que las plataformas de las industrias no dar el definitivo paso adelante que las consagre entre las más grandes. Así, cómo este mismo año contemplamos como se puede tratar un tema tan peliagudo cómo el recuerdo del horror en Walts with Bashir, en Up busca el arropamiento familiar.

Esta doble vara que aunque se halla bien conjuntada y que no desmerece sería el mundo interior de Russell. Un universo que nos adentra en las esperanzas de Carl cuando era niño, cómo si su nieto se tratase, el paso cíclico de la historia se repite en las emociones pero no en los actos. Puesto que si Carl ha vivido durante sus años apegado a una persona y con ella toda su felicidad, Russell busca esa felicidad con la última chapa para convertirse en un aventurero intrépido. Un universo de fascinación ante lo que ocurre, un mundo de heroicidad y de complicidad con el espectador, de la añoranza de los tiempos, de la nulidad de preocupaciones. Es en este sentido donde caemos en algunos cachés tipos que nos alejan de la profundidad del primer tercio.

Sus aspectos técnicos, su cuidado estilismo en la imagen, constituyen un paso más de “Up” y sobre todo de Pixar hacía la eternidad. Pero está deberá esperar, creo que todavía se puede conseguir un mayor material y que por lo tanto lo visto hasta ahora sólo constituye una toma de contacto, aunque sea de altos quilates, hacía unos próximos años repletos de grandes historias. Cada nueva película debe llevarnos hacia una experimentación y no quedarnos en lo simple sino que la clave está en la evolución, en saber definirse, o bien por películas como “Toy Story”-perfecta en su definición- o buscar el lado más dramático. En su decisión están puestas muchas miras.

La Secuencia del mes: Beso "Encadenados" (1946)

2009-08-02T21:58:00.005+02:00

El código Hays lo establecieron los productores y distribuidores norteamericanos en 1930 como un sistema interno para regular las películas y poder paliar el efecto de las demandas de control por parte los sectores más puritanos. Es decir, lo que se conoce cómo un código de censura cinematográfica. Esté se aplicó desde 1934 hasta 1967. Entre muchas de sus lindezas aparecían normas tales como: la censura del desnudo,la prohibición de ridiculizar al clero, el tráfico de drogas, e incluso se estimaba la duración de los besos y de los abrazos que no podía exceder de los 3 segundos.

Pues bien, dicho esto vamos a contemplar esta secuencia mágica e inolvidable de la espectacular Encadenados (1946) de Alfred Hitchcock, protagonizada por Gary Grant y Ingrid Bergamn. En esta secuencia, los amantes darán rienda suelta a su amor mediante diferentes besos, de tres segundos, que se dan directamente volviendo locos a los censores. Otra genialidad del maestro.

La Secuencia del mes: Plano secuencia "Sed de Mal" (1958)

2009-07-05T21:05:00.004+02:00

Siempre he mantenido una extraña obsesión por el inicio de cada película. Pienso que el primer plano nos puede determinar muchos de los rasgos que nos vamos a encontrar en las próximas horas, por lo que su importancia es elevada. Lo comparo con cualquier noticia o escrito en el que el primer párrafo, el titular, será la primera impresión para seguir aventurandonos en el relato. El primer plano suele destacar por su belleza, por su claridad, por la exposición de los hechos. Pero, en ocasiones, nos encontramos con autenticas maravillas en la que se nos deleita con planos secuencias en la que ya nos hace entrever el jugoso material que estamos contemplando. Si ese inicio apoteósico, fantástico e inverosímil lo realiza Orson Welles sólo podemos empezar a babear ante semejante inicio.

Pd:Tras muchas deliberaciones he optado por convertir esta sección en mensualidad, en la cual, la iré actualizando el primer domingo de cada mes.

"Tetro", el joven y renovado Coppola

2009-07-01T17:49:00.010+02:00

La juventud no se trata de un período determinado del ser humano, o quizás sí, algunos optan que es un estado que se desarrolla entre dos baremos de determinada edad. Otros, sin embargo, piensan que la juventud, el eterno elixir, reside en cada individuo siendo intransferible y, por lo tanto, esté no se puede determinar en el espacio geofísico. Algunos autores hablan del pasado, de la juventud cómo una etapa dulce y aunque otros la dicten cómo medio evocador, como un canto a la belleza y en contra de la decadencia, los hay que buscan su vuelta para redimirse por escoger la opción equivocada. En ese vestigio que separa amor a la juventud y el elemento de búsqueda, del objeto que lo une todo o por el contrario lo destruye, se convierte en una de las premisas de Francis Ford Coppola.

Un director como Coppola no necesita apenas presentación, o quizás sí, un cineasta en el que su trayectoria se podría clasificar por etapas, por claridad temática, por encargos o por la plasmación de su personalidad. Difícil, pues, esa tarea estructuradora de fijar con arneses a un individuo. Dejando constancia que me entusiasman más sus obras más personales y alejadas de principios puramente comerciales. Está obra quedaría encuadrada en la sección personal, buscando sobre todo sus sentimientos más íntimos.

Lo que no es tan difícil de identificar son sus rasgos estilísticos, estos son los que en una mayor medida ha ido manteniendo a lo largo de toda su trayectoria. Rasgos fácilmente identificables siempre alrededor de un núcleo familiar ya sea dirigiendo su mirada hacia el centro, hacia la unión que une al grupo ya sea por la cabeza o por el joven descarriado que busca la libertad y el conocimiento. Este núcleo familiar también puede convertirse en un círculo de amistad. Dentro de este ambiente, de esa unión, hay una constante que siempre busca Coppola además de añadirle un toque biográfico, está es, el vínculo que los une con el pasado, con su propia intrahistoria, y una búsqueda de ese pasado, en el cuál, lo cambió todo. Además, otros elementos fácilmente visibles son el culto al desnudo femenino como símbolo de belleza, su tremenda obsesión por el tiempo como añoranza. Pues bien, algo tiene de razón Coppola al afirmar que esta es su película más intima pues contiene todas estas constantes que le han ido acompañando en su trayectoria profesional.

Bennie acaba de llegar a Buenos Aires para reencontrarse con su hermano, Tetro, desaparecido hace diez años. Cuando Bennie se instala con Tetro y con Miranda se da cuenta qué todo lo que él recordaba de su hermano se ha esfumado, ya no es el vitalista hermano que escribía y que cuidaba de él sino un ser distante y alejado de su familia y sobre todo alejado de la escritura. Durante el tiempo que permanece Bennie intentará conocer por todos sus medios el porqué del cambio de su hermano Tetro.

Los primeros minutos pueden recordar a “la ley de la calle” con la ensoñación e idealización del hermano pequeño por el mayor. Pero no debemos confundirnos, ya que mientras el barroquismo Welleniano de la primera se aprecia a cada fotograma con los relojes a toda vela, en esta, sólo se aprecia en determinadas angulaciones y no cómo un mero ejercicio de puesta en escena. Centrémonos en el terreno que nos ocupa. Tetro es un ser distinto, que por momentos le apreciamos cercano y por otros alejado de todo acto de racionalidad. Para crearnos la percepción de Tetro nos asociaremos siempre a la mirada de Bennie, con él iremos descubriendo toda la verdad, porque no lo olvidemos nuestros ojos son los de Bennie y a la vez los de Coppola que busca volver a ser aquel joven.

En la concepción de la relación Tetro-Bennie nos muestra las cartas de Coppola, una relación basada en la familia cómo núcleo y en un acto del pasado desconocido para todos. Este pasado lo iremos descubriendo a base de pequeños flashbacks esbozados con mucho colorido que contrasta con el tono grisáceo del resto del metraje. Estos recuerdos lo que hacen es pintar la realidad, la idealiza rozando el terreno de lo onírico, pues nunca vemos ninguna declaración de Tetro sino actos, situaciones de su vida que le ocurren y que le harán romper con cualquier vínculo que lo une con su pasado. Estos recuerdos proceden, bien de los descubrimientos de los escritos de Bennie, o directamente del pensamiento de Tetro que vienen a ser lo mismo.

Este proceso de maduración, pero también de lo que podríamos denominar de pérdida de inocencia, se mantiene en la trayectoria lineal de la familia. Si Tetro pierde esa inocencia a través de diversas experiencias traumáticas que le irán cambiando- Su novia, su libro, su ingreso en un psiquiátrico- Bennie la hará también de manera gradual pero un tanto distinta. Al principio, lleno de ilusión que se va convirtiendo en polvo cuando descubre la verdadera fachada de su hermano, después con los diversos golpes que le va propinando Tetro emocionalmente, terminando por la consumación con dos de sus actrices en una exaltación de la figura femenina capaz de romper las barreras que atañen al hombre. Esa experiencia es la que marca toda la obra de Coppola, la que apreciamos de forma parecida en “Ya eres un gran chico”, la que se ve en “Apocalypse Now”, en “Rebeldes” con una juventud que crece demasiado rápido, en “La Ley de la Calle” con dos formas diferentes de observar la realidad. Es, por tanto, un recorrido a marchas forzadas de la maduración espiritual y física del ser humano, de cómo nos desatamos de cualquier cuerda para empezar a ver y descubrimos que ese mundo de las “ideas” no son cómo esperábamos.

La influencia de lo paterno que lo controla todo se muestra en todas sus vertientes. La dominación llega a través de Carlo, un famoso músico que ha construido su Imperio a costa de la felicidad de los suyos. Esta influencia se muestra tan macabra que consigue influenciar y lastrar a Tetro hasta dejarlo en un ser avasallado, aniquilado, cómo el propio Coppola con la taquilla, ambos son llevados por una travesía del desierto en busca de reencontrarse consigo mismos.

Si existe algún matiz que rompa todo lo estructurado es, sin duda, el personaje de Carmen Maura, totalmente prescindible que en vez de avanzar la trama lo que hace es lastrarla, da el barruntamiento de que Coppola se autoexcusa de que esta obra no está al nivel de su década dorada con ella, en el sentido de que hay que observarla cómo un torrente de habilidad todavía sin pulir que termina consumándose en este personaje. Podría incluso considerarse cómo una ridiculización de la crítica que tanto le ha amparado pero entonces ¿Quién sería Coppola? Si durante todo el tiempo nos hemos identificado con Bennie y que es esté el retrato del autor, ¿Siendo las críticas hacia Tetro en que nos quedamos?. Puede que lo que nos viene a decir con ese giro es que nos olvidemos de la grandeza de sus obras de la década de los 70, aquellas en la que cualquier espectador ha visto y magnificado, ahora quiere ser cómo Bennie un joven creador con ganas de descubrir cosas- nuevas formulas- y que estás parten de la base de su trabajo pero que no deben ser juzgadas por la mirada al pasado. De esta forma, la figura de Tetro es la de Coppola y la de Bennie es la del nuevo y jovencito Coppola que busca conocer la verdad y resarcirse de los errores cometidos por el pasado. Es un viaje autobiográfico con aciertos y errores como en la carrera de su creador.

Y llegamos al desenlace más propio de una telenovela y que convierte todo lo visto en una rocambolesca historia. Un final más propio al de un telefilme barato pero sobre todo mal explicado quedando algunas lagunas, dejando fluir la intensidad dramática pero sin llegar a realizar una estocada dirigida al corazón del espectador, más bien está falla y sólo llega a alcanzarnos al cuello. Bueno tan artificial no será cuando a cierto actor aficionado a los Lakers le ocurrió algo parecido…

Para juzgar a Tetro debemos olvidarnos no de prejuicios sino de todos los valores admirados en otras producciones de Coppola. La sombra de la comercialización y del espectáculo ha desaparecido y aunque no debemos dejar de recriminar defectos propios de una opera prima estamos ante el mejor trabajo de Coppola de los últimos 15 años –bueno eso tampoco es mucho pedir- y que en esta segunda etapa busca y recupera un nuevo camino en el que seguro todavía nos seguirá sorprendiendo.

"Terminator Salvation", puro fuego de artificio

2009-06-20T19:47:00.007+02:00

Tiempo de vuelta, de vacaciones, de descanso, de playa, de Blockbuster; de segundas, terceras y hasta de cuartas partes, de remakes. En definitiva, tiempo de volver a escribir un ratillo que ya había mono. Entre tanta vuelta no es difícil intuir de qué va esta crítica (bueno y por que lo pone en el titulo) y sí este es el tiempo que hay cinematográficamente hablando, ya sea en esta época veraniega o simplemente una continuación de lo peor del año. Aunque siempre hay tiempo para algún estreno interesante (Tetro) pero que se sale de la norma establecida. Bueno, hoy toca criticar a “Terminator Salvation”.

La saga Terminator, o mejor dicho, las dos primeras películas dirigidas por James Cameron forman dentro de las mejores películas de ciencia-ficción por merecimientos propios y, que en este párrafo no me dan para explicar ya que necesitaría muchos más. Son sin duda dos de las películas de mi infancia, sobre todo la segunda entrega. Tras el descalabro, insulto, soporífera, insulsa, impersonal que fue la tercera entrega algunos esperábamos que por lo menos la cuarta retomase el rumbo perdido, aunque sólo fuera un simple cambio de viraje. Bueno, cambio ha habido, sustancialmente poco (no era muy difícil), puede que un simple espejismo, pero lo hay, aunque solo fuera por la presencia de Cristian Bale. Pero no nos engañemos, que la comparación no nos cegué, porque esta “Terminator Salvation” es un mero ejercicio de artificios sin detonante, de fuego sin llamas, de una cadena de errores tan imprevisibles que por su escasa calidad se vuelven predecibles.

En esta nueva edición la acción transcurre en 2018, tras el día del Juicio Final. John Connor (Christian Bale) forma parte de la resistencia frente a Skynet y las máquinas, todo lo que sabe del futuro es gracias a su madre, Sarah Connor. La resistencia se ha adueñado de un sistema capaz de paralizar a las máquinas y así poder derrocar a Skynet, sin embargo todo cambia con la llegada de Marcus Wright ( Sam Worthington), un ser que creía que estaba muerto y que desconoce el futuro-presente en el que se encuentra.

Un argumento sencillo, continuista si se me permite la expresión, pero lleno de incoherencias. La historia y el protagonista no es John Connor, algo extraño, sino el inexpresivo Marcus Wright, una persona condenada al corredor de la muerte y que donará su cuerpo para poder salvar a una mujer presa de cáncer. Un personaje en el que jugamos a dos bandas, por un lado sabemos de su existencia más allá que la propia intrahistoria y de las relaciones con los demás personajes, por otro desconocemos su verdadera alma y sí que identificamos el presente en el que se encuentra, esto es posible a la fragmentación del relato, a la forma artificial, de narrar.

Sus planteamientos son bien sencillos de desarrollar, sólo tenemos que olvidarnos de que estamos presenciando una película para averiguar de que estamos ante un videojuego teledirigido, en el que nosotros no jugamos sino que es McG el que juega, el que disfruta, y los demás los pagafantas que estamos contemplando sus peripecias. Salimos de una secuencia de acción para meternos en otra y así sucesivamente. Inconexas a más no poder, insustanciales, vacías de contenido y de significado. Sólo tenemos que recordar a mi añorada “Terminator 2” para contemplar el desarrollo de unas secuencias de acción impecables, maravillosas, intrigantes, angustiosas, espectaculares…perdón esto es Salvation creo que me estoy dejando llevar por el pasado. Fuego, artificio, pero sin una determinada razón, puede que entretenga, pero esta saga no se planteó como un mero ejercicio de entretenimiento sino como algo más, pero ese algo al caer en desuso, olvida su razón de existencia quedando en unos simples petardillos que no asustan ni a la persona más ingenua del mundo.

Pero bueno, al fin y al cabo, esto era algo esperado que hubiera acción aunque algo más de planteamiento no le hace daño a nadie. Pero lo inexplicable, es su falso guión, o mejor dicho la ausencia del mismo. Vamos que la Ministra de Cultura tiene más imaginación en su teclado (Modo irónico On). Vamos que alguien me explique cómo es posible que la poderosa Skynet, un ser súper inteligente, para eliminar al numero dos de su lista de enemigos sólo utilice un T-800, ¿Dónde está ese poderío?. Una secuencia, sólo salvable por ese guiño merecido para Arnold Schwarzenegger. Esto quizás sea de las pocas cosas salvables, sus guiños a la saga, y los efectos especiales (que no los Transformer ni las súper-motos).

Y bueno cómo todo lo que se vuelve ha empezar necesita un proceso de rehabilitación pues empiezo a estar cansado y tengo ganas de hacer otras cosas, que para eso estoy de vacaciones y tampoco es cuestión de explayarse tanto en una película que ni fu ni fa. En definitiva, para toda aquella persona que busque atiborrarse de palomitas, dejar la mente totalmente en blanco y ver cómo juegan ¡está es su película!.

Clint Eastwood cumple 79 años

2009-05-31T18:26:00.002+02:00

Hace 79 años nació uno de mis cineastas favoritos, Clint Eastwood. Como homenaje a su extraordinaria carrera no podía permitirme la oportunidad de mencionarle en esta bitácora. Si mi afición por el cine viene de las películas de Alfred Hitchcock la confirmación de este arte en la actualidad viene marcado por Eastwood. Cómo son muchas las películas realizadas tanto como actor y como director quedarme con una sola secuencia me es casi imposible , y por vagueza, soló enlazaré a un reportaje que le dedicó el año pasado en canal TCM en la que se realiza un repaso a toda su carrera. Larga vida a Clint¡¡¡

Secuencias mágicas del celuloide:Final de los Cuatrocientos golpes (1959)

2009-05-24T23:45:00.004+02:00

Cómo homenaje, cómo recuerdo, o porque me da la gana, os expongo esta secuencia mágica en la historia del cine. Aprovechando la clausura del festival de Cannes 2009 me voy 50 años atrás para recuperar esta joya que supuso el inicio de la Nouvelle Vague. Así, el 4 de Mayo de 1959, François Truffaut fue galardonado con el premio al mejor director del festival por esta película y se convirtió en uno de los abanderados de este movimiento, si bien no fue el primero ni el más rompedor ya que eso está destinado a Godard, pero siempre he mantenido cierto asombro a esta obra. Bueno, sin más preámbulos a disfrutar de está secuencia final memorable en el que el bueno de Antoine Doinel descubre el "mar".

"Déjame entrar", la nueva era vampírica

2009-04-24T23:02:00.012+02:00

En los últimos meses son varios los productos audiovisuales que llevan el seño personal de las novelas vampíricas. Algunos forman parte de best-seller juveniles que se llevan al cine para ser auténticos Blockbuster como “Crepúsculo”, aunque su calidad no sea altamente recomendada. Otras obras provienen de las series estadounidenses que están reinventando la narrativa contemporánea como es el caso de “True Blood”, e incluso directores tan reconocidos como – Park Chan Wook—se atreven en su última película con este género en “Thirst”-no estrenada todavía-. Tras la “muerte “que le propinó Coppola con su “Drácula de Bram Stroker”, en la cuál, devolvió el prestigio a este famoso personaje y lo enterró. Nos llega una nueva era, un nuevo universo de posibilidades con la última aparición de estos singulares personajes. Lástima que esta reinvención del género pueda quedar defenestrada por culpa de la industria de Hollywood que prepara un remake. Sí, estoy hablando de “Déjame entrar”.

“Déjame entrar” es una película de producción sueca dirigida por Tomas Alfredson. En un ambiente frío un niño solitario, vejado por sus propios compañeros de clase, encontrará una amiga en su nueva vecina. Cuando está se instala comenzarán una oleada de crímenes por el barrio que hará temer por sus vidas a los propios vecinos.

La puesta en escena representa perfectamente este mundo de terror urbano. Con pocas escenas de rodaje Alfredson nos lleva por un mundo apasionado, caliente, vivo, muy al contrario a lo que presenciamos entre tanta nieve y tanta desesperación. Aquí no existen grandes castillos, ni siquiera la figura de Drácula que aterroriza a los habitantes de un pueblo. Esto nos provoca una sensación de angustia vital puesto que en cualquier lugar, por pequeño que sea, y por lo tranquilo que parezca no queda apartado de la siniestralidad. En esta ocasión se trata de una historia pura, de una niña, Eli (Lina Leandersson), con aspecto de 12 años que necesita la sangre para vivir. No busca aterrorizar a los demás sino su propia supervivencia. Ella con ayuda de un hombre, que parece que es su padre, que mata a los habitantes con la única intención de proporcionarle sangre para su hija, siembra el terror en la población.

Todos comienzan a temer por sus vidas, por querer descubrir cuáles son las causas que están provocando dichas muertas. Todo excepto las figuras de los niños que cómo siempre viven de espaldas a los miedos de la sociedad. En esta ocasión, nos centramos en la figura de un niño de Oskar (Kåre Hedebrant). Vecino de Eli, que no teme a las muertes que están ocurriendo en su entorno, sino que se alimenta de ellas. Esto es así por su situación escolar. Sin amigos, solitario, con una madre a la que él no le presta atención, todo desemboca en el bulling permanente de sus compañeros de clase. En este panorama la figura de la muerte está presente en él pero de una forma distinta a la de ella. Mientras que en Eli es el irrevocable destino el que la impulsa a cometerlos, Oscar anhela poder hacerlo para escapar al yugo de la sociedad.

Dos almas errantes condenadas a cruzarse. Dos almas heridas por diversas circunstancias. Ambos llevan su enamoramiento en el silencio, en la mirada, en la aceptación del uno por el otro. Podríamos calificarlo incluso de un amor ciego, de futuro irrealizable, simbolizado por una forma de expresión tan autentica como es el sistema Braille. Él no tiene miedo, ella le hace sentir diferente. Pero cómo si de un amor Shakesperiano se tratase Eli encerrada en el cuerpo de una persona de 12 años sabe que no puede esconder su secreto por mucho tiempo, por eso trata de no engañarlo, de luchar contra lo imposible. Porque precisamente por su edad conoce las consecuencias de tener que vivir por el tiempo encerrada en un cuerpo mientras las personas que ama envejecen. Porque su padre no es tal sino otro niño que de pequeño se enamoró de ella, y que se encuentra encadenado por el trágico destino de ella. Un destino que también tendrá que convivir él, puesto que es en última instancia en el que decide acompañarla.

Los silencios en los planos, la ausencia de tono musical, hace que cada fotograma esté pensado hasta el más mínimo detalle, nada está dejado al azar. Da la sensación de que no hace falta más diálogo, que el papel mojado en el que se convierte cada guión aquí esta derretido. Porque su grandeza no reside en la espectacularidad de las muertes, en las declaraciones de amor que pueden emocionar en algún momento, sino la riqueza de matices de la que se sirve para narrarnos un acontecimiento, un hecho, ocurrido en un instante determinado. No se sirve de ningún virtuosismo y no cae en un mero ejercicio de onanismo visual, sino todo lo contrario, en un excepcional relato conjugando todo el poder narrativo que se le concede. Por este motivo, “Déjame entrar” reinventa el género vampírico, le ofrece un nuevo abanico de posibilidades para unos personajes habitados en la más absoluta parodia y desterrados en la actualidad.

"Revolutionary Road", en el centro de la diana

2009-04-15T23:56:00.006+02:00

Ya dejé claramente mis pensamientos sobre las nominaciones de los Oscars en la que me mostraba contrario a las películas galardonadas. Una de las grandes perdedoras fue “Revolutionary Road”, a pesar de las críticas positivas- la mayoría en Europa- en la que destacaban sus grandes interpretaciones pero que la acusaban de faltarle “alma”. Pues bien, dicho y hecho, me dispuse a verla y me hallé ante un film duro, directo, con un duelo interpretativo magnifico y que aumentó mi consternación por los premios de este año.

“Revolutionary Road” narra el desencuentro entre el matrimonio Willard (Leonardo Di Caprio y Kate Winslet) que viven precisamente en revolutionay road. Ambientada en la década de los 50, ambos parecen haber perdido la “magia” con la que comenzaban su relación, es decir, se han acomodado en una fabula inexistente. De esta forma deciden que un cambio de aires será lo mejor para la pareja y por ello decidirán irse a vivir a París. Incomprendidos por todo su círculo más cercano, solo un loco (Michael Shannon) los comprende, comenzando las dudas sobre la pareja si este cambio será positivo para las dos partes.

Sam Mendes es, quizás, uno de los mejores directores de actores que existen en la actualidad. En esta ocasión la química del reparto protagonista era más que evidente, aunque si que intensifica y consigue sacar partido de ello. Además, sus obras siempre están centradas en las relaciones familiares, con una mirada peculiar que deja que el drama fluya de una manera natural. A pesar de su corta filmografía ha filmado dos de las mejores películas de los últimos 10 años: “American Beauty” y “Camino a la Perdición”. Si en la primera relataba los problemas de adulterio y del acomodamiento de una familia americana, sin en “Camino a la Perdición” relata con exactitud esa relación paterno-filial, en “Revolutionary Road” intenta, sin el éxito de las precedentes, combinar ambas, añadiendo una vuelta de tuerca más y dejando otro final memorable.

La película comienza fuerte, con una clara demostración de lo que vamos a observar en los siguientes minutos. Nada más empezar vemos el inicio de una relación, en el que ambos se conocen, bailan y en el que se atisba un vínculo entre ambos. Este dato es muy importante, ya que es el único momento de complicidad de la pareja. De esta forma, Mendes elimina cualquier atisbo de felicidad en todo el metraje y solo lo induce en apenas un minuto. Así, cambiamos de un plano el que se muestra a la pareja bailando por un primer plano de Frank (Leonardo DiCaprio) con cara de preocupación ante lo que está presenciando-una obra de teatro en la que aparece April-. Magnifico, sublime, desde ese instante el espectador ya aprecia que algo ha cambiado y esto lo consolidamos minutos después con la primera discusión de la pareja.

Las interpretaciones están a un nivel casi sublime. La química de la pareja protagonista es de una enorme altura, necesaria para el desarrollo del metraje. Ambos llenan la pantalla con cada gesto, con cada mirada, y cuando están juntos sencillamente rompen al espectador. Los dos viven acomodados en una realidad social inexistente, en una fábula exterior perteneciente a un cuento pero que esconden muchos más problemas que los que tiene un matrimonio normal. April vive asfixiada por la sociedad, por el estilo de vida, por la monotonía de su vida. Ella no quiere vivir así y cree que irse a vivir a París recobraría el pulso a su vida. Sin embargo, Frank interpreta la vida de otra forma. Se ha acomodado en la vida que lleva, una mujer, unos hijos, un bonito barrio y una buena relación con sus vecinos. Cree que ha logrado cualquier propósito en la vida y que su felicidad se halla unida al lugar donde se encuentra. Ambos por un motivo o por otro han perdido la emoción y la pasión por el otro, ambos han puesto los cuernos a su pareja aunque parece que el más afectado por esta situación sea el marido.

Sin embargo, el único nominado fue Michael Shannon, por su papel de loco-John-, que se muestra excepcional en sus escasas participaciones. Este personaje interpreta el papel del alter-ego de Mendes, siendo esta su mirada en la trama, no solo porque sea el personaje de mayor intensidad sino por los valores que representa, formando un papel casi vital. Él ha sido la única persona que los ha comprendido, que los apoya. Por eso no logra entender ese repentino cambio. Su posición sería más cercana con April, aunque tampoco está de acuerdo con ella porque cree que esa situación ha llegado hasta ese extremo por culpa suya. Constituye la bisagra de las dos puertas, por un lado los comprende y sufre de sus necesidades pero por otro no tratará de replicar sus miedos incomprendidos.

¿Y los hijos? Nada. Debido a su escasa aparición en pantalla uno llega a imaginar que en realidad son imaginarios, equivalentes a un Macguffin, puesto que aunque son uno de los grandes problemas-por no decir el mayor- sus secuencias se resumen en dos. Esto es así porque Mendes los elimina, no se centra en ellos. Al igual que la supuesta felicidad y complicidad de la pareja, que es inducida, con los hijos pasa lo mismo, están ahí, pero lo importante es el destrozo que puede ocasionar la sociedad y las propias personas en un matrimonio.

Pero no sólo de interpretaciones vive esta joya. La música, la ambientación y sobre todo la fotografía del magistral Roger Deakins van en consonancia con el resto del equipo. Además, si antes alabamos su comienzo, su final también es digno de mención. El trágico desenlace no sólo afecta al matrimonio Willards sino al resto de las parejas, sobre todo a los maridos, mostrando de esta forma como una figura que sobresale en la sociedad puede causar múltiples destrozos afectivos en el resto de las parejas, en la que se hallan abocados a la desesperación. En especial, la última mirada, divisando el destrozo, dejando lugar a la imaginación del espectador. Por cosas como estas “Revolutionary Road” es una de las mejores películas estrenadas en España en 2009.

"Magnolia", una obra maestra y no por azar

2009-04-12T22:42:00.007+02:00

El azar y la suerte son dos términos que se hallan relacionados con la casuística. Así, las quinielas, la lotería, el boleto de la Once, las llamadas telefónicas, los casinos y sus tragaperras, son juegos dirimidos por la diosa fortuna, es decir, por lo fortuito. Un símbolo de que el ser humano busca la suerte como signo de escapatoria ante su propia realidad, de aferrarse a poder aspirar a una vida mejor. Pero no solo en los Casinos hallamos misterios relacionados con el azar sino que también está presente en el momento de cualquier elección. De esta forma, cuantas veces hemos optado por cancelar un vuelo, levantarnos más tarde, no ir a un lugar, y por esa misma casualidad nos ha pasado algo o directamente hemos perdido algo. Por lo que en el destino encontramos numerosas cuestiones referidas a los golpes de fortuna y al azar. Lo que sí que no es fruto del azar es la impresionante “Magnolia”. La suerte en este caso es poder verla y contemplarla.

“Magnolia” trata sobre nueve historias paralelas que se dan en el Valle de San Fernando. Un niño prodigio a punto de batir el record en un programa de televisión, un hombre que es un ex niño prodigio, el presentador de un concurso, un moribundo, el enfermero del moribundo y su esposa, un psicoanalista de mujeres, una solitaria drogadicta y un policía incompetente. Todas estas historias inconexas, con algunos puntos en común, pero que en el fondo contienen un sentido global que dota de significado a la película.

Estas nueve historias obtienen varios puntos de unión e incluso los podemos separar en dos bandos, uno sería el que se desarrolla alrededor del presentador del programa de televisión(los niños prodigios, la drogadicta que es su hija y el policía) y entre el moribundo (enfermero, su esposa y el psicoanalista de mujeres)-Siendo excelentes todas las interpretaciones pero en especial las de Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore y Tom Cruise-. En este sentido ambos bandos se reúnen en torno a una cuestión, a la muerte. Esta está presente en los nueves individuos de manera directa o indirectamente de modo que dos personajes se hallan al borde de la muerte y su circulo más cercano (no tienen porque saberlo ni siquiera conocerlo) comienza a tener comportamientos paralelos en ambos bandos e incluso entre sí. Como ya hemos dicho el azar en esta película no es de casualidad por lo que no es casual que se reproduzcan los mismos comportamientos. No es casual que dos personas, prodigios mentales, pueden trazar una misma línea de vida sin conocerse, que dos hijos tomen decisiones totalmente contrarias a lo que dictan sus sentimientos e intenten negar lo que ni ellos mismos creen, que los sentimientos de culpa sean los que invadan a la totalidad de los personajes por la mayoría de sus actos. Al lugar que quiero llegar es al mismo que expone Paul Thomas Anderson y es la naturaleza propia del ser humano y de cómo la especie humana gira alrededor de una burbuja de la que nunca podrá escapar. Esto es, el comportamiento y las acciones humanas se repiten a lo largo de la historia, de las generaciones y de nuestra supervivencia; demostrando que no sólo la capacidad de razonar nos distingue de la especie animal sino que son nuestras emociones, nuestros sentimientos de culpa, dolor, traición, amor, los que nos distingue. En realidad el ser humano no es tan distinto entre sí porque nuestras emociones viajan en la misma dirección. Para ello no utiliza y no busca comportamientos y sentimientos paralelos entre individuos de distintos continentes sino que en un mismo lugar el aparato cíclico de la vida se repite, no hace falta evadirse hacia la expansión del mundo en esta sociedad cada vez más global sino que en un mismo entorno con dos personajes diferentes, que no se conocen, pero que comparten que la muerte los está esperando su ambiente, reproduce diferentes automatismos parecidos.

Cuando uno contempla una obra de vidas cruzadas - con paralelismos con la obra de Robert Altman del mismo título, “vidas cruzadas”- en la mayoría de los casos los directores optan por un montaje videoclipero, aunque en la actualidad esta forma de narrar se utilice hasta para realizar un drama, una formula que busca una supuesta mayor agilidad al film imprimiendo una velocidad de crucero en las transiciones de los planos. Con esto no quiero decir que sea malo, aunque no sea de mi gusto, ya que si el ritmo lo necesita debe hacerse así. Además, a la hora de conectar las diferentes historias para que todo fluya debe realizarse con sumo cuidado debido a que el espectador ante tanta historia no se pierda en detalles insignificantes. Pues bien, Magnolia es todo lo contrario convirtiéndose en un prodigio de narrar y de hacer cine. Todo está conjugado, todo está perfectamente ordenado dando ritmo cuando se necesita y pausa en los momentos más dramáticos. Sus maravillosos travellings, sus planos secuencia siguiendo a nuestros personajes por los sitios por donde habitan, los movimientos de lo Pro-fílmico, todo absolutamente todo está planificado a la perfección, quieres agilidad pues ahí la tienes, buscas ritmo ve la película. Paul Thomas Anderson nos demuestra que no hace falta que una secuencia tenga cuarenta planos para que sea un producto ágil. No es de extrañar que a pesar de su largo metraje-el justo y necesario para desarrollar todos sus planteamientos- en ningún momento se resienta.

Debido a la excelente planificación esta queda demostrada en varias partes. En la utilización de la música, presente en prácticamente todo el metraje, dejando secuencias de un gran valor visual- la secuencia en la que cada personaje canta una estrofa de una canción-. Además, por sí fuera poco Paul Thomas Anderson decide jugar con el espectador, tras esa gran introducción que nos embarca en lo que serán las próximas tres horas, hallamos la fascinación por la combinación entre el 8:2. En mucho de los planos se hace referencia a este binomio. ¿Cuántos sois capaces de averiguar? Desde luego que esto no es una mera casualidad y por lo tanto no es una cuestión de azar. Queda claro su excelente planificación que incluso no busca el regodeo y la autosatisfacción que otros directores si hacen- desgraciadamente lo haría en “Pozos de ambición”-.

Para introducir cada momento dramático de los personajes utiliza diferentes partes meteorólogos que dividen el metraje, convirtiéndose en auténticos capítulos de una novela. Así, dependiendo del tiempo la intensidad emocional variaba. Todo queda pronosticado excepto un momento, quizás sea el momento culminante, que es la secuencia de las ranas. Absolutamente brutal y necesaria que pone la guinda a este pastel que nos brinda Paul Thomas Anderson, pavorosamente magnifica en las formas y en su significado. Se trata de un paso más allá en lo expuesto en toda la película, una vuelta de tuerca superior a la del azar, constituyéndolo como el elemento unificador del ser humano, un cambio de suerte y de rumbo. Un Macguffin sencillamente abismal.

Porque por todo lo dicho anteriormente, por ser una obra pura, directa que se aleja de las manipulaciones contemporáneas para ofrecernos un producto fresco, ágil, un coctel demasiado explosivo para ser una simple cuestión de suerte, y por eso me niego a pensar que sea una mera casualidad, que no se trata de una cuestión de azar porque “Magnolia” es una obra maestra.

"Tiempos Modernos", el fin de una era

2009-04-04T19:14:00.012+02:00

Nos encontramos en el año 1935, en plena post-depresión del 29, en una época donde las diferencias entre los ricos y los pobres son cada vez más distantes. Los ricos se lucren y los pobres sufren para poder comer un trozo de pan. Se trata de una situación en la que el obrero es explotado , con infernales jornadas de trabajo, convirtiendo al individuo y al ser humano en un objeto, en un elemento más de la maquina del montaje. Esta es la situación en EEUU mientras que en Europa comienza a florecer una corriente ideológica que sería conocida como el fascismo. Para distraer a la población de los problemas de la sociedad en el cine triunfan las comedias con finales felices y en las que los pobres salen triunfadores.

Esta es una radiografía más o menos acertada de lo vivido en dicha época. Además, en esta situación no hay lugar para las grandes estrellas del hollywood mudo. Todas – la mayoría- han sido olvidadas, todas han sucumbido por diferentes motivos: voz, incapacidad para adaptarse al medio sonoro; por diferentes casos los grandes héroes de los tiempos felices han desaparecido. Solo queda uno, un pobre extraño que lucha por todo lo que ha conseguido, porque considera al cine como arte y no como un mero pasatiempo que despiste a la población. Si, ese sujeto extraño es Charles Chaplin y en 1935 nos brindó una de sus mejores películas, que digo una de las mejores películas de la historia del cine. Con todos ustedes Tiempos Modernos.

“Tiempos Modernos” nos relata la situación social de 1935 mediante un vagabundo, Charlot, que trabaja a destajo en una de las múltiples fabricas de acero de su ciudad. Harto de la explotación que sufre y que le provoca un comportamiento extraño, se rebela contra lo expuesto. Tras perder la razón es llevado a un hospital en el que conseguirá recuperarse pero que mediante una cadena de despropósitos será encarcelado por la policía . Así, Charlot se halla sin trabajo, sin casa y tendrá que afrontar los diferentes obstáculos que le pone la sociedad con una mujer huérfana(Paulette Goddard )que acaba de conocer.

Dicha obra puede ser considerada por muchas vertientes, es decir, se trata de una obra con varias lecturas. Unos la consideran como una autentica muestra de la sociedad actual-1935-y otros como otra critica más al sistema impuesto por las grandes productoras y la imposición del cine sonoro. Pues bien, servidor considera ambas teorías igual de validas, veamos sus porqués.

Por medio del trabajo en una fabrica Chaplin realiza una critica al sistema de industrialización de las maquinas, pero no al sistema en sí sino al salvaje ritmo frenético de la producción, que nos muestra a una completa deshumanización del ser humano mediante: la cadena de montaje, el poco tiempo para el descanso y el excesivo ritmo de trabajo que convierten al ser humano en un objeto, en una maquina predestinada para crear sin voz ni voto. No es de extrañar que fuera criticado duramente de ser un Comunista y de realizar una película de propaganda ideológica mostrando al capitalismo más radical. Incluso no solo se explota y se vive a un ritmo endiablado en el que es imposible realizar cualquier acto racional, sino que además, se buscan nuevas formas de agilizar el trabajo como esa maquina de la comida que permita que el trabajador trabaje más y descanse menos. En este punto Chaplin, a través de su inseparable Charlot, se sitúa en la vertiente del trabajador, pero claro Charlot es torpe, gracioso y no ese héroe que lleve al pueblo hacia delante, por eso en las manifestaciones es arrestado y sus actos no son fruto de su fuerte conciencia. Por este motivo no gusto mucho a los Comunistas pues en una cierta medida los relataba como auténticos bufones. Se podría decir que Chaplin realiza una retrospectiva de la sociedad en todos los ámbitos sociales, ya que se nos muestra como los pobres tienen que sufrir y trabajar hasta la más absoluta extenuación para conseguir un miserable jornal que le ayude a comprar una simple rebanada de pan. Así, es lógico que la inseguridad ciudadana subiera y que estos se decidieran a robar en las grandes superficies recibiendo una absoluta represión policial- que reparte a todo el mundo-. Mientras los grandes propietarios contemplan desde su despacho, todo lo que ocurre en sus fabricas, mediante un sistema de monitorización increíble, y por la noche se despachan alegremente en los restaurantes de la ciudad.

La otra vertiente sería la de señalar su propio drama cinematográfico, el paso del silente al sonoro. Como ya hiciera 4 años atrás con “Luces de la Ciudad”, Chaplin se vuelve a marcar una película silente aunque con varias connotaciones y es que introduce tres elementos sonoros- sin contar la música- en tres estamentos diferentes pero que tienen relación con el mundo. Existen tres personajes a los que oímos emitir algún tipo de sonido que son los siguientes:

En primer lugar estaría el jefe de la fabrica que se presenta como una persona totalmente absolutista y tirano que representa por un lado al estamento más poderoso de la sociedad y por otro lado a las productoras cinematográficas que han monopolizado la industria del cine con el sonoro y con el olvido de las grandes estrellas del silente que ahora no les sirven. Esta monopolización también puede ser considerada como una imposición en el que o la película es sonora o no vale. En este panorama es el personaje de Charlot el que se rebela a ambos siendo incluso los obreros como una muestra de los actores.

El personaje de Charlot es el que se rebela ante todo pero en la utilización del sonoro su mensaje es bien diferente. Antes de que chapurre sus primeras y únicas palabras- canción Charabia- dice que no puede hacerlo, que no puede hablar porque no salen las palabras, constituyendo un espectacular homenaje al (su) cine y una critica al cine sonoro. No es de extrañar que aquí muriera el personaje de Charlot puesto que al intentar decir algo (palabras en varios idiomas sin ningún orden ni sentido aparente) es una forma de claudicar y de enterrarse a sí mismo, de aceptar el nivel impuesto, aunque no lo llega a aceptar plenamente puesto que en vez de decir algo coherente- es esperado en todo el metraje- dice frases sin sentido siendo otro desafío y otra critica hacia las grandes productoras.

En último lugar estaría situado el público pero no la muchedumbre ni la masa sino la alta señoría. Esta se ríe del baile de Charlot en la que ejemplifica al espectador pasivo que no contempla una obra ni que confiere el (su) cine como un arte, como algo más allá de lo meramente formal, como de una nueva forma de expresión artística. No es casualidad que sean los ricos los que se ríen y no los pobres, puesto que su critica va dirigida a los poderosos que son los que deberían ser ejemplos de intelectualidad cuando son todo lo contrario. Además , bajo su posición de pobre nos muestra que el verdadero saber está en el pueblo y que esté no está de acuerdo con sus decisiones.

Con todo lo dicho sólo queda reafirmar que “Tiempos Modernos” es un prodigio de la naturaleza, una de las siete maravillas del cine, una película que mediante sus gags y un ambiente aparentemente gracioso, realiza una de las criticas más feroces sobre los estamentos sociales. Una película que entierra al antihéroe silente en una merecida despedida por la carretera, en el que ya nunca más volveremos a ver a Charlot sino que será nuestra retina y su cine el que lo registre convirtiéndolo en un personaje universal .

"Gran Torino", homenaje a una carrera

2009-03-19T21:21:00.012+01:00

Normalmente los homenajes se dan al final de una carrera o de una vida, como muestra de reconocimiento por los logros conseguidos a lo largo de su trayectoria. Esa línea de éxitos se ve así recompensada con medallas, galas, y aplausos no sólo del público sino de tus propios compañeros de profesión que reconocen tu labor a lo largo de los años, tus aportaciones a cualquier medio o persona. Lo curioso y lo raro son los homenajes que se brindan no como autopromoción de sí mismos sino los que se dan a los seguidores, al público exigente y fiel que siempre ha confiado en ti, por su trayectoria o por cualquier motivo. Lo inusual es lo que ha hecho Clint Eastwood con Gran Torino, un homenaje a su cine dedicado a sus aficionados, un homenaje cimentado en su personaje Walt Kowalski y apoyado por su estupenda dirección y su extraordinaria negrura.

Partiendo de la base de que todo ser humano parte de una evolución de su existencia y de sus logros cosechados a través de los años, la evolución de las críticas y el acogimiento del público al cine del Eastwood han sido y son cuanto menos curiosos. Sus comienzos como actor con Leone le confirmaron como un actor cuyos personajes sintonizaban perfectamente con el género masculino. Poco a poco y después de comenzar a dirigir sus primeros Films subió otro peldaño. Pero todavía era ignorado por buena parte de la crítica, a pesar de filmar obras tan potentes como “Sargento de Hierro”, “Cazador blanco, corazón negro”, entre otras, debido a que no podía quitarse esa careta de macho y no fue hasta que enterró- por su excepcional película- el western con “Sin Perdón” cuando la crítica y el público empezaron a apreciar como debe a este cineasta. Así, los premios, los homenajes -Cannes- , han empezado a florecer llegándole a colgar la etiqueta del último clásico vivo, aunque creo que no es un director clásico en todos los sentidos pero es lo más parecido a ese termino en la actualidad.

Gran Torino nos muestra a Walt Kowalsky (Clint Eastwood), una persona de avanzada edad que acaba de perder a su esposa, no se lleva bien con sus hijos ni con sus nietos a los cuales no comprende, y que vive inmenso en un barrio de emigrantes procedente de las entrañas de Camboya a los que detesta. Así, su única afición es contemplar su coche, que es su gran tesoro, un Gran Torino del 72. Esté comienza a correr peligro cuando un vecino suyo (Tao) intenta robarlo.

Si observamos el argumento, con detenimiento, vemos que se trata de un melodrama puro y duro, cómo los que acostumbra a realizar Eastwood en este siglo, con un guión que si cae en otras manos pudiera convertirse en cualquier telefilm que emite Antena 3 por las tardes. En este motivo reside la genialidad y la maestría de Clint Eastwood a la hora de dirigir, ya que logra realizar una muestra de buen hacer, de cine de verdad, es decir, cine del bueno ya que consigue que estos defectos no salpique ni condenen a la cinta. Desde la dirección ya se nos va mostrando ese homenaje que realiza sobre sus propios Films como ese final que remiten a planos de una exquisitez técnica muy parecida a Sin Perdón, esa negrura cada vez más presente en toda su filmografía y que aquí aporta al máximo dotando de un mayor dramatismo a toda la proyección. Porque sustituyendo western por casas amuebladas y por un ambiente urbano podría ser perfectamente una continuación de su mejor Western convirtiéndola en un Sin Perdón urbano. Y no solo en este término termina su recorrido de sus obras sino que busca explorar más si cabe su relación con la iglesia, a través de su personaje teniendo una peculiar relación entre el sacerdote y Walt, ¿Alguien ha dicho “Million Dollar Baby”?.

Con esta película sigue persiguiendo el tema de la redención católica del ser humano y no sólo desde una relación convulsa con su “párroco” sino en SPOILER esa forma que tiene de morir Walt con los brazos extendidos emulando a Jesucristo FIN DE SPOLER su propia redención puesto que los pecados que se confiesa son en realidad de cara al espectador pero no de cara a su salvación SPOILER que solo alcanza cuando es acribillado por las balas FIN DE SPOILER.

Si nos centramos en el verdadero motor y eje que mueve a toda la película ese es sin duda Walt Kowalsky (Clint Eastwood). Antes hemos mencionado claramente cómo ha influido el estilo del Clint en Gran Torino realizando varios homenajes a sus propias obras. Pues bien, el personaje de Walt Kowalsky recoge formas, gestos, pensamientos y acciones de otros personajes mitológicos interpretados por Eastwood, entre los que hallamos a Harry, William Munny, Frank Dunnie, Tom Highway y un sin fin más. Todos ellos son personas arrogantes, frías, con unos pensamientos muy marcados debido a su fuerte carácter. Dicho y hecho, Walt Kowalski representa no sólo un personaje con sus matices racistas y con una ira interior que manifiesta a sus sucedáneos convirtiéndole en un ser incapaz de vivir en un ambiente que él considera que no le corresponde. No, Walt es mucho más que eso, de hecho me atrevo a declarar que me parece uno de los personajes más complejos , lleno de matices y significados que van mucho más allá de lo puramente formal, de símbolos que trascienden y que llaman no a la vida de Clint Eastwood sino a la vida de sus personajes. Acaso si alguien declara que este personaje no se llama Harry Callahan no se sorprendería por esos gestos simulando un arma con sus manos, acaso si alguien afirma que se trata del Sargento Highway –ambos combatieron en Corea- que nos amenizaba con su moral y su trabajo en el ejercito, acaso no es el mismo temor interior lo que le atormenta como William Munny, acaso su relación con el párroco de la iglesia antes mencionada es parecida a la de Frankie Dunn.

Así, en cada uno de los personajes interpretados por Clint-y la mayoría de los personajes de sus películas como director- se hallan casi siempre bajo una misma consigna, cómo es la búsqueda del lado filosófico y humano de la vida, mediante la soledad interior y exterior de los personajes que se hallan construidos a través de fachadas emocionales, convirtiéndose en personajes solitarios en una sociedad que ni comprenden ni les comprende, como un odio y un rencor que llevan dentro y que solo buscando el camino recto conseguirán la paz interior.

Aunque casi, no todo es oro lo que reluce y Gran Torino también tiene sus defectillos. Estos se centran en un guión con demasiados clichés pero cómo ya hemos mencionado la maestría de Eastwood tras las cámaras hace que apenas las notemos pero su reiteración en frases de cortes racistas puede que adulen al espectador. Otro sería el más problemático y el verdadero fallo de la película que no es otro que la interpretación del reparto. Salvando la extraordinaria actuación de Clint,¿Alguien duda que no esta mejor que Brad Pitt en el Curioso Caso de Benjamin Button?, los demás actores no están al nivel de una obra de tal calibre, ya que no transmiten nada y sobre todo Tao (Bee Bang ) que puede resultar algo soporífero, quizás su extraordinaria actuación nos cegué en demasía y puede cebarnos con ellos pero es que si algo falla es Tao y el resto del reparto. Es curioso como la fuerza de toda la cinta esta remarcada en Walt Kowalsky y el resto pasa de puntillas como auténticos secundarios que conforman su vida.

En suma, Gran Torino es una película espectacular, llena de amplios matices que nos hacen pensar que el cine cómo arte es todavía posible. Se trata por lo tanto de un film de homenaje a su cine como autor, como director, e incluso de homenaje a sus propios seguidores. Que no haya obtenido ninguna nominación solo habla de las grandes injusticias cometidas por la Academia en este año. En definitiva, un homenaje para aquellas personas que esperan sus obras como aliento y con esperanza de que el cine no ha muerto, esta claro que con Clint Eastwood nunca desaparecerá puesto que él y sus personajes serán siempre inmortales. ¡Larga vida a Clint¡

Si yo fuera academico...

2009-02-22T22:05:00.002+01:00

Esta serían las premiadas si yo fuera un académico y votará entre las nominadas, por lo tanto, no sé trata de una quiniela sino de mi opinión, de lo que yo votaría.

MEJOR PELÍCULA: "The curious case of Benjamin Button"
MEJOR DIRECTOR: David Fincher "The curious case of Benjamin Button"
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Mickey Rourke "The wrestler"
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA; Kate Winslet "The reader"
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Heath Ledger "The dark knight"
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Penélope Cruz "Vicky Cristina Barcelona"
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: The class" (Francia)
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: "Wall-E"
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Martin McDonagh "In bruges"
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: David Hare "The reader"
MEJOR FOTOGRAFÍA: "The Dark knight"
MEJOR MONTAJE: The dark knight"
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: "Changeling"
MEJOR BANDA SONORA: "Slumdog millionaire"
MEJOR CANCIÓN: "Jai ho" ("Slumdog millionaire")
MEJOR VESTUARIO: "The curious case of Benjamin Button"
MEJOR MAQUILLAJE "The curious case of Benjamin Button"
MEJORES EFECTOS VISUALES: "The dark knight"
MEJOR SONIDO: "The dark knight"
MEJOR MONTAJE DE SONIDO: "The dark knight"

-El Caballero Oscuro: 5
-El curioso caso de Benjamin Button: 4
-El lector: 2
-Slumdog Millonaire: 2
-Milk: 1
-El Intercambio: 1
-La clase: 1
-Wall-E: 1
-Vicky Cristina Barcelona: 1
-El Luchador: 1

Nominaciones a los Oscar 2009: El desafío Frost contra Nixon

2009-02-21T23:41:00.001+01:00

Nueva incursión en el mundo político por parte de Hollywood y esta vez nos remite a una historia interesante tanto por su temática por su forma. Así, “El desafío Frost contra Nixon” podría considerarse perfectamente como la continuación de otra gran obra, enfocada al subgénero del periodismo, como es el caso de “Todos los hombres del Presidente” en la cuál se descubre el proceso que logra sacar a la luz las escuchas telefónicas del Presidente Nixon en lo que fue denominado como el caso Watergate. Pues bien, aquí se nos relata desde la dimisión de Nixon hasta la mayor entrevista realizada en EEUU a cargo del periodista Frost, convirtiéndose en un espectáculo televisivo acorde a lo esperado.

Basada en un hecho real la película nos describe, desde una óptica adelantada a la época, como fueron los preparativos de uno de los acontecimientos más importantes en la historia de la TV estadounidense y que por ende constituye una de las entrevistas de mayor relevancia en el mundo del periodismo. Es considerada de tal magnitud, pues constituye la primera que realizó el ex-Presidente Nixon y porque todo el mundo esperaba una explicación por lo sucedido y de sí participo- aunque se halle demostrado de que sí- en las escuchas telefónicas que propiciaron su caída por el caso Watergate, y es más, el público lo que buscaba era el arrepentimiento del propio Nixon. Pero no sólo se centra en la entrevista en sí misma sino que se trata de presentar todos los preparativos para que esta se realizase, incidiendo en las dificultades que obtuvo el periodista Frost llegando a financiar buena parte de la propia entrevista.

Rodada con mucha sobriedad, Howard domina totalmente los espacios y los tiempos de la proyección, consiguiendo una cinta que mantiene un excelente ritmo tanto interno como externo que permite el perfecto desarrollo de la trama. Desde el punto de vista narrativo constituye una forma bastante interesante debido a que la trama se halla argumentada como si de verdad estuviéramos viendo la entrevista, como si se tratase de un verdadero reportaje que una cadena de Tv realiza a modo de conmemoración del evento, ya que aúna entrevistas con ambos bandos para conocer el desarrollo y el estado de animo de los dos lados, también se halla perfectamente ejecutada la entrevista y todo sus entresijos, desde el cómo se forma hasta llegar a ella. Por lo que podríamos calificarla como de “falso documental”, debido a ello no logra profundizar más allá y no trata de dejar patente su huella como por ejemplo hubiera hecho el director Oliver Stone. Sin duda ejecuta perfectamente ambos géneros en donde otros muchos fracasarían.

En esta película correcta en todas sus formas y contenidos logra sobresalir un excelente Frank Langella que logra empequeñecer al resto del reparto a pesar de que estos se hallen bastante correctos. Sin necesidad de un amplio maquillaje y de una transformación física Langella nos remite perfectamente al Presidente Nixon y se halla sublime sobre todo en dos secuencias que recogen la esencia de la película- la llamada telefónica y la entrevista-, capaz de dar lastima y de ser soberbio a la vez. Realiza una interpretación no sólo acorde al resto de la película sino que quizás un tanto superior por lo que su nominación se halla más que justificada. Si la entrevista la gana Frost, el duelo interpretativo lo gana Langella.

Si algo falla en toda la proyección o más que fallar lo que ocurre es un desaprovechamiento o la existencia del personaje de Rebeca Hall, totalmente nulo y poco recurrido en la trama, si bien al principio nos puede llegar para darnos y de dotarnos de la personalidad de Frost. Pero conforme avanza la trama su personaje carece de historia y suponiendo que toda la historia está basada en un hecho real creo que si de verdad existió debería haberle dado un poco más de “bola” convirtiéndose , como ya he dicho, en un personaje totalmente desaprovechado que solo aporta ese hecho en su primera aparición.

Podríamos afirmar que “El desafío Frost Nixon” es una película que ralla lo correcto y que logra entretener durante toda la proyección, sus peros pueden ser la falta de dramatismo y de profundidad en algunos temas, pero quizás eso es pedir demasiado a Ron Howard.

Nominaciones a los Oscar 2009: Slumdog Millonaire

2009-02-20T22:46:00.001+01:00

¿Puede “Slumdog Millonaire” conmover tanto cómo dice que lo hace?, ¿Puede un videoclip durar alrededor de las dos horas?, ¿Puede constituirse Slumdog Millonaire como un ejercicio de manipulación al servicio de los fallos que tiene? ¿Puede convertirse Slumdog Millonaire en la película más premiada en la carrera de los Oscars?.

“Slumdog Millonaire” se centra en la historia de Jamal y de cómo este es capaz de responder con acierto a todas las preguntas del programa 50x15. Jamal es una persona pobre, perteneciente a los suburbios de la población India, y que lo más destacable, dentro de su condición social, es ser un simple ayudante de telefonía móvil-vamos que pone café-. Toda esta historia está mostrada mediante sucesivos flashbacks que nos cuenta la vida de Jamal y cómo esté es interrogado por la policía que no se cree que conociera todas las respuestas. Así, para demostrar su inocencia, Jamal nos cuenta aspectos de su vida y que cómo a través de diversas anécdotas nos intentan sumergen en una historia sobre la situación precaria de la India. Además, toda esta historia se halla envuelta en una historia fraternal con su hermano-compañero de aventuras- y de su gran amor Latika, verdadero responsable de la personalidad de Jamal y la causante de que él halla participado en dicho concurso.

Uno de los fallos más destacados de Slumdog Millonaire es su pésimo guión y su estructura narrativa que van a la par. ¿es que alguien se cree que las preguntas del concurso parecen llevadas por un juego macabro del destino en el que las va aprendiendo conforme pasan los años? Me explico, de forma cronológica el personaje de Jamal va adquiriendo anécdotas y experiencias que le hacen saber las repuestas siendo directamente proporcional a la formulación de las preguntas, y si vale que nos intenta vender una moraleja de que hasta cualquier persona de diversa índole social, debido a sus experiencias vitales con el entorno, puede llegar a conocer muchos interrogantes del ser humano. Aún así, considero que el verdadero problema no está tanto en el fondo de la película ya que con algunos retoques de guión podría configurarse un buen material sino en la horrenda forma que la dota Boyle.

Un Danny Boyle cuyo mayor éxito cinematográfico se basa en Trainspotting. Esta película está rodada de una forma determinada para favorecer el ritmo frenético de la acción dramática, es decir porque era justo lo que requería cada escena y cada plano. Pero parece que este estilo es utilizable según Boyle en el resto de sus películas obviando que cada historia funciona porque van a la par tanto en el fondo como en la forma. De este modo Boyle requiere que lo más importante para mostrarnos el desarrollo dramático de la acción sea el famoso estilo del “videoclips”, es decir, una sucesión de planos de corta duración utilizados mayoritariamente en los videoclips- puesto que estos intentan contar una breve historia en poco tiempo y para ello utilizan la mayor agilidad de planos posible-. Para ello, también hace falta un buen montaje. Pero parece que cuando se trata de querer mostrarnos una película con un trasfondo social más importante que el de una simple historia de amor entre dos adolescentes también es apropiado utilizado según Boyle.

Y es que Slumdog Millonaire es así, ya que en una misma escena puede contener los mismos planos que por ejemplo “Lo que el viento se llevó” que dura el doble de ella. ¿Acaso esto no provoca que el trasfondo social que intenta imponer Boyle no llegue a conectar plenamente? Todo se convierte en una autentica fachada emocional, en una manipulación mal interpretada de la imagen y sobre todo del montaje en todas sus vertientes, en una mala idea de planificación, Y no solo eso sino que Boyle parece que disfruta demostrándonos los nadires y los cenitales que es capaz de conseguir debido a su inclinación de la cámara pero que en realidad no logran expresar absolutamente nada, dejando vacío el significado de cada plano solo por el puro interés del autor que los utiliza a su conveniencia.

Se trata pues de un interés erróneo de Boyle de querer mostrarnos un universo que no esta acorde con la intensidad dramática filmada. Ya que ¿Cómo una leve panorámica de una ciudad de apenas tres segundos puede conmover?. Creo que Boyle se olvidó de hacer cine y sobre todo desperdició un material potencialmente potente pero no había que mostrar al mundo las nuevas y fallidas tendencias de hacer cine, o mejor dicho de videoclips- que incluso algunos contienen más planos de larga duración-.

Quizás lo único que salve a la película sea las interpretaciones, que claro poco más pueden hacer puesto que decir una frase cada tres segundos… pues no se aprecia claramente su poder interpretativo. Así, de lo mejorcito y casi lo único destacable podría ser la banda sonora e incluso la fotografía pero esta tiene el mismo problema que toda la película y es que Boyle no consigue sacarle todo el partido que debiera. Quizás en vez de seguir brindándonos con experimentos, podría acercarse a movimientos como el Neorrealismo italiano para así aprender un poco sobre cine y de cómo abordar un proyecto de semejantes características.

Nominaciones a los Oscar 2009: El Lector

2009-02-17T23:23:00.002+01:00

La cultura forma parte de nuestra personalidad y de nuestro entorno, Se dice que un país se mide intelectualmente por los índices de cultura que posee, siendo la educación un pilar fundamental en el desarrollo del hombre. Dentro de esta concepción humana se muestra imprescindible saber escribir y leer para evitar manipulaciones externas y que sea el propio sujeto capaz de interpretar y conocer datos, además nos sirve para llegar a niveles de empatía con el mundo en general. En este terreno entran por supuesto los niveles de manipulación comunicativa capaces de conseguir que una persona realice acciones sin comprender plenamente su significado obviando el daño que está realizando, perdiendo poco a poco esa inocencia interior hasta convertirle en un ser despreciable capaz de realizar las mayores atrocidades del mundo Pero no, no solo de atrocidades vive el hombre ya que la mayor angustia de Hanna no se basa en el daño causado sino en la vergüenza de la poca cultura que posee –analfabeta- obligando a que la gente le lea libros porque ella es incapaz de leerlos, apreciando uno de los mayores logros humanos mediante el sonido y no mediante la comprensión escrita, ese el drama interior y angustioso de Hanna, el genocidio queda justificado bajo esa premisa.

De eso trata “El Lector” que se trata de la nueva película de Stephen Daldry .Dirigida con su habitual sobriedad y su excelente puesta en escena, además sigue con su inmaculado porcentaje de nominaciones a los Oscars y en esta ocasión parece que a la tercera si puede ir la vencida ya que muchos pronostican que podría ser la gran tapada de la noche de los Oscars. Esta película le confirma como un excelente director de actores, característica adquirida por sus obras de teatro. Además, vuelve a exponer su estilo propio mediante la reiteración de uno de sus temas más requeridos como es la vida mediante motor y desarrollo humano de la sociedad. “El Lector” narra la vida de Michael Berg, un adolescente que se enamora de Hanna Schmitz que se trata de una mujer que le dobla en edad. Durante el tiempo se establece una relación fundamentada en dos pilares: el sexo y las lecturas que Michael realizaba a Hanna sobre diferentes libros. Así, se nos narra el idilio que mantiene ambos personajes hasta que un día Hanna abandona a Michael. Pasado los años Michael decide estudiar Derecho desconociendo que el destino le iba a jugar una mala pasada. Así, cuando en una asignatura deben asistir a un juicio se encuentra anonadado al descubrir que a la mujer que amaba, escondía un secreto mayúsculo y es que está acusada de múltiples asesinatos mediante su participación en campos de concentración judíos por su inclusión en las SS. Pero su mayor secreto y por lo que se avergüenza no será este, sino su incapacidad para comprender y escribir cualquier texto.

La historia se halla estructurada mediante flashbacks en los que observamos la historia de Michael Berg (Ralph Fiennes) para así mediante sus recuerdos metemos de lleno en sus perturbaciones personales, llegando a conocer la historia de su vida. Para hacernos participes de la época retratada Daldry se halla apoyado en una excelente fotografía a cargo de, uno de directores de fotografía más importantes de la actualidad, Roger Deakins, llegando a transmitir en cada uno de los fotogramas esa lucha interior de los personajes, así como sus miedos y sus penurias en soledad.

Si hay algo que destaque por encima del resto en la película son las interpretaciones y en este punto aún más el personaje de Hanna Schmitz interpretado por Kate Winslet, por la cuál ha recibido una merecidísima nominación, lo que la reafirma como una de las mejores actrices no sólo de su generación sino también de toda la historia del cine. Su sola aparición en pantalla la llena y la conmueve siendo el gran atractivo de ella. Además ha creado un personaje (Hanna) que a pesar de ser participe de uno de los mayores homicidios de la humanidad no sé le trata con despecho, sino que es capaz de conmover al espectador, apoyada por la mirada de Daldry y por su acusado analfabetismo siendo esto último lo único que la tormenta, convirtiéndose en el acto más vergonzoso de su existencia, debido a este problema fue manipulada en una burla al ser humano, privándola del saber, instruyéndola a comportamientos ajenos a todo acto de racionalidad conocida. Sabedora de sus actos, no busca su olvido, porque para ella la mayor vergüenza pasa por haberse tirado toda la vida siendo una analfabeta convirtiéndose en un ser altamente manipulable.

En realidad el personaje de Hanna no trata de representar un caso aislado sino que se extrapola a toda la población alemana que fue manipulada mediante la palabra pasando a un nivel de interpretación superior, puesto que constituye una de las mayores denuncias del cine y de cómo la educación y los índices de analfabetismo pueden ser llevados a uno de los mayores genocidios de la historia, siendo este el verdadero motor de la historia humana.

Tampoco podemos obviarnos de la doble interpretación del personaje de Michael Berg (David Kross y Ralph Fiennes). Ambos consiguen una simbiosis perfecta que nos hace pensar que de verdad se trata del mismo actor. Temeroso e inexpresivo sucumbe ante el personaje y la puesta en escena de Hanna relegándole del eje central de la película, ya que no olvidemos que en teoría todo se centra en dicho personaje, en su vida, sus pensamientos, y de cómo se convierte en un adolescente a un hombre adulto pero con el denominador común de su existencia que es Hanna, en el verdadero motor de su vida y en algunos casos le lleva a enfrentarse a sus propios ideales por los que él defiende intentando buscar una justificación a su comportamiento y al de Hanna.

En definitiva, “El lector” constituye una puesta más en el estilo personal de Daldry convirtiéndose en una historia capaz de conmover, a pesar del trasfondo social que emana y de los asesinatos cometidos ,y que nos devuelve al verdadero sentir del ser humano como fuente y riqueza de conocimiento cimentado en la escritura.

Nominaciones a los Oscar 2009: El curioso caso de Benjamin Button

2009-02-13T23:41:00.002+01:00

El orden natural de las cosas. La vida como línea temporal inequívoca y continua, perecedera en el tiempo pero con un principio y un final. Todo este icono del tiempo lo marca el reloj, que señala e indica la hora, que avanza continuamente sin detenerse- a no ser que se averíe- lo único que lo diferencia del tiempo es que puede ser manipulable. También la arena, que cae y que marca un principio y un fin, que simboliza el paso de un medio a otro. Así, como la naturaleza, ya no solo del ser humano, tanto el estado físico como el espiritual van marcadas por las reglas del tiempo, unas reglas que son aceptadas sin más remedio como algo natural, como un juego que impone el dichoso tiempo, es decir, conforme avanzamos en el tiempo nuestro físico va aceptando ciertos automatismos. El incumplimiento de estas reglas constituiría varias paradojas temporales que pueden afectar a la existencia del ser humano.

Ese es el drama y la historia de Benjamin Button (Brad Pitt). Una persona que ha nacido con una extraña enfermedad, ya que mientras su apariencia en espíritu es la normal su apariencia física remite a una persona de 80 años. Toda una paradoja temporal. Se halla obligado por las circunstancias a vivir condenado en solitario, a sentirse extraño por ser totalmente diferente al resto. Se trata pues de un relato sobre su vida que viene contada a través de flashbacks que narra su gran amor, Daisy (Cate Blanchett).

El Curioso Caso de Benjamín Button está dirigida por David Fincher, que otra vez más consigue sorprendernos en lo que podría denominarse como un paso más en su estilo cinematográfico, una depuración de su tema principal como es la muerte. Si nos fijamos bien, la muerte siempre se ha constituido como eje central en la mayoría de sus Films, desde Seven hasta Zodiac, ya sea la muerte como asesinato, como destrucción del mundo establecido o como proceso de autodestrucción. Aquí consigue dar un paso más allá, consigue conmover con el significado de la muerte disfrazada con el paso del tiempo, que se muestra demoledor y destructor a todo lo que acontece a la especie humana, el único que la desafía y vence a la naturaleza del ser humano.

El guión ha cosechado muchas críticas por parecerse en las formas a películas como Forrest Gump o Big Fish. La primera por tratarse no solo del mismo guionista (Eric Roth) sino también porque las peripecias de Button recuerdan en exceso a las vividas por Forrest: una persona diferente al resto, amiga íntima de la infancia, anécdotas por el mundo que le llevan incluso a participar en una guerra. Así de Big Fish se le acusa también de ese realismo mágico que acontece a la película y también por los extraños personajes y pericias que se encuentra Button que hacen que cada anécdota contenga un valor de significado en el espectador. Pero acaso debe ser atacada por ello, o lo que es lo mismo ¿No es el Curioso de Benjamin Button mucho más profunda que las anteriores?. Puede que se obtengan varios paralelismos pero sus reflexiones sobre la muerte y sobre el tiempo le acercan más a la estética de “El séptimo sello”. Así, hallamos temas como el valor del tiempo mediante un recorrido de las leyes de la existencia humana, que a través de ellas logra conmover al espectador, tratándose de mucho más que un mero relato de anécdota-diario-sobre el personaje central, así, el tiempo pasa para todos con un orden establecido en el que los recuerdos son el único valor perdurable porque por mucho que intentemos modificar la el tiempo, el reloj, esté no se detendrá, sólo la muerte podrá detenerlo de ahí su recorrido por la vida de Benjamin Button, la muerte le rodea a todo instante desde su nacimiento en el que está rodeado de ella hasta por los distintos niveles de su vida ya sea por medios de Guerras o por medio de huracanes como Katrina, la destrucción como eje central. Si a todo este envoltorio le añadimos una preciosa y dramática historia de amor el resultado es muy superior a las anteriores por lo que no se le debe acusar de plagio sino de una reinvención de las citadas y de los cánones clásicos.

Para realizar cada paso de época y sobre todo para lograr tanto envejecer como rejuvenecer a los actores hace falta una gran dosis de maquillaje y no solo eso sino que tanto los efectos especiales como la fotografía también brillan con luz propia en la trama. Por lo que tanto los efectos especiales y la fotografía son absolutamente maravillosos que dotan de un mayor realismo a la escena y que personifican el drama del personaje perfectamente.

En este aspecto también se hace notar las interpretaciones de los de los actores, así todos se muestran correctos brillando más el reparto femenino que Brad Pitt, lo que no quiere decir que esté último este mal sino que a lo largo de la proyección su nula capacidad para conmover nos deja fríos y curiosamente cuando mejor está es cuando se interpreta con mayor edad que en el espacio temporal de su edad. Por lo que el marco dramático puede disminuir. Este hecho de frialdad puede hacernos más distantes con la película y baja el listón de todo el film pero tanto sus inicios conmovedores como su final nos hacen olvidar los detalles expuestos anteriormente, puesto que la película está narrada lejos de la cultura del videoclip actual por lo que su desarrollo dramático se hace más presente.

El Curioso Caso de Benjamín Button se trata de una reinvención de los valores clásicos establecidos, y no solo por su lirismo y por su narrativa sino también porque consigue conmover, llena y sobrecoge con algunas secuencias memorables – el retroceso temporal de los soldados- que ya forman parte del mundo del celuloide. En definitiva una película que no defrauda y que conforme pase el tiempo se convertirá en un clásico moderno.

Secuencias mágicas del celuloide: Intro Apocalypse Now

2009-02-08T23:00:00.003+01:00

Pues esta es sin duda alguna una de las mejores secuencias del cine. La película es Apocalypse Now(1979) de Francis Ford Coppola.

Nominaciones a los Oscar 2009: Mi nombre es Harvey Milk

2009-02-06T23:45:00.002+01:00

Empezamos esta serie de criticas que van dirigidas hacia las nominaciones de mejor película en la gala de los Oscars del 22 de Febrero. Así, a lo largo del mes iré poniendo mis impresiones sobre las películas nominadas, en una saga titulada “Nominaciones a los Oscar 2009:”.

La primera de todas es “Mi nombre es Harvey Milk” dirigida por Gus Van Sant. Se trata de un biopic sobre la figura del político Harvey Milk, una persona que defendió los derechos de los homosexuales a través de diversas campañas políticas para eliminar cualquier acto discriminatorio y persecutorio hacia dicho colectivo, convirtiendo el “Movimiento Milk” en un reducto revolucionario del colectivo. La película nos narra la década de los 70`de dicho personaje, y de cómo pasó de ser un autentico desconocido, sin preocupaciones más allá de los de una persona normal: cumplir años, ser feliz, poseer un pequeño negocio, hasta convertirse en una persona capaz de cautivar y mover masas, es decir, un autentico icono del mundo homosexual. Así, se aprecia detenidamente como los diferentes acontecimientos van formando la concepción de la vida de Milk, convirtiéndolo en un líder político con capacidad para defender los ideales de igualdad. La película se centra principalmente en la vida política de Milk aunque no por ello se desvíe de su vida privada pero no con tanta intensidad y profundidad.

“Mi nombre es Harvey Milk” está dirigida por Gus Van Sant y puede que a sus seguidores más acérrimos les decepcione (o no) puesto que en esta ocasión abandona su estética experimental, que lo acompaña en buena parte de su filmografía, además de que huye de su condición de artista independiente, para realizar un trabajo de corte más comercial. Por lo tanto, cuando Gus Van Sant dirige una película todo el mundo se halla expectante, si bien por motivos bastantes diferentes. Unos porque lo consideran un director bastante innovador como apreciamos en su Trilogía de la Muerte (Gerry, Elephant y Last Days) que lo ha elevado a la categoría de mito y de director de culto, sin embargo en la Academia prefieren sus trabajos más comerciales como “El Indomable Will Hunting” y por último un reducido núcleo que no le perdona su esperpento de remake plano por plano de “Psicosis”.

La película está mezclada entre secuencias reales filmadas en TV, que le dotan de características propias de un documental, y que ayudan para situarnos en el contexto socio-histórico, además estas secuencias se hallan bien introducidas en el desarrollo de la trama. La estructura narrativa está formada como una especie de relato hacia el punto de partida del cual el propio Milk narra lo sucedido a lo largo de los años, tanto en la configuración del movimiento como de su espacio vital. Se trata de un desarrollo en el tiempo del movimiento Milk, tanto el cómo se gesto hasta cómo se profundiza sobre el significado del movimiento, ya sea en lo que comportan dichos valores hasta su propia defensa y su identificación con la sociedad. Por eso, al montar con escenas rodadas de la realidad, Gus Van Sant trata de mantener este clima de “aparente realidad documental” con su forma de rodar, así, los continuos travellings y sus cambios en la estructura del eje nos hacen recordar a escenas propias al realismo, abusando del subjetivismo. Sin duda, esta técnica está calculada al detalle para no aburrir al espectador con movimientos poco naturales e incluso lo van introduciendo en la trama. En definitiva juega con el espectador de una manera inteligente sin caer en la vulgaridad ni en el aburrimiento. Con esto se hallan de raíz dos motivos, uno el del contenido de la película que no es otro de la empatía de Milk con el público homosexual y otro de la forma que no es otro que el propio espectador conecte con el propio Milk sea cúal sea su condición sexual, pues Milk trata la lucha por la igualdad sexual.

Todo es correspondido por la excelente dirección artistica de los lugares en los que discurre la acción que nos hacen más creible la historia, acompañados por otra –y van muchas- excelente banda sonora compuesta por Danny Elfman que va cobrando significado cuando nos acercamos a las emociones intimas de los personajes creando un ambiente intimista y de victoria cuando se van cumpliendo los objetivos, así, como de derrota cuando acontece.

Los actores están todos a un gran nivel. Por supuesto Sean Penn (Milk) es el personaje de mayor intensidad, no en vano es el protagonista, y por eso es el que más brilla a nivel individual.Además, es que no huye de la sobreactuación sino que sus gestos y sus miradas están realizados en su justa medida. Pero no debemos olvidar a sus compañeros de reparto en los que también brillan con luz propia James Franco (Scott Smith) y Josh Brolin (Dan White), en los que se aprecia la evolución de los personajes a través de las experiencias vividas por Milk. Interesante sobre todo el personaje de Dan White sobre todo en su evolución a lo largo del metraje en el que avanza desde un profunda indiferencia- por sus votantes- ante Milk hasta el más profundo odio y rechazo por no satisfacer sus demandas políticas, desatando aquellos prejuicios por los que luchaba en su interior.

En definitiva “Mi nombre es Harvey Milk” es ante todo una película correcta, tanto en sus formas como en su contenido. Una película de las que gusta a la Academia –sus 8 nominaciones lo demuestran- pero no lo suficiente para convertirse en la ganadora de la noche. Una película fresca, dinámica, que transmite un mensaje de lucha por lo que uno es y por lo que uno siente, no eludiendo la polémica pero sobre todo que no dejan a nadie indiferente.

Nominaciones a los Oscar 2009

2009-01-22T19:59:00.002+01:00

-“El curioso caso de Benjamin Button” consigue 13 nominaciones aunque todo apunta a que será “Slumdog millonaire” la vencedora, aunque la guerra está abierta.

-La inclusión sorpresa de “The Reader” como mejor película cuando todo el mundo esperaba que fuera el “El caballero oscuro”.

-Los grandes olvidos de las nominaciones: Nolan y el “Caballero Oscuro” como película y director y Bruce Springsteen como mejor canción por “ The Wrestler”.

-Los pocos premios que han conseguido las dos películas de Clint Eastwood: “El intercambio” (3) y “Gran Torino” (0) destacando que no lo nominarán como mejor actor.

-La 15ª nominación al Oscar para la gran Meryl Streep superando en nominaciones a Katherine Hepburn.

-Que a Kate Winslet no le van a permitir optar a los dos premios de actriz ya que solo está nominada a principal donde se postula como la gran favorita.

-Las nominaciónes de Penelope Cruz Heath Ledger como mejores actores secundarios.

-“Sorpresa” por la nominación de “Escondidos en Brujas” a mejor guión original.

Aquí van las nominaciones:

MEJOR PELÍCULA
"The curious case of Benjamin Button"
"Frost/Nixon"
"Milk"
"The reader"
"Slumdog millionaire"

MEJOR DIRECTOR
David Fincher "The curious case of Benjamin Button"
Danny Boyle "Slumdog millionaire"
Gus Van Sant "Milk"
Ron Howard "Frost/Nixon"
Stephen Daldry "The reader"

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Richard Jenkins "The visitor"
Frank Langella "Frost/Nixon"
Sean Penn "Milk"
Brad Pitt "The curious case of Benjamin Button"
Mickey Rourke "The wrestler"

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA;
Anne Hathaway "Rachel getting married"
Angelina Jolie "Changeling"
Melissa Leo "Frozen river"
Meryl Streep "Doubt"
Kate Winslet "The reader"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Josh Brolin "Milk"
Robert Downey Jr. "Trophic Thunder"
Heath Ledger "The dark knight"
Philip Seymour Hoffman "Doubt"
Michael Shannon "Revolutionary Road"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams "Doubt"
Penélope Cruz "Vicky Cristina Barcelona"
Viola Davis "Doubt"
Taraji P. Henson "The curious case of Benjamin Button"
Marisa Tomei "The wrestler"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Waltz with Bashir" (Israel)
"The class" (Francia)
"The Baader Meinhof Complex" (Alemania)
"Revanche" (Austria)
"Departures" (Japón)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
"Bolt"
"Kung Fu Panda"
"Wall-E"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Courtney Hunt "Frozen river"
Mike Leigh "Happy go lucky"
Martin McDonagh "In bruges"
Dustin Lance Black "Milk"
Andrew Stanton, Jim Reardon y Pete Docter "Wall-E"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Eric Roth y Robin Swicord "The curious case of Benjamin Button"
John Patrick Shanley "Doubt"
Peter Morgan "Frost/Nixon"
David Hare "The reader"
Simon Beaufoy "Slumdog millionaire"

MEJOR FOTOGRAFÍA
"Changeling"
"The curious case of Benjamin Button"
"The Dark knight"
"The reader"
"Slumdog millionaire"

MEJOR MONTAJE
"The curious case of Benjamin Button"
"Frost/Nixon"
"Milk"
"The dark knight"
"Slumdog millionaire"

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
"Changeling"
"The curious case of Benjamin Button"
"The dark knight"
"The duchess"
"Revolutionary Road"

MEJOR BANDA SONORA
"The curious case of Benjamin Button"
"Slumdog millionaire"
"Defiance"
"Milk"
"Wall-E"

MEJOR CANCIÓN
"Down to the Earth" ("Wall-E")
"Jai ho" ("Slumdog millionaire")
"O...Saya" ("Slumdog millionaire")

MEJOR VESTUARIO
"Australia"
"The curious case of Benjamin Button"
"The duchess"
"Milk"
"Revolutionary Road"

MEJOR MAQUILLAJE
"The curious case of Benjamin Button"
"The dark knight"
"Hellboy II"

MEJORES EFECTOS VISUALES
"The dark knight"
"Iron Man"
"The curious case of Benjamin Button"

MEJOR SONIDO
"The curious case of Benjamin Button"
"The dark knight"
"Slumdog millionaire"
"Wall-E"
"Wanted"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
"The dark knight"
"Iron Man"
"Slumdog millionaire"
"Wall-E"
"Wanted"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"The Betrayal"
"Encounters at the End of the World"
"Man on Wire"
"The garden"
"Trouble of the water"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
The Conscience of Nhem En
The Final Inch
Smile Pinki
The Witness - From the Balcony of Room 306

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Auf der Strecke (On the Line)
Manon on the Asphalt
New Boy
The Pig
Spielzeugland (Toyland)

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
La Maison en Petits Cubes
Lavatory - Lovestory
Oktapodi
Presto
This Way Up

Mi top-ten del 2008

2009-01-21T19:39:00.004+01:00

Bueno este es mi top-ten cinematográfico sobre las películas estrenadas en España durante el 2008. Como se trata de mi top-ten no tiene porque ser idéntico a la más premiadas ni taquilleras, sino que se basa en la impresión que me causaron al verlas, así, no trato de imponer estas películas como las diez mejores puesto que no he visto todas las películas del año.

10-Quemar después de leer
Nos encontramos con "otra" delirante comedia de los Coen, con algunos momentos memorables, sobre la estupidez humana en donde los Coen se manejan como reyes. Si a ello le unimos un reparto mediático...

9-Escondidos en Brujas
Comedia que se basa en un excelente guión y en una buena dirección de actores para mostrarnos una historia con la ciudad de Brujas como telón de fondo, y que a servidor le entraron ganas de visitar.

8- Una chica cortada en dos
Estupenda película que nos trata sobre el lado más peverso de la burguesía francesa, aunque se puede extrapolar en general, mediante una historia de "amor". Por cierto gana mucho en versión original.

7- El tren de las 3:10
O como realizar un remake como mandan los canones, o como disfrutar con un buen Western. Con especial atención a ese duelo interpretativo que configuran Rusell Crowe y Christian Bale que es sin duda de lo mejor del año.

6- Pozos de ambición
Tras ver la primera hora del metraje uno solo tiene ganas de que nunca acabe debido a su impresionante: fotografía, dirección, reparto...lástima que empiece a decaer en dicho instante, ya que se vuelve lineal y nos muestra a un Daniel Day-Lewis muy cerca de la sobreactuación. De todas formas se merece un lugar aquí.

5- Antes de que el diablo sepa que has muerto
Otra estupenda lección de hacer cine de Lumet. Un thriller con tintes dramáticos en el cuál debido a su montaje vamos viendo como ocurre la acción desde cada punto de vista. El resultado no podía ser mejor, siendo un claro ejemplo de cómo contar una historia.

4- Rebobine, por favor
Un verdadero homenaje al cine, a su distribución y a la critica contemporánea especialmente a las nuevas producciones, si a todos esto le añades unas buenas dosis de ironía el resultado estaba cantado.

3- Juno
La revelación Indie del año y con todo merecimiento. Juno lo tiene todo :un gran guión, buenas actuaciones-especialmente Ellen Page-, banda sonora, fotografía, títulos de crédito...

2- El caballero Oscuro
¿Se puede añadir algo más sobre esta película? gran historia que devuelve al personaje de Batman a todo su esplendor con una actuación para la historia-Heath Ledger- combinada por una trama llena de anarquía, caos...¿Hay alguien que aún no la haya visto?

1-El intercambio:

Es de Clint Eastwood y puedo perder bastante objetividad con ello pero estimo que es la mejor película del año. Una película que según avanza no va dando sucesivos golpes imposibles de esquivar y que nos sumergen totalmente en el relato, que por otra parte es propio de una telenovela. Las tres historias en las que se divide el relato se hallan perfectamente estructuradas dando bastante coherencia a la película. Y el final no se podría calificar ni como feliz ni como triste sino de esperanza.